Современный балет 2025: премьеры и события на лучших сценах Европы

Современный балет 2025: премьеры и события на лучших сценах Европы

Сезон 2025 года порадует любителей современного балета яркими премьерами и незабываемыми выступлениями, которые пройдут на лучших сценах Лондона, Парижа, Ниццы и Монако. Хореографы со всего мира объединят усилия, чтобы подарить зрителям новые произведения, полные эмоций и художественного мастерства.

Лондон

Folclor

Сцена из спектакля Folclor в Королевском Оперном Театре

The Linbury Theatre, Royal Opera House, 15–20 февраля 2025 года

Программа Acosta Danza раскрывает многогранность танцоров, которые виртуозно объединяют классический и современный танец. Постановки, такие как «Folclor», вдохновлённый кубинскими корнями, «Paysage, Soudain, La Nuit» — празднование юности в ритмах румбы, страстный дуэт «Soledad» и «Hybrid», соединяющий африканские традиции с современной хореографией, создают яркую и эмоциональную картину культурного разнообразия.

Light of Passage

Танцовщица в Light of Passage на сцене Королевского оперного театра

Royal Opera House, 20 февраля – 12 марта 2025 года

Кристал Пайт исследует темы утраты и человеческой связи под музыку «Симфонии скорбных песен» Генрика Гурецкого. Танцевальный спектакль исследует силу человеческой связи, напоминая о важности коллективного опыта в наше неспокойное время.

Osipova/Linbury

Наталья Осипова исполняет танец, полный чувственности, в Osipova Linbury

The Linbury Theatre, Royal Opera House, 6–10 марта 2025 года

Прима-балерина Королевского балета Наталия Осипова считается одной из ведущих исполнительниц мира, восхищая зрителей по всему миру своей артистизмом, драматической интенсивностью и выдающейся техникой. Этой весной Королевский балет представит особую программу с Осиповой в камерной обстановке Театра Линбери, включая работы хореографов Марты Грэм и Фредерика Эштона, а также мировую премьеру постановки норвежского хореографа Йо Стрёмгена.

Ballet Icons Gala

Завораживающий момент балетного выступления, запечатленный на афише гала-концерта Ballet Icons Gala 2025

London Coliseum, 9 марта 2025 года

Ежегодный гала-вечер «Иконы балета» проводится в Лондоне с 2006 года и является одним из главных культурных событий города. В 2025 году в мероприятии примут участие звезды ведущих мировых театров, включая Парижскую оперу, Королевский балет и Ла Скала. Гала-вечер пройдет под аккомпанемент Английского национального балетного филармонического оркестра.

Balanchine: Three Signature Works

Балерины в движении на представлении Balanchine: Three Signature Works

Royal Opera House, 28 марта – 8 апреля 2025 года

Джордж Баланчин, изменивший облик балета 20 века, создал американский неоклассический стиль с помощью своей труппы New York City Ballet. В рамках фестиваля Dance Reflections by Van Cleef & Arpels Королевский балет представит три знаковые работы Баланчина: Серенаду, Блудного сына и Симфонию до мажор. Эти балеты олицетворяют творчество Баланчина, сочетая классические элементы с новаторскими подходами.

The Forsythe Programme

Танцоры в прыжке на фоне темной сцены Sadler's Wells Theatre

Sadler’s Wells Theatre, 10 – 19 апреля 2025 года

В программе: мировая премьера и два классических произведения Уильяма Форсайта. Зрители смогут насладиться возвращением “Playlist (EP)” — произведения, которое стало настоящим хитом, а также классическим “Herman Schmerman (Quintet)”, которое не исполнялось в Великобритании почти 30 лет. Завершит программу новая работа Форсайта, подробности которой будут объявлены позже.

Ballet to Broadway: Wheeldon Works

Афиша представления "Wheeldon: Ballet to Broadway" Королевского балета

Royal Opera House, 9–27 мая 2025 года

В программе — четыре произведения, сочетающие чувственный современный балет и энергетику мюзикла. Зрители увидят Fool’s Paradise, The Two of Us, Us (Duet) и балетную сцену из мюзикла An American in Paris, поставленного по мотивам одноимённого фильма. Эти произведения раскрывают уникальный стиль Уилдона в сотрудничестве с различными композиторами и балетными танцорами.

Париж

Robyn Orlin / Camille / Phuphuma Love Minus

Сцена из представления Robyn Orlin и Camille, исследующего тему воды через танец, музыку и визуальные эффекты

Cité de la musique (Salle des Concerts), 5–9 февраля 2025 года

Южноафриканская хореограф Робин Орлин и французская певица Камиль, две из самых смелых и необузданных фигур на современной музыкальной сцене, в этом произведении исследуют важнейшую тему воды через гибридное и безудержное сценическое творение.

