Сезон 2025 года порадует любителей современного балета яркими премьерами и незабываемыми выступлениями, которые пройдут на лучших сценах Лондона, Парижа, Ниццы и Монако. Хореографы со всего мира объединят усилия, чтобы подарить зрителям новые произведения, полные эмоций и художественного мастерства.
The Linbury Theatre, Royal Opera House, 15–20 февраля 2025 года
Программа Acosta Danza раскрывает многогранность танцоров, которые виртуозно объединяют классический и современный танец. Постановки, такие как «Folclor», вдохновлённый кубинскими корнями, «Paysage, Soudain, La Nuit» — празднование юности в ритмах румбы, страстный дуэт «Soledad» и «Hybrid», соединяющий африканские традиции с современной хореографией, создают яркую и эмоциональную картину культурного разнообразия.
Royal Opera House, 20 февраля – 12 марта 2025 года
Кристал Пайт исследует темы утраты и человеческой связи под музыку «Симфонии скорбных песен» Генрика Гурецкого. Танцевальный спектакль исследует силу человеческой связи, напоминая о важности коллективного опыта в наше неспокойное время.
The Linbury Theatre, Royal Opera House, 6–10 марта 2025 года
Прима-балерина Королевского балета Наталия Осипова считается одной из ведущих исполнительниц мира, восхищая зрителей по всему миру своей артистизмом, драматической интенсивностью и выдающейся техникой. Этой весной Королевский балет представит особую программу с Осиповой в камерной обстановке Театра Линбери, включая работы хореографов Марты Грэм и Фредерика Эштона, а также мировую премьеру постановки норвежского хореографа Йо Стрёмгена.
Ежегодный гала-вечер «Иконы балета» проводится в Лондоне с 2006 года и является одним из главных культурных событий города. В 2025 году в мероприятии примут участие звезды ведущих мировых театров, включая Парижскую оперу, Королевский балет и Ла Скала. Гала-вечер пройдет под аккомпанемент Английского национального балетного филармонического оркестра.
Джордж Баланчин, изменивший облик балета 20 века, создал американский неоклассический стиль с помощью своей труппы New York City Ballet. В рамках фестиваля Dance Reflections by Van Cleef & Arpels Королевский балет представит три знаковые работы Баланчина: Серенаду, Блудного сына и Симфонию до мажор. Эти балеты олицетворяют творчество Баланчина, сочетая классические элементы с новаторскими подходами.
В программе: мировая премьера и два классических произведения Уильяма Форсайта. Зрители смогут насладиться возвращением “Playlist (EP)” — произведения, которое стало настоящим хитом, а также классическим “Herman Schmerman (Quintet)”, которое не исполнялось в Великобритании почти 30 лет. Завершит программу новая работа Форсайта, подробности которой будут объявлены позже.
В программе — четыре произведения, сочетающие чувственный современный балет и энергетику мюзикла. Зрители увидят Fool’s Paradise, The Two of Us, Us (Duet) и балетную сцену из мюзикла An American in Paris, поставленного по мотивам одноимённого фильма. Эти произведения раскрывают уникальный стиль Уилдона в сотрудничестве с различными композиторами и балетными танцорами.
Cité de la musique (Salle des Concerts), 5–9 февраля 2025 года
Южноафриканская хореограф Робин Орлин и французская певица Камиль, две из самых смелых и необузданных фигур на современной музыкальной сцене, в этом произведении исследуют важнейшую тему воды через гибридное и безудержное сценическое творение.
Théâtre des Champs-Élysées, 27–28 февраля 2025 года
Танцевый театр Джин Син, основанный в 1999 году в Китае, является ведущей современной танцевальной труппой страны. Во время сезона в Театре Шанз-Элизе труппа представит четыре хореографические работы: Sacre Эмануэля Гата, Echo Мои Майкл и два произведения Артура Кюгелейна — Cage Birds и Wild Flowers. Эти работы раскрывают различные подходы и диалоги в современном танце.
После Faunes Шарон Эйял представляет свой первый балет «на пуантах» для Парижской оперы — OCD Love, вдохновлённый текстом поэта Нила Хилборна о сложности любви и обсессивно-компульсивном расстройстве. Тему человеческих отношений также раскрывает Матс Эк в Appartement, где через юмор и повседневные предметы показывается одиночество персонажей. Шведский хореограф использует энергичные танцы, смешивая стили под музыку Fleshquartet.
Хофеш Шехтер, хореограф с многогранными влияниями — от Иерусалима его детства до Парижа юности и Лондона, где он живёт, — предлагает танец, который является visceral, интенсивным и электрическим. Для мировой премьеры в Парижской опере он создал целый вечер не для своей труппы, а для балета Парижской оперы, с которым он хорошо знаком, работая над дебютами репертуара The Art of Not Looking Back в 2018 году и Uprising и In Your Rooms в 2022 году.