Jin Xing Dance Theatre Shanghai

Танцоры Jin Xing Dance Theatre Shanghai в динамичной позе во время представления Trinity

Théâtre des Champs-Élysées, 27–28 февраля 2025 года

Танцевый театр Джин Син, основанный в 1999 году в Китае, является ведущей современной танцевальной труппой страны. Во время сезона в Театре Шанз-Элизе труппа представит четыре хореографические работы: Sacre Эмануэля Гата, Echo Мои Майкл и два произведения Артура Кюгелейна — Cage Birds и Wild Flowers. Эти работы раскрывают различные подходы и диалоги в современном танце.

Sharon Eyal / Mats Ek

Сцена из балета OCD Love Шэрон Эяль в Парижской опере, исследующая сложности любви через движение и эмоции

Palais Garnier, 27 марта – 18 апреля 2025 года

После Faunes Шарон Эйял представляет свой первый балет «на пуантах» для Парижской оперы — OCD Love, вдохновлённый текстом поэта Нила Хилборна о сложности любви и обсессивно-компульсивном расстройстве. Тему человеческих отношений также раскрывает Матс Эк в Appartement, где через юмор и повседневные предметы показывается одиночество персонажей. Шведский хореограф использует энергичные танцы, смешивая стили под музыку Fleshquartet.

Hofesh Shechter

Хофеш Шехтер, хореограф, предлагающий висцеральный, интенсивный и электрический танец для Парижской оперы

Palais Garnier, 10 июня – 14 июля 2025 года

Хофеш Шехтер, хореограф с многогранными влияниями — от Иерусалима его детства до Парижа юности и Лондона, где он живёт, — предлагает танец, который является visceral, интенсивным и электрическим. Для мировой премьеры в Парижской опере он создал целый вечер не для своей труппы, а для балета Парижской оперы, с которым он хорошо знаком, работая над дебютами репертуара The Art of Not Looking Back в 2018 году и Uprising и In Your Rooms в 2022 году.

Wild Flowers

Танцоры Jin Xing Dance Theatre Shanghai в красочных костюмах во время исполнения "Wild Flowers", балета об упорной жизненной силе диких цветов

Théâtre des Champs-Elysées, 1–2 марта 2025 года

Джин Син, настоящая пионерша в мире танца, хореограф и основательница собственной труппы, успешно преодолевает разрыв между Востоком и Западом, приглашая западных хореографов создавать работы для своей труппы. В этих двух выступлениях в начале марта компания исполнит произведение Wild Flowers (2018) голландского хореографа Артура Куггелеина, посвящённое неукротимой жизненной силе, позволяющей диким цветам расти даже на твёрдом асфальте.

Les Ballets de Monte-Carlo: Eyal / Maillot

Энергичная сцена из "Vers un Pays Sage" Жана-Кристофа Маийо, исполненная Les Ballets de Monte-Carlo, демонстрирующая абстрактные элементы и жизненную силу

Théâtre de la Ville, 28 февраля – 5 марта 2025 года

Жан-Кристоф Маийо представит одно из самых символичных произведений, созданных под музыку Джона Адамса, в котором абстрактные элементы и энергия жизни образуют оду жизни. Спектакль, радующий зрителей более трёх десятилетий, теперь в репертуаре компании также включает работы Шарон Эяль.

Strong – Busk – Boléro

Танцоры Ballet du Grand Théâtre de Genève, исполняющие современную хореографию на сцене Théâtre du Châtelet

Théâtre du Châtelet, 10–13 апреля 2025 года

Сиди Ларби Шеркауи завершает диптих, начатый в 2022 году с Vlaemsch, и представляет Ihsane, исследующий отношения отца и сына, марокканскую культуру и город Тангеры. В программе также три произведения, исследующие пределы телесной энергии, включая Boléro от Шеркауи и Дэмиена Жале.

Dialogues II

Представление "Dialogues II" в Théâtre des Champs-Elysées, вечер современных pas de deux от ведущих мировых хореографов

Théâtre des Champs-Elysées, 24–27 апреля 2025 года

Второе издание Dialogues — вечер пас-де-дё с участием четырёх выдающихся хореографов, среди которых Мац Эк и Акрама Хан с Sacred Monsters. Также будет представлена работа Шарон Эяль Into the Hairy, а финалом станет французская премьера балета Couch с музыкой Бизе.