Джин Син, настоящая пионерша в мире танца, хореограф и основательница собственной труппы, успешно преодолевает разрыв между Востоком и Западом, приглашая западных хореографов создавать работы для своей труппы. В этих двух выступлениях в начале марта компания исполнит произведение Wild Flowers (2018) голландского хореографа Артура Куггелеина, посвящённое неукротимой жизненной силе, позволяющей диким цветам расти даже на твёрдом асфальте.
Théâtre de la Ville, 28 февраля – 5 марта 2025 года
Жан-Кристоф Маийо представит одно из самых символичных произведений, созданных под музыку Джона Адамса, в котором абстрактные элементы и энергия жизни образуют оду жизни. Спектакль, радующий зрителей более трёх десятилетий, теперь в репертуаре компании также включает работы Шарон Эяль.
Сиди Ларби Шеркауи завершает диптих, начатый в 2022 году с Vlaemsch, и представляет Ihsane, исследующий отношения отца и сына, марокканскую культуру и город Тангеры. В программе также три произведения, исследующие пределы телесной энергии, включая Boléro от Шеркауи и Дэмиена Жале.
Théâtre des Champs-Elysées, 24–27 апреля 2025 года
Второе издание Dialogues — вечер пас-де-дё с участием четырёх выдающихся хореографов, среди которых Мац Эк и Акрама Хан с Sacred Monsters. Также будет представлена работа Шарон Эяль Into the Hairy, а финалом станет французская премьера балета Couch с музыкой Бизе.
В программе в Опера Ниццы представлены четыре хореографических произведения: The Vertiginous Thrill of Exactitude Уильяма Форсайта, посвященное классическому балету, эмоциональное дуэтное произведение Les Indomptés Клода Брюмашона, изысканная работа Ханса ван Манена Three Gnossiennes и энергичное произведение Александра Экмана Cacti, сочиненное с элементами юмора и виртуозности. Эти работы демонстрируют разнообразие современного танца.
Балет Монте-Карло представляют работы хореографов Лукаша Тимулака и Kor’sia. Тимулака, известного своими инновационными постановками, и Kor’sia, чьи работы отличаются уникальным стилем, объединяют свои таланты в этой программе. Для получения подробной информации о датах и местах выступлений рекомендуется посетить официальный сайт труппы.
Часто посетители музеев задумываются о том, как произведения искусства попадают в коллекцию и становятся доступными публике. Один из путей — переход частной коллекции в открытый формат, доступный для зрителей. История знает немало примеров, когда частные собрания становятся общественным достоянием. Ярким примером является коллекция Пегги Гуггенхайм.
Её собрание искусства ХХ века считается одним из важнейших и включает в себя всемирно известных авторов, многих из которых «открыла» сама Пегги. Её коллекция — это не только отражение уникального вкуса и визионерского подхода в коллекционировании, но и актуальных трендов, тенденций и событий того времени.
В разговоре о коллекции стоит немного рассказать и о самой Пегги. Детство и юность её прошли в окружении роскоши и драмы, которые оказали глубокое влияние на её будущую жизнь и место в обществе. Она родилась в Нью-Йорке в 1898 году в одной из самых влиятельных и богатых еврейских семей Америки. Когда Пегги было всего 13 лет, её отец трагически погиб на «Титанике».
Чуть позднее, как только ей исполнилось 18 и она получила права на наследство, Пегги отказалась от аристократической жизни в Нью-Йорке и отправилась в Европу. 20-е годы в Европе — это время расцвета новых течений, молодых, амбициозных и свободных поэтов, писателей и художников. Именно в такую среду попала Пегги, начав не только вести богемную жизнь, но и поддерживать сюрреалистический кинематограф, постепенно становясь коллекционером.
По совету Марселя Дюшана, Пегги ориентировалась на молодых художников, что раскрыло её визионерский талант и безупречную интуицию. Она скупала работы малоизвестного Пикассо, молодого Ива Танги, Кокто, Кандинского, Дали и поддерживала Джексона Поллока, будучи уверенной в его успехе. Пегги не ошиблась: она стала не только успешным коллекционером, но и трендсеттером среди культурного сообщества.
Её вкус ценили, а попасть в её коллекцию практически означало стать знаменитым художником.
Во время Второй мировой войны Гуггенхайм вывезла свою коллекцию из Европы в Нью-Йорк. Там она открыла два проекта — галереи «Guggenheim Jeune» и «The Art of This Century». Первая галерея оказалась полностью убыточной, а вторая представила публике впечатляющую коллекцию сюрреалистов и кубистов и впервые дала площадку для абстрактных экспрессионистов.
Peggy Guggenheim, Venice, 1968. Photo Tony Vaccaro / Tony Vaccaro Archives Источник: Peggy Guggenheim Collection
В 1948 году Пегги Гуггенхайм не просто переместила свою коллекцию в Венецию, но сделала её открытой для публики. В этом же году она создала свой павильон на Венецианской биеннале, разместив его в павильоне Греции по проекту архитектора Карло Скарпа. Благодаря Пегги на европейской арене дебютировал абстрактный экспрессионизм в лице Джексона Поллока — американское искусство впервые было представлено за пределами Америки.
Современная модель, воссоздающая инсталляцию коллекции Пегги Гуггенхайм в Греческом павильоне на 24-й Венецианской биеннале, 1948 Источник: Peggy Guggenheim Collection
Венеция стала для Пегги домом: она поселилась во дворце Вениер деи Леони на Гранд-канале, который быстро превратился в один из центров культурной жизни. С самого начала своего пути она не просто собирала искусство, но и делилась им, приглашая к себе художников, критиков, коллекционеров и просто любопытных посетителей. Её роль в культурной жизни была значительнее, чем можно себе представить: она вдохновляла, спонсировала, помогала развиваться авторам и их идеям. Благодаря Пегги мы видим искусство первой половины ХХ века таким, какое оно есть.
Открыв свою коллекцию для публики, Пегги Гуггенхайм не просто популяризировала современное искусство, но и превратила свою частную коллекцию в музей. В 1951 году её дом стал доступен для публики на постоянной основе. Пегги не только показывала свою коллекцию, но и делилась своей жизнью, тем, чем жила на протяжении многих лет.
С годами здоровье Пегги уже не позволяло ей управлять коллекцией самостоятельно. В 1976 году она приняла решение передать её Фонду Гуггенхайма, что обеспечило коллекции надёжное место в истории и дальнейшее развитие. Благодаря этому шагу коллекция не просто сохранилась, но и стала частью всемирной сети музеев Гуггенхайма.
Коллекция Пегги Гуггенхайм — яркий пример того, как частная инициатива, основанная на личной страсти и интуиции, может стать мировым культурным наследием. От частной домашней коллекции до галереи в Нью-Йорке и музея в Венеции, от экспериментов с выставочными форматами до интеграции в глобальную музейную сеть — её коллекция показывает, что искусство способно выйти за пределы личного владения и стать чем-то большим, чем частное собрание.
Даша Ильяшенко — основательница платформы KakdelArt, объединяющей русскоязычных художников в Израиле. Оставив карьеру в сфере IT, она посвятила себя развитию проекта, который служит мостом между художниками-репатриантами и локальной культурной средой. Ее история — это рассказ о том, как одна идея может изменить не только жизнь человека, но и целую творческую среду.
О себе и начале пути
ДашаИльяшенко
Я родилась в Москве, окончила журфак МГУ. Начинала карьеру в журналистике, работала в различных изданиях, но вскоре перешла в IT, где четыре года была комьюнити-менеджером в компании BlaBlaCar. Эта работа дала мне навыки управления сообществами, маркетинга, проектного менеджмента и основы бизнес-процессов. Однако со временем я поняла, что IT — это не то, что меня по-настоящему интересует. Я много путешествовала, побывала в 30 странах и всегда уделяла внимание современным музеям и альтернативным пространствам. Постепенно я поняла, что хочу заниматься проектами, связанными с искусством и урбанистикой, и решила погрузиться в тему креативных кластеров.
Переехав в Израиль в 2019 году, я начала воплощать идею создания креативных кластеров — пространств, таких как здания или кварталы, наполненных резидентами из творческих сфер. Эти кластеры задумывались как места для людей искусства, где художники и горожане могли бы взаимодействовать и обогащать друг друга. Исследуя локальную среду и налаживая контакты, я выяснила, что такая концепция в Израиле практически не известна, и мне предстояло популяризировать ее среди местного сообщества.
В начале пути я практически не отбирала никого специально в команду. Моя стратегия заключалась в том, чтобы прийти на любое событие или пространство и рассказать про свою идею создания креативного кластера. Идея сформировалась через общение с людьми. Некоторые просто поддерживали меня, кто-то говорил, что поучаствует позже, а кто-то хотел присоединиться к проекту сразу.
У меня не было бюджета или навыков фандрайзинга, но люди собирались вокруг идеи.
Для создания первых проектов я собрала единомышленников, которые были вдохновлены идеей нового культурного пространства. Изначально мы назывались «Cluster». Для израильтян это слово не несёт особого смысла и звучит абстрактно, поэтому оно отлично подошло нам в качестве названия. Наш первый проект — art-инсталляция в городском парке, реализованная в сотрудничестве с мэрией. Это было через два месяца после моей репатриации.
В 2020-2022 годах я начала сотрудничество с израильской командой, стремившейся создать что-то подобное арт-кластеру в бывшем хостеле. Постепенно я взяла на себя задачи по маркетингу и взаимодействию с сообществом. Несмотря на то, что на тот момент я не знала иврит, мои навыки продвижения и организации позволили продвигать проекты на иностранном для меня языке. Именно этот опыт помог мне освоить иврит, погрузиться в локальную арт-среду, познакомиться с площадками и поработать с грантами. Позже он пригодился мне при создании проекта KakdelArt.