Ницца

Forsythe / Brumachon / Van Manen / Ekman

Сцена из балета "Cacti" Александра Экмана, в исполнении артистов Houston Ballet. Фотография Амитавы Саркара (2016), предоставлена Houston Ballet

Opéra de Nice, 2–8 апреля 2025 года

В программе в Опера Ниццы представлены четыре хореографических произведения: The Vertiginous Thrill of Exactitude Уильяма Форсайта, посвященное классическому балету, эмоциональное дуэтное произведение Les Indomptés Клода Брюмашона, изысканная работа Ханса ван Манена Three Gnossiennes и энергичное произведение Александра Экмана Cacti, сочиненное с элементами юмора и виртуозности. Эти работы демонстрируют разнообразие современного танца.

Монако

Timulak – Korsia

Сцена из представления Timulak - Korsia в Ballets de Monte-Carlo

Opéra de Monte-Carlo, 17–20 июля 2025 года

Балет Монте-Карло представляют работы хореографов Лукаша Тимулака и Kor’sia. Тимулака, известного своими инновационными постановками, и Kor’sia, чьи работы отличаются уникальным стилем, объединяют свои таланты в этой программе. Для получения подробной информации о датах и местах выступлений рекомендуется посетить официальный сайт труппы.

Как коллекция Пегги Гуггенхайм изменила мир искусства: история частного собрания, ставшего музеем

Как коллекция Пегги Гуггенхайм изменила мир искусства: история частного собрания, ставшего музеем

Часто посетители музеев задумываются о том, как произведения искусства попадают в коллекцию и становятся доступными публике. Один из путей — переход частной коллекции в открытый формат, доступный для зрителей. История знает немало примеров, когда частные собрания становятся общественным достоянием. Ярким примером является коллекция Пегги Гуггенхайм.

Её собрание искусства ХХ века считается одним из важнейших и включает в себя всемирно известных авторов, многих из которых «открыла» сама Пегги. Её коллекция — это не только отражение уникального вкуса и визионерского подхода в коллекционировании, но и актуальных трендов, тенденций и событий того времени.

Пегги Гуггенхайм в Париже 1940 год
Peggy Guggenheim in Paris, photographed by Rogi André, ca. 1940
Источник: Peggy Guggenheim Collection

В разговоре о коллекции стоит немного рассказать и о самой Пегги. Детство и юность её прошли в окружении роскоши и драмы, которые оказали глубокое влияние на её будущую жизнь и место в обществе. Она родилась в Нью-Йорке в 1898 году в одной из самых влиятельных и богатых еврейских семей Америки. Когда Пегги было всего 13 лет, её отец трагически погиб на «Титанике».

Чуть позднее, как только ей исполнилось 18 и она получила права на наследство, Пегги отказалась от аристократической жизни в Нью-Йорке и отправилась в Европу. 20-е годы в Европе — это время расцвета новых течений, молодых, амбициозных и свободных поэтов, писателей и художников. Именно в такую среду попала Пегги, начав не только вести богемную жизнь, но и поддерживать сюрреалистический кинематограф, постепенно становясь коллекционером.

По совету Марселя Дюшана, Пегги ориентировалась на молодых художников, что раскрыло её визионерский талант и безупречную интуицию. Она скупала работы малоизвестного Пикассо, молодого Ива Танги, Кокто, Кандинского, Дали и поддерживала Джексона Поллока, будучи уверенной в его успехе. Пегги не ошиблась: она стала не только успешным коллекционером, но и трендсеттером среди культурного сообщества.

Её вкус ценили, а попасть в её коллекцию практически означало стать знаменитым художником.

Во время Второй мировой войны Гуггенхайм вывезла свою коллекцию из Европы в Нью-Йорк. Там она открыла два проекта — галереи «Guggenheim Jeune» и «The Art of This Century». Первая галерея оказалась полностью убыточной, а вторая представила публике впечатляющую коллекцию сюрреалистов и кубистов и впервые дала площадку для абстрактных экспрессионистов.

Фотография Пегги Гуггенхайм на фоне Венеции
Peggy Guggenheim, Venice, 1968. Photo Tony Vaccaro / Tony Vaccaro Archives
Источник: Peggy Guggenheim Collection

В 1948 году Пегги Гуггенхайм не просто переместила свою коллекцию в Венецию, но сделала её открытой для публики. В этом же году она создала свой павильон на Венецианской биеннале, разместив его в павильоне Греции по проекту архитектора Карло Скарпа. Благодаря Пегги на европейской арене дебютировал абстрактный экспрессионизм в лице Джексона Поллока — американское искусство впервые было представлено за пределами Америки.