Идея создания KakdelArt
Проект KakdelArt появился сразу после начала российско-украинского конфликта, в марте 2022 года. Я поняла, что начнется большая волна русскоязычной эмиграции, и решила помочь людям искусства найти себя в новой стране. Название «KakdelArt» мы придумали вместе с первыми членами сообщества. Фраза «Как дела?» известна каждому израильтянину благодаря множеству русскоязычных жителей, которые интегрировались в израильское общество и внесли свои базовые выражения, вроде «привет», «как дела», «как тебя зовут», в разговорный язык. Под этим брендом мы объединили русскоязычных художников и создали платформу, которая помогает им находить себя на израильской арт-сцене, участвовать в выставках и культурных событиях, а также взаимодействовать с местным сообществом.
Первое мероприятие проекта началось с open call для художников на благотворительную выставку в поддержку Украины, которая прошла в четырёх городах Израиля. На неё откликнулись около 70 художников, и в результате продажи их работ удалось собрать 36 тысяч шекелей.
Расширение сообщества и партнерских связей
С самого начала проекта KakdelArt мы активно развивали присутствие в социальных сетях: Instagram, Facebook и Telegram. Создавали открытые чаты и приглашали новых участников. Регулярно проводили нетворкинг-мероприятия, чтобы люди могли познакомиться друг с другом и с нами лично. Важную роль сыграло и сарафанное радио, которое помогало распространять информацию о проекте.
Также я рассказала о нашей деятельности Министерству Алии и муниципалитетам, и теперь они направляют к нам художников-репатриантов. О нас знают и другие организации, работающие с новыми репатриантами, такие как Маса и Таглит.
Финансовая модель
На разных проектах мы зарабатываем по-разному. Например, мы можем продавать билеты на нетворкинг-мероприятия или фестивали. Также у нас есть онлайн-курс для художников, который помогает участникам глубже понять местную арт-сцену и организованно работать над своими проектами, и участие в этом курсе является платным. Кроме того, мы запустили менторскую программу, где в роли менторов выступаем я и другие русскоязычные кураторы, которые давно живут в Израиле и хорошо понимают местные особенности. Среди них, например, Вера Гайлис и Катя Финкельштейн.
С этого года мы начали сотрудничать с другими организациями, что позволило нам привлечь сторонний бюджет для некоторых проектов. Например, Центр современного искусства и иудаизма Neve Schechter в Тель-Авиве получил грант на программу для русскоязычных художников и пригласил меня координировать и курировать этот проект.
Появляются и другие подобные проекты, где есть сторонние партнёры и финансирование. Например, музей современного искусства в Рамат Гане обратился к нам с идеей организовать мероприятие для художников-репатриантов в рамках одной из своих выставок. В некоторых проектах предусмотрен бюджет на координатора, и зачастую эту роль выполняю я. В других проектах могут быть стипендии для участников или средства на организацию мероприятий.
Такое сотрудничество с местными институциями позволяет нам становиться более заметными, и всё больше организаций хотят работать с нами, что даёт возможность реализовывать интересные проекты.
О трудностях и успешных проектах
Были и неудачные кейсы. Например, в прошлом году мне бесплатно предоставили большое красивое помещение, и я решила организовать там Artist Run Space — студию для художников. 20 художников стали резидентами, проводились выставки и мероприятия, и это был замечательный опыт. Однако вскоре нам пришлось вернуть это пространство, и я поняла, как важно иметь своё собственное место.
Я нашла новое пространство, но оно уже было платным и не дешёвым. Попробовала создать там студию и проводить мероприятия, однако помещение представляло собой единое пространство, не разделённое на отдельные студии. Это осложняло организацию: параллельно проходили рабочие процессы и вечеринки, что пагубно влияло на оба формата. К тому же аренда не окупалась, и финансово я выходила лишь в ноль, иногда в плюс, иногда в минус. Это место остаётся у меня до сих пор, оно востребовано в арт-сообществе, там проходят выставки, но сейчас его содержание убыточно, и я рассматриваю возможность закрытия.
Но есть и множество успешных проектов. Одним из них стало участие в Иерусалимской неделе дизайна. Это ежегодная большая арт-дизайн-выставка, на которую подаются сотни заявок. Ранее я сама несколько раз участвовала в этом open call, но не проходила отбор. В этом году я организовала встречу нашего сообщества с куратором фестиваля, что помогло художникам лучше понять требования и подать заявки. В итоге четыре человека из нашего сообщества прошли отбор и приняли участие, и я очень горжусь этим результатом.
Планы на будущее
Я вижу KakdelArt не только как платформу для интеграции русскоязычных художников в Израиле, но и как возможность для израильтян присоединиться к нашему сообществу. Моя цель — создать устойчивую сеть проектов, поддерживаемых как грантами, так и партнёрствами с местными институциями.
Мы не стремимся постоянно придумывать что-то новое, поскольку это не всегда рационально. Если что-то работает хорошо, мы продолжаем это делать, совершенствуем и упрощаем, чтобы всем было удобнее. Например, мы организуем фестивали пару раз в год и сейчас уже идет четвёртый поток нашего курса по развитию карьеры художника.