Современная модель, воссоздающая инсталляцию коллекции Пегги Гуггенхайм в греческом павильоне, 24-я Венецианская биеннале, 1948 год


Современная модель, воссоздающая инсталляцию коллекции Пегги Гуггенхайм в Греческом павильоне на 24-й Венецианской биеннале, 1948 Источник: Peggy Guggenheim Collection

Венеция стала для Пегги домом: она поселилась во дворце Вениер деи Леони на Гранд-канале, который быстро превратился в один из центров культурной жизни. С самого начала своего пути она не просто собирала искусство, но и делилась им, приглашая к себе художников, критиков, коллекционеров и просто любопытных посетителей. Её роль в культурной жизни была значительнее, чем можно себе представить: она вдохновляла, спонсировала, помогала развиваться авторам и их идеям. Благодаря Пегги мы видим искусство первой половины ХХ века таким, какое оно есть.

Открыв свою коллекцию для публики, Пегги Гуггенхайм не просто популяризировала современное искусство, но и превратила свою частную коллекцию в музей. В 1951 году её дом стал доступен для публики на постоянной основе. Пегги не только показывала свою коллекцию, но и делилась своей жизнью, тем, чем жила на протяжении многих лет.

Фотография Пегги Гуггенхайм на фоне греческого павильона, Венецианская биеннале, 1948
Peggy Guggenheim at the Greek Pavilion, Venice Biennale, 1948
Источник: Peggy Guggenheim Collection

С годами здоровье Пегги уже не позволяло ей управлять коллекцией самостоятельно. В 1976 году она приняла решение передать её Фонду Гуггенхайма, что обеспечило коллекции надёжное место в истории и дальнейшее развитие. Благодаря этому шагу коллекция не просто сохранилась, но и стала частью всемирной сети музеев Гуггенхайма.

Коллекция Пегги Гуггенхайм — яркий пример того, как частная инициатива, основанная на личной страсти и интуиции, может стать мировым культурным наследием. От частной домашней коллекции до галереи в Нью-Йорке и музея в Венеции, от экспериментов с выставочными форматами до интеграции в глобальную музейную сеть — её коллекция показывает, что искусство способно выйти за пределы личного владения и стать чем-то большим, чем частное собрание.

Автор: Дарья Полежаева, автор телеграм-канала «О прекрасном без прикрас».

Из IT в искусство: как Даша Ильяшенко основала арт-сообщество KakdelArt

Из IT в искусство: как Даша Ильяшенко основала арт-сообщество KakdelArt

Даша Ильяшенко — основательница платформы KakdelArt, объединяющей русскоязычных художников в Израиле. Оставив карьеру в сфере IT, она посвятила себя развитию проекта, который служит мостом между художниками-репатриантами и локальной культурной средой. Ее история — это рассказ о том, как одна идея может изменить не только жизнь человека, но и целую творческую среду.

О себе и начале пути

художница Даша Ильяшенко на выставке
Даша Ильяшенко

Я родилась в Москве, окончила журфак МГУ. Начинала карьеру в журналистике, работала в различных изданиях, но вскоре перешла в IT, где четыре года была комьюнити-менеджером в компании BlaBlaCar. Эта работа дала мне навыки управления сообществами, маркетинга, проектного менеджмента и основы бизнес-процессов. Однако со временем я поняла, что IT — это не то, что меня по-настоящему интересует. Я много путешествовала, побывала в 30 странах и всегда уделяла внимание современным музеям и альтернативным пространствам. Постепенно я поняла, что хочу заниматься проектами, связанными с искусством и урбанистикой, и решила погрузиться в тему креативных кластеров.

Переехав в Израиль в 2019 году, я начала воплощать идею создания креативных кластеров — пространств, таких как здания или кварталы, наполненных резидентами из творческих сфер. Эти кластеры задумывались как места для людей искусства, где художники и горожане могли бы взаимодействовать и обогащать друг друга. Исследуя локальную среду и налаживая контакты, я выяснила, что такая концепция в Израиле практически не известна, и мне предстояло популяризировать ее среди местного сообщества.

В начале пути я практически не отбирала никого специально в команду. Моя стратегия заключалась в том, чтобы прийти на любое событие или пространство и рассказать про свою идею создания креативного кластера. Идея сформировалась через общение с людьми. Некоторые просто поддерживали меня, кто-то говорил, что поучаствует позже, а кто-то хотел присоединиться к проекту сразу.

У меня не было бюджета или навыков фандрайзинга, но люди собирались вокруг идеи.

Для создания первых проектов я собрала единомышленников, которые были вдохновлены идеей нового культурного пространства. Изначально мы назывались «Cluster». Для израильтян это слово не несёт особого смысла и звучит абстрактно, поэтому оно отлично подошло нам в качестве названия. Наш первый проект — art-инсталляция в городском парке, реализованная в сотрудничестве с мэрией. Это было через два месяца после моей репатриации.

В 2020-2022 годах я начала сотрудничество с израильской командой, стремившейся создать что-то подобное арт-кластеру в бывшем хостеле. Постепенно я взяла на себя задачи по маркетингу и взаимодействию с сообществом. Несмотря на то, что на тот момент я не знала иврит, мои навыки продвижения и организации позволили продвигать проекты на иностранном для меня языке. Именно этот опыт помог мне освоить иврит, погрузиться в локальную арт-среду, познакомиться с площадками и поработать с грантами. Позже он пригодился мне при создании проекта  KakdelArt.

Идея создания KakdelArt

платформа KakdelArt, объединяющая русскоязычных художников в Израиле

Проект KakdelArt появился сразу после начала российско-украинского конфликта, в марте 2022 года. Я поняла, что начнется большая волна русскоязычной эмиграции, и решила помочь людям искусства найти себя в новой стране. Название «KakdelArt» мы придумали вместе с первыми членами сообщества. Фраза «Как дела?» известна каждому израильтянину благодаря множеству русскоязычных жителей, которые интегрировались в израильское общество и внесли свои базовые выражения, вроде «привет», «как дела», «как тебя зовут», в разговорный язык. Под этим брендом мы объединили русскоязычных художников и создали платформу, которая помогает им находить себя на израильской арт-сцене, участвовать в выставках и культурных событиях, а также взаимодействовать с местным сообществом.

Первое мероприятие проекта началось с open call для художников на благотворительную выставку в поддержку Украины, которая прошла в четырёх городах Израиля. На неё откликнулись около 70 художников, и в результате продажи их работ удалось собрать 36 тысяч шекелей.

Расширение сообщества и партнерских связей

С самого начала проекта KakdelArt мы активно развивали присутствие в социальных сетях: Instagram, Facebook и Telegram. Создавали открытые чаты и приглашали новых участников. Регулярно проводили нетворкинг-мероприятия, чтобы люди могли познакомиться друг с другом и с нами лично. Важную роль сыграло и сарафанное радио, которое помогало распространять информацию о проекте.

экспонат художественной выставки

Также я рассказала о нашей деятельности Министерству Алии и муниципалитетам, и теперь они направляют к нам художников-репатриантов. О нас знают и другие организации, работающие с новыми репатриантами, такие как Маса и Таглит.

Финансовая модель

На разных проектах мы зарабатываем по-разному. Например, мы можем продавать билеты на нетворкинг-мероприятия или фестивали. Также у нас есть онлайн-курс для художников, который помогает участникам глубже понять местную арт-сцену и организованно работать над своими проектами, и участие в этом курсе является платным. Кроме того, мы запустили менторскую программу, где в роли менторов выступаем я и другие русскоязычные кураторы, которые давно живут в Израиле и хорошо понимают местные особенности. Среди них, например, Вера Гайлис и Катя Финкельштейн.

С этого года мы начали сотрудничать с другими организациями, что позволило нам привлечь сторонний бюджет для некоторых проектов. Например, Центр современного искусства и иудаизма Neve Schechter в Тель-Авиве получил грант на программу для русскоязычных художников и пригласил меня координировать и курировать этот проект.

Появляются и другие подобные проекты, где есть сторонние партнёры и финансирование. Например, музей современного искусства в Рамат Гане обратился к нам с идеей организовать мероприятие для художников-репатриантов в рамках одной из своих выставок. В некоторых проектах предусмотрен бюджет на координатора, и зачастую эту роль выполняю я. В других проектах могут быть стипендии для участников или средства на организацию мероприятий.

Такое сотрудничество с местными институциями позволяет нам становиться более заметными, и всё больше организаций хотят работать с нами, что даёт возможность реализовывать интересные проекты.

выставка художников, организованная платформой KakdelArt

О трудностях и успешных проектах

Были и неудачные кейсы. Например, в прошлом году мне бесплатно предоставили большое красивое помещение, и я решила организовать там Artist Run Space — студию для художников. 20 художников стали резидентами, проводились выставки и мероприятия, и это был замечательный опыт. Однако вскоре нам пришлось вернуть это пространство, и я поняла, как важно иметь своё собственное место.

Я нашла новое пространство, но оно уже было платным и не дешёвым. Попробовала создать там студию и проводить мероприятия, однако помещение представляло собой единое пространство, не разделённое на отдельные студии. Это осложняло организацию: параллельно проходили рабочие процессы и вечеринки, что пагубно влияло на оба формата. К тому же аренда не окупалась, и финансово я выходила лишь в ноль, иногда в плюс, иногда в минус. Это место остаётся у меня до сих пор, оно востребовано в арт-сообществе, там проходят выставки, но сейчас его содержание убыточно, и я рассматриваю возможность закрытия.