Сейчас мы планируем провести мульти-арт фестиваль на Новый год, как делаем это уже два года подряд. Новый год отмечается русскоязычным сообществом в Израиле, и израильтяне тоже знают об этом празднике. Мы организуем фестиваль с арт-программой прямо 31 декабря, чтобы люди могли отметить праздник вместе. В этом году у нас есть возможность провести его в Музее Города на одной из центральных площадей, и мы надеемся на положительное решение по бюджету.
Также у нас есть две площадки, которые принадлежат нам, но я рассматриваю возможность перейти на работу с партнёрскими пространствами, а не содержать свои собственные. Это сделает нашу деятельность проще, менее рискованной и, вероятно, более выгодной для художников. Весь проект остаётся достаточно гибким и развивается органично, без чётких и жёстких рамок.
Для меня больше важно не зарабатывать на этом проекте, а помогать художникам находить свои возможности для самореализации.
Евгения Скубина — художница и иллюстратор из Москвы, стремящаяся передать в своих работах свет, гармонию, беззаботность и внутреннюю красоту. Она сотрудничала с такими журналами, как Tatler, Glamour, Ornament Magazine, Seasons, а также с компаниями МегаФон, Yandex и Jardin Coffee.
В теплый осенний день мы встретились с Евгенией в её студии на Покровке, чтобы обсудить, как она находит красоту в повседневной жизни, преодолевает творческие кризисы и создаёт гармоничные композиции, вдохновляясь Матиссом и Гогеном.
Евгения Скубина Фото здесь и далее: Алексей Алифанов
О пути становления как творческого человека
С самого детства рисование было моим любимым занятием, поэтому я ходила в соответствующий кружок, а потом и в детскую художественную школу. Но «художка» с её требованиями и довольно консервативным подходом высосала из меня все соки и лишила какой-либо уверенности в себе как в художнице. И по сути она осталась моим единственным художественным образованием: пару лет после неё я вообще не притрагивалась к краскам и отправилась учиться на лингвиста-переводчика. Затем я постепенно вернулась к рисованию — сама дома осваивала масло и акрил, искала свой стиль и, сделав вираж в сторону графического дизайна и иллюстрации, оказалась там, где я сейчас, — художницей, чьё основное занятие — это живопись.
О выборе цветов и композиции
Как правило, когда смотрю на эскиз, понимаю, какой цвет я точно хочу добавить на картину. И от этого иду дальше: придумываю сочетания, которые хочу видеть. Постепенно так выстраивается вся работа. Мне хочется создавать гармоничные композиции, чтобы при взгляде на картину не создавалось ощущения дисбаланса и неуютности.
О процессе создания картины
Первые эскизы я делаю в электронном виде на айпаде — так удобнее подобрать цвета и композицию. Потом переношу его на картину, обычно немало чего изменяя в процессе. А вдохновить на сюжет могут совершенно случайные вещи: поза, увиденная в жизни, на фото или на другой картине, какие-то воображаемые ситуации.
Про стиль и влияние французских художников
Слово «фовизм» не слишком на слуху, поэтому чаще всего я называю свой стиль авангардом и добавляю, что вдохновляюсь Матиссом. Думаю, в первую очередь в работах Матисса и Гогена меня привлекает обилие цвета, красивые его сочетания и общая атмосфера радости, неги и безмятежности. В общем, всё то, что является ключевыми моментами и моего творчества. Из современных художников мне нравятся Pierre Boncompain, Pegge Hopper, Kelly Beeman.
Как можно увидеть, самые частые мои сюжеты — это безмятежные, задумчивые девушки и летние, тоже безмятежные в своём роде, натюрморты.
В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента или наших обыкновенных вещей, быта — всего того, что окружает нас каждый день и часто недополучает любования.
О направлениях в творчестве
Для меня безусловно живопись стоит на первом месте. Здесь я ощущаю большую свободу самовыражения и художественную силу. Но иллюстрация даёт возможность посотрудничать с крупными брендами, а значит, выйти на более обширную аудиторию. Как правило, бренды задают некие рамки для работы, но и это бывает интересно — сохранить свой стиль и при этом выполнить поставленную задачу. Сейчас как раз работаю над парой интересных новогодних проектов.
Про внутреннюю гармонию и вдохновение
Думаю, это просто некая моя мечта, которую я реализую в своих работах: красивый антураж, спокойное, мечтательное состояние героинь — это то, к чему я сама внутренне стремлюсь или что пытаюсь сохранить в нынешнем сумасшедшем мире.
О творческом кризисе
Единственный творческий кризис был, пожалуй, только после окончания художественной школы.
В остальные моменты я очень благодарна за свою участь быть художницей, рисовать почти каждый день и зарабатывать этим на жизнь — это моя отрада.
У меня был период нелюбимой работы в офисе в течение восьми лет, и это дало мне прививку от каких-либо жалоб на своё нынешнее дело. Всё будет лучше, чем та работа.