Но есть и множество успешных проектов. Одним из них стало участие в Иерусалимской неделе дизайна. Это ежегодная большая арт-дизайн-выставка, на которую подаются сотни заявок. Ранее я сама несколько раз участвовала в этом open call, но не проходила отбор. В этом году я организовала встречу нашего сообщества с куратором фестиваля, что помогло художникам лучше понять требования и подать заявки. В итоге четыре человека из нашего сообщества прошли отбор и приняли участие, и я очень горжусь этим результатом.

Планы на будущее

Я вижу KakdelArt не только как платформу для интеграции русскоязычных художников в Израиле, но и как возможность для израильтян присоединиться к нашему сообществу. Моя цель — создать устойчивую сеть проектов, поддерживаемых как грантами, так и партнёрствами с местными институциями.

посетители на художественной выставке KakdelArt

Мы не стремимся постоянно придумывать что-то новое, поскольку это не всегда рационально. Если что-то работает хорошо, мы продолжаем это делать, совершенствуем и упрощаем, чтобы всем было удобнее. Например, мы организуем фестивали пару раз в год и сейчас уже идет четвёртый поток нашего курса по развитию карьеры художника.

Сейчас мы планируем провести мульти-арт фестиваль на Новый год, как делаем это уже два года подряд. Новый год отмечается русскоязычным сообществом в Израиле, и израильтяне тоже знают об этом празднике. Мы организуем фестиваль с арт-программой прямо 31 декабря, чтобы люди могли отметить праздник вместе. В этом году у нас есть возможность провести его в Музее Города на одной из центральных площадей, и мы надеемся на положительное решение по бюджету.

Также у нас есть две площадки, которые принадлежат нам, но я рассматриваю возможность перейти на работу с партнёрскими пространствами, а не содержать свои собственные. Это сделает нашу деятельность проще, менее рискованной и, вероятно, более выгодной для художников. Весь проект остаётся достаточно гибким и развивается органично, без чётких и жёстких рамок.

Для меня больше важно не зарабатывать на этом проекте, а помогать художникам находить свои возможности для самореализации.

«В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента»: художница и иллюстратор Евгения Скубина

«В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента»: художница и иллюстратор Евгения Скубина

Евгения Скубина — художница и иллюстратор из Москвы, стремящаяся передать в своих работах свет, гармонию, беззаботность и внутреннюю красоту. Она сотрудничала с такими журналами, как Tatler, Glamour, Ornament Magazine, Seasons, а также с компаниями МегаФон, Yandex и Jardin Coffee.

В теплый осенний день мы встретились с Евгенией в её студии на Покровке, чтобы обсудить, как она находит красоту в повседневной жизни, преодолевает творческие кризисы и создаёт гармоничные композиции, вдохновляясь Матиссом и Гогеном.

Интервью с художницей Евгенией Скубиной для The Kult Talk.
Евгения Скубина
Фото здесь и далее: Алексей Алифанов

О пути становления как творческого человека

С самого детства рисование было моим любимым занятием, поэтому я ходила в соответствующий кружок, а потом и в детскую художественную школу. Но «художка» с её требованиями и довольно консервативным подходом высосала из меня все соки и лишила какой-либо уверенности в себе как в художнице. И по сути она осталась моим единственным художественным образованием: пару лет после неё я вообще не притрагивалась к краскам и отправилась учиться на лингвиста-переводчика. Затем я постепенно вернулась к рисованию — сама дома осваивала масло и акрил, искала свой стиль и, сделав вираж в сторону графического дизайна и иллюстрации, оказалась там, где я сейчас, — художницей, чьё основное занятие — это живопись.

фото Евгении Скубиной: фотограф Алексей Алифанов

О выборе цветов и композиции

Как правило, когда смотрю на эскиз, понимаю, какой цвет я точно хочу добавить на картину. И от этого иду дальше: придумываю сочетания, которые хочу видеть. Постепенно так выстраивается вся работа. Мне хочется создавать гармоничные композиции, чтобы при взгляде на картину не создавалось ощущения дисбаланса и неуютности.

фото процесса создания картины

О процессе создания картины

Первые эскизы я делаю в электронном виде на айпаде — так удобнее подобрать цвета и композицию. Потом переношу его на картину, обычно немало чего изменяя в процессе. А вдохновить на сюжет могут совершенно случайные вещи: поза, увиденная в жизни, на фото или на другой картине, какие-то воображаемые ситуации.

фото художницы за работой

Про стиль и влияние французских художников

Слово «фовизм» не слишком на слуху, поэтому чаще всего я называю свой стиль авангардом и добавляю, что вдохновляюсь Матиссом. Думаю, в первую очередь в работах Матисса и Гогена меня привлекает обилие цвета, красивые его сочетания и общая атмосфера радости, неги и безмятежности. В общем, всё то, что является ключевыми моментами и моего творчества. Из современных художников мне нравятся Pierre Boncompain, Pegge Hopper, Kelly Beeman.

Как можно увидеть, самые частые мои сюжеты — это безмятежные, задумчивые девушки и летние, тоже безмятежные в своём роде, натюрморты.

В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента или наших обыкновенных вещей, быта — всего того, что окружает нас каждый день и часто недополучает любования.

фото художницы Скубиной в процессе творчества

О направлениях в творчестве

Для меня безусловно живопись стоит на первом месте. Здесь я ощущаю большую свободу самовыражения и художественную силу. Но иллюстрация даёт возможность посотрудничать с крупными брендами, а значит, выйти на более обширную аудиторию. Как правило, бренды задают некие рамки для работы, но и это бывает интересно — сохранить свой стиль и при этом выполнить поставленную задачу. Сейчас как раз работаю над парой интересных новогодних проектов.

Про внутреннюю гармонию и вдохновение

фото инструментов художника

Думаю, это просто некая моя мечта, которую я реализую в своих работах: красивый антураж, спокойное, мечтательное состояние героинь — это то, к чему я сама внутренне стремлюсь или что пытаюсь сохранить в нынешнем сумасшедшем мире.

О творческом кризисе

фото художницы с велосипедом и с цветами в руках

Единственный творческий кризис был, пожалуй, только после окончания художественной школы.

В остальные моменты я очень благодарна за свою участь быть художницей, рисовать почти каждый день и зарабатывать этим на жизнь — это моя отрада.

У меня был период нелюбимой работы в офисе в течение восьми лет, и это дало мне прививку от каких-либо жалоб на своё нынешнее дело. Всё будет лучше, чем та работа.

Беседовала: Наталья Андреева

Фотограф: Алексей Алифанов

Арт-рынок 2024: ключевые тренды и прогнозы от Artnet

Арт-рынок 2024: ключевые тренды и прогнозы от Artnet

Artnet представил свой традиционный отчёт о состоянии арт-рынка за первую половину 2024 года. Делимся обзором отчета тенденциях арт-мира, наиболее популярных художниках, направлениях развития глобального арт-рынка.

1. Резкое падение продаж

В первой половине 2024 года на арт-рынке наблюдается значительное снижение продаж на 29,5% по сравнению с тем же периодом прошлого года. Это падение обусловлено дефицитом высококачественных лотов и снижением активности крупных коллекционеров. Интерес к искусству стоимостью свыше 10 миллионов долларов упал на 30%​.

2. Лидеры рынка

Несмотря на глобальные экономические трудности, США сохраняют лидерство на арт-рынке, с продажами на сумму 2,2 миллиарда долларов за первую половину 2024 года. Это в два с половиной раза больше, чем в Великобритании, которая занимает второе место​. Продажи в Китае также сократились на 49%, что связано с экономическими проблемами и спадом на рынке недвижимости.

3. Падение интереса к ультра-современному искусству

Интерес к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) сократился на 39% по сравнению с прошлым годом. Это указывает на ослабление спекуляций и снижение цен в этом сегменте.

4. Аукционные дома

Три крупнейших аукционных дома — Sotheby’s, Christie’s и Phillips — зафиксировали снижение продаж на 29%. Основная причина этого кроется в отсутствии знаковых коллекций и меньшей активности в продаже произведений искусства высшего класса.

5. Смена вкусов и предпочтений коллекционеров

В 2024 году наблюдается растущий интерес к разнообразию в коллекциях. Так, число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах увеличилось, а работы чернокожих художников и художников из Азии становятся все более востребованными​.

6. Самые ищущиеся художники

В последние десять лет среди наиболее часто ищущихся художников в базе данных Artnet Price не произошло значительных изменений. Классические имена, такие как Пикассо, Рихтер и Уорхол, сохраняют свои позиции, как и Баския, Калдер, Шагал и Миро. Однако недавно в списке появилась Йоко Оно Кусама, отражая ее стремительный рост на рынке и в общественном сознании.

7. Тренды на будущее

Эксперты прогнозируют продолжение перестройки арт-рынка в ближайшие годы, где качество будет ставиться выше количества, а коллекционеры будут более избирательными в своих покупках.

Ключевые цифры:

  1. Объем продаж

$5,05 млрд — Общая сумма, потраченная на искусство на аукционах в первой половине 2024 года. Это на 29,5% меньше, чем за аналогичный период 2023 года.