Artnetпредставил свой традиционный отчёт о состоянии арт-рынка за первую половину 2024 года. Делимся обзором отчета тенденциях арт-мира, наиболее популярных художниках, направлениях развития глобального арт-рынка.
1. Резкое падение продаж
В первой половине 2024 года на арт-рынке наблюдается значительное снижение продаж на 29,5% по сравнению с тем же периодом прошлого года. Это падение обусловлено дефицитом высококачественных лотов и снижением активности крупных коллекционеров. Интерес к искусству стоимостью свыше 10 миллионов долларов упал на 30%.
2. Лидеры рынка
Несмотря на глобальные экономические трудности, США сохраняют лидерство на арт-рынке, с продажами на сумму 2,2 миллиарда долларов за первую половину 2024 года. Это в два с половиной раза больше, чем в Великобритании, которая занимает второе место. Продажи в Китае также сократились на 49%, что связано с экономическими проблемами и спадом на рынке недвижимости.
3. Падение интереса к ультра-современному искусству
Интерес к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) сократился на 39% по сравнению с прошлым годом. Это указывает на ослабление спекуляций и снижение цен в этом сегменте.
4. Аукционные дома
Три крупнейших аукционных дома — Sotheby’s, Christie’s и Phillips — зафиксировали снижение продаж на 29%. Основная причина этого кроется в отсутствии знаковых коллекций и меньшей активности в продаже произведений искусства высшего класса.
5. Смена вкусов и предпочтений коллекционеров
В 2024 году наблюдается растущий интерес к разнообразию в коллекциях. Так, число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах увеличилось, а работы чернокожих художников и художников из Азии становятся все более востребованными.
6. Самые ищущиеся художники
В последние десять лет среди наиболее часто ищущихся художников в базе данных Artnet Price не произошло значительных изменений. Классические имена, такие как Пикассо, Рихтер и Уорхол, сохраняют свои позиции, как и Баския, Калдер, Шагал и Миро. Однако недавно в списке появилась Йоко Оно Кусама, отражая ее стремительный рост на рынке и в общественном сознании.
7. Тренды на будущее
Эксперты прогнозируют продолжение перестройки арт-рынка в ближайшие годы, где качество будет ставиться выше количества, а коллекционеры будут более избирательными в своих покупках.
Ключевые цифры:
Объем продаж
$5,05 млрд — Общая сумма, потраченная на искусство на аукционах в первой половине 2024 года. Это на 29,5% меньше, чем за аналогичный период 2023 года.
Лидеры рынка
$2,2 млрд — Сумма, потраченная на изобразительное искусство на аукционах в США в первой половине 2024 года. Это более чем в 2,5 раза превышает сумму, потраченную на искусство в Великобритании.
Ультра-современное искусство
-39% — Падение интереса к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) по сравнению с прошлым годом.
Аукционные дома
-29% — Падение общего объема продаж трех крупнейших аукционных домов — Sotheby’s, Christie’s и Phillips.
Женщины на аукционах
10 — Число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах в первые шесть месяцев 2024 года. Это на две больше, чем за тот же период прошлого года. Три женщины входят в двадцатку лучших, что на одну больше, чем в прошлом году.
Китайский рынок
-49% — Падение продаж в Китае, обусловленное экономическими трудностями и спадом на рынке недвижимости.
Для изобразительного искусства спорт во все времена был неиссякаемым источником вдохновения. Скульпторы, живописцы, графики создали колоссальное количество выдающихся произведений, посвященных личностям великих спортсменов или мгновениям состязаний и тренировок. Однако, мало кто знает, что в истории был короткий, но бесспорно замечательный период, когда искусство и спорт были ближе, чем когда-либо. И сошлись они ни где-нибудь, а на самых значимых мировых спортивных состязаниях – Олимпийских играх.
С 1912 по 1948 год на них проходили конкурсы искусств, где художники, скульпторы, архитекторы и музыканты наравне со спортсменами боролись за олимпийское золото, серебро и бронзу и завоевали в общей сложности 151 медаль.
Каталоги Конкурсов искусств Летних Олимпийских игр 1928, 1932, 1936 и 1948 годов
Источник: Steemit.com
Замысел организации олимпийских Конкурсов искусств принадлежал барону Пьеру де Кубертену – основателю современного олимпийского движения. Он мечтал о гармоничном сочетании спорта и искусства, как это было в Античности, и подчеркивал:
«Мы должны заново объединить узами законного брака давно разведенную пару – Тело и Разум».
Но понадобились годы и немалое упорство Кубертена, чтобы его идея стала реальностью, однако он, как настоящий боец преодолел все препятствия и в 1912 году в программу V Олимпийских игр в Стокгольме наконец вошли Конкурсы искусств.
Барон Пьер де Кубертен. 1915.
Источник: Wikimedia Commons
Изначально на Конкурсах искусств было представлено пять категорий – «Живопись», «Скульптура», «Архитектура», «Музыка» и «Литература», но в дальнейшем вместе с тем, как конкурсы набирали популярность, перечень категорий был расширен. К «Живописи», например, добавились «Рисунок», «Акварель», «Офорт», «Рекламная графика», «Печатная графика», а «Скульптуру» разделили на «Круглую скульптуру» и «Рельеф» и т.д.
Основные критерии отбора были просты – произведения должны были быть вдохновлены спортом, соответствовать олимпийским идеалам и быть оригинальными, нигде прежде не опубликованными. Исключение составляли архитекторы, которые могли подать на конкурс проект уже возведенного спортивного сооружения.
Первый Конкурс искусств на Олимпийских играх 1912 года в Стокгольме получился довольно скромным. Свои работы прислали всего 35 деятелей искусств и тем не менее награждения состоялись по всем категориям. За медали в номинации «Живопись» соревновались четыре художника. Самым известным из них был французский мастер Жан-Франсуа Рафаэлли, чьи произведения экспонировались на выставках импрессионистов 1880 и 1881 годов. Работами Рафаэлли восхищались Жорис-Карл Гюисманс и Эдгар Дега, однако олимпийских судей художник не впечатлил, и они не удостоили его медалью (в тот год медали за 2-е и 3-е места вообще не вручили никому). Победителем же стал не столь знаменитый итальянец Карло Пеллегрини, наиболее известный своими открытками с очаровательными иллюстрациями, посвященными зимним видам спорта в Альпах.
Карло Пеллегрини. Зимние спортивные игры. 1912.
Источник: Theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Живопись»)
Похожая судьба остаться без медалей постигла и двух всемирно известных скульпторов, принявших участие в конкурсе. Паоло Трубецкого – выдающегося скульптора-импрессиониста, разделившего с Роденом Гран-при Всемирной парижской выставки 1900 года в Париже и его блистательного ученика Рембрандта Бугатти – брата основателя легендарной автомобилестроительной компании «Bugatti» и талантливого анималиста, чьи скульптуры всегда ценились очень высоко (сегодня на аукционах они уходят с молотка за шестизначные суммы). Вместо них золото получил американец Уолтер Уайнэнс, что дало ему уникальный и единственный в истории дубль. На той же Олимпиаде 1912 года он выиграл серебро в спортивной секции стрельбы одиночным выстрелом по «бегущему оленю», а в 1908 году Уайнэнс удостоился золота за стрельбу по «бегущему оленю» двойным выстрелом. Таким образом он стал тем идеальным образцом равновесия Разума и Тела, о котором мечтал Кубертен.
Рембрандт Бугатти в Зоопарке Антверпена. 1908. Источник: Sladmore London
Уолтер Уайнэнс. Американский рысак. 1912. Источник: theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Скульптура»)
Кстати, еще одним золотым медалистом того года был, кто бы вы думали, сам барон Пьер де Кубертен. Переживая о том, что участников окажется недостаточно, он решил представить в номинации «Литература» свою «Оду спорту» и она принесла ему олимпийское золото.
Пьер де Кубертен. Ода спорту. 1912.
Источник: Olympics.com (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Литература»)
Второй Конкурс искусств на Олимпийских играх 1920 года в Антверпене тоже не привлек к себе особого внимания, а вот в 1924 году на VIII Летних Олимпийских играх в Париже случился настоящий прорыв. 190 конкурсантов из 24 стран представили 283 работы во всех категориях, 158 из которых были одобрены жюри и допущены к оценке. Несмотря на нежелание большинства великих художников того времени принимать в этих конкурсах, в тот год все же появилось несколько достойных медалистов.
Жан Рене Гоген – известный скульптор и четвертый сын выдающегося импрессиониста Поля Гогена за свою скульптуру «Боксер» выиграл бронзовую медаль, а Джек Батлер Йейтс, младший брат поэта и нобелевского лауреата Уильяма Йейтса получил серебро за картину «Заплыв Лиффи» и стал первым олимпийским медалистом недавно обретшей независимость Ирландии. Его картина посвящена одному из самых знаменитых и значимых мировых заплывов на открытой воде, который ежегодно проводится в Дублине с 1920 года. Написанная широкими, экспрессивными мазками, картина отлично передает напряженную атмосферу состязания и «боления». Художник берет точку зрения из зрительских рядов, тем самым позволяя каждому созерцающему полотно ощутить себя частью этого волнующего действа.
Жан Рене Гоген. Боксер. 1924.
Источник: Milesosgood.com (Бронзовая медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Скульптура»)
Джек Батлер Йейтс. Заплыв Лиффи. 1923.
Национальная галерея Ирландии, Дублин (Серебряная медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Живопись»)
А в секции «Архитектура» в тот год появился еще один художник-спортсмен. Венгерский пловец и двукратный чемпион I Летних Олимпийских игр 1896 года в Афинах Альфред Хайош принял участие в парижской Олимпиаде, как архитектор (он уже был студентом архитектурного отделения, когда взял два золота в 1896 году) и выиграл серебро за проект стадиона.
Альфред Хайош. 1896. Источник: Wikimedia Commons
Альфред Хайош во время работы над проектом стадиона для Конкурса искусств Летних Олимпийских игр 1924 года. 1924. Источник: Zsidokivalosagok.hu
Альфред Хайош. Проект стадиона. 1924
Парижские игры были также примечательны и тем, что в них приняли участие наши соотечественники.
Официально СССР в те годы бойкотировал Олимпийские игры, считая их буржуазной забавой.
Но находящихся в эмиграции русских деятелей искусств советские бойкоты не волновали и на конкурс свои произведения отправили русская поэтесса Мария Волынцева, более известная, как Мария Вега, а также один из крупнейших русских живописцев первой трети XX века Александр Яковлев – автор целого ряда знаменитых портретов, эскизов росписей Казанского вокзала в Москве и т.д. Ни он, ни Волынцева медали не выиграли, но имена их сохранились в официальных олимпийских архивах. Еще один наш великий соотечественник – композитор Игорь Стравинский участвовал в этой Олимпиаде в качестве члена жюри секции «Музыки».
Александр Яковлев. Автопортрет. 1917.
Государственная Третьяковская галерея
Поэтесса Мария Волынцева (Мария Вега). 1900-е годы
Игорь Стравинский. 1920-е годы. Источник: Wikimedia Commons
Конкурсы искусств набирали обороты и со следующих Олимпийских игр 1928 года в Амстердаме, во-первых, было значительно расширено количество категорий (с пяти до шестнадцати), во-вторых – значительно возросло число участников (1150 произведений от 370 художников в 1928 году, 1100 произведений от 540 художников в 1932 году, 667 произведений от 527 художников в 1936 году). Возрастала и популярность конкурсных выставок у зрителей. В Амстердаме выставку за месяц ее работы посетило свыше 10 000 человек, в Лос-Анджелесе в 1932 году экспозицию увидели 384 000 человек, и это несмотря на Великую депрессию, а в Берлине в 1936 году – 70 000 человек.
Среди чемпионов по-прежнему можно было встретить мастеров с мировой репутацией. Так, например, олимпийское золото в категории «Живопись» завоевал в 1928 году Исаак Исраэлс – выдающийся голландский импрессионист и близкий друг Эдуарда Мане и Макса Либерманна, а серебро досталось английской представительнице постимпрессионизма и первой женщине-академику Королевской Академии художеств Лауре Найт. В категории «Круглая скульптура» золото взял известный французский скульптор Поль Ландовски – автор знаменитой статуи Христа-искупителя в Рио-де-Жанейро, а также будущий куратор Всемирной выставки 1937 года в Париже, ставшей известной противостоянием советского и германского павильонов.
Исаак Исраэлс. Всадник в красном. 1928 (Золотая медаль Олимпийских игр 1928 года в категории «Живопись»)
Помимо них, в Олимпиадах в разные годы участвовали знаменитые немецкие мастера Макс Либерманн и Макс Слевогт, яркий представитель «парижской школы» Кес ван Донген, английский анималист Альфред Маннингс, французский художник и директор Академии изящных искусств Альбер Декарис и многие другие.
Кес ван Донген. Эквилибристка. 1907.
Sotheby’s (Произведение участвовало в Конкурсе искусств Летних Олимпийских игр 1932 года в Лос-Анджелесе)
Последний раз Конкурсы искусств прошли в 1948 году на Олимпиаде в Лондоне, и они тоже стали примечательны одним интересным фактов. Именно на них появился самый возрастной чемпион в истории современных Олимпийских игр. 73-летний Джон Копли завоевал серебряную медаль в категории «Графика» за свой офорт «Поло». Копли считается одним из важнейших английских офортистов XX века. Но спортивная тема нетипична для его творчества, тем не менее, в 1939 году его так восхитил матч по конному поло, что он создал целую серию офортов, вдохновленных увиденным и одна из работ этой серии принесла ему медаль и вписала в олимпийскую историю.
Джон Копли. Поло. 1939.
Источник: Copleygabain.com
Через год после Олимпиады, в 1949 году МОК, настроенный после Второй Мировой войны резко против Конкурсов искусств, сначала приостановил их проведение, а затем и вовсе отменил, полностью вычеркнув из исторического протокола соревнований все врученные художникам медали, которые перестали учитываться в медальном зачете стран-участниц.
Так, Разум и Тело вновь постиг формальный развод, однако они уже были слишком близки, чтобы кому-нибудь удалось разделить их в действительности. По сей день МОК продолжает организовывать параллельные культурно-просветительские программы к Олимпийским играм, в которые входят выставки, фестивали, публикации большого количества материалов, посвященных, как профессиональным художникам, так и мастерам из числа бывших спортсменов. Так что идея барона де Кубертена по-прежнему живет и искусство по-прежнему является значимой частью Олимпийских игр.