  1. Лидеры рынка

$2,2 млрд — Сумма, потраченная на изобразительное искусство на аукционах в США в первой половине 2024 года. Это более чем в 2,5 раза превышает сумму, потраченную на искусство в Великобритании.

  1. Ультра-современное искусство

-39% — Падение интереса к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) по сравнению с прошлым годом.

  1. Аукционные дома

-29% — Падение общего объема продаж трех крупнейших аукционных домов — Sotheby’s, Christie’s и Phillips.

  1. Женщины на аукционах

10 — Число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах в первые шесть месяцев 2024 года. Это на две больше, чем за тот же период прошлого года. Три женщины входят в двадцатку лучших, что на одну больше, чем в прошлом году.

  1. Китайский рынок

-49% — Падение продаж в Китае, обусловленное экономическими трудностями и спадом на рынке недвижимости.

Источник: Artnet.com

Как Олимпийские игры стали ареной для соревнований в искусстве

Как Олимпийские игры стали ареной для соревнований в искусстве

Для изобразительного искусства спорт во все времена был неиссякаемым источником вдохновения. Скульпторы, живописцы, графики создали колоссальное количество выдающихся произведений, посвященных личностям великих спортсменов или мгновениям состязаний и тренировок. Однако, мало кто знает, что в истории был короткий, но бесспорно замечательный период, когда искусство и спорт были ближе, чем когда-либо. И сошлись они ни где-нибудь, а на самых значимых мировых спортивных состязаниях – Олимпийских играх.

С 1912 по 1948 год на них проходили конкурсы искусств, где художники, скульпторы, архитекторы и музыканты наравне со спортсменами боролись за олимпийское золото, серебро и бронзу и завоевали в общей сложности 151 медаль.

Каталоги Конкурсов искусств Летних Олимпийских игр 1928, 1932, 1936 и 1948 годов

фото каталогов Конкурсов искусств Олимпийских игр 1928, 1932, 1936 и 1948 годов
Источник: Steemit.com

Замысел организации олимпийских Конкурсов искусств принадлежал барону Пьеру де Кубертену – основателю современного олимпийского движения. Он мечтал о гармоничном сочетании спорта и искусства, как это было в Античности, и подчеркивал:

«Мы должны заново объединить узами законного брака давно разведенную пару – Тело и Разум».

Но понадобились годы и немалое упорство Кубертена, чтобы его идея стала реальностью, однако он, как настоящий боец преодолел все препятствия и в 1912 году в программу V Олимпийских игр в Стокгольме наконец вошли Конкурсы искусств.

Барон Пьер де Кубертен. 1915.

фото Барона Пьера де Кубертена в 1915 году
Источник: Wikimedia Commons

Изначально на Конкурсах искусств было представлено пять категорий – «Живопись», «Скульптура», «Архитектура», «Музыка» и «Литература», но в дальнейшем вместе с тем, как конкурсы набирали популярность, перечень категорий был расширен. К «Живописи», например, добавились «Рисунок», «Акварель», «Офорт», «Рекламная графика», «Печатная графика», а «Скульптуру» разделили на «Круглую скульптуру» и «Рельеф» и т.д.

Основные критерии отбора были просты – произведения должны были быть вдохновлены спортом, соответствовать олимпийским идеалам и быть оригинальными, нигде прежде не опубликованными. Исключение составляли архитекторы, которые могли подать на конкурс проект уже возведенного спортивного сооружения. 

Первый Конкурс искусств на Олимпийских играх 1912 года в Стокгольме получился довольно скромным. Свои работы прислали всего 35 деятелей искусств и тем не менее награждения состоялись по всем категориям. За медали в номинации «Живопись» соревновались четыре художника. Самым известным из них был французский мастер Жан-Франсуа Рафаэлли, чьи произведения экспонировались на выставках импрессионистов 1880 и 1881 годов. Работами Рафаэлли восхищались Жорис-Карл Гюисманс и Эдгар Дега, однако олимпийских судей художник не впечатлил, и они не удостоили его медалью (в тот год медали за 2-е и 3-е места вообще не вручили никому). Победителем же стал не столь знаменитый итальянец Карло Пеллегрини, наиболее известный своими открытками с очаровательными иллюстрациями, посвященными зимним видам спорта в Альпах.

Карло Пеллегрини. Зимние спортивные игры. 1912.

работа Карло Пеллегрини Зимние спортивные игры 1912 год
Источник: Theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Живопись»)

Похожая судьба остаться без медалей постигла и двух всемирно известных скульпторов, принявших участие в конкурсе. Паоло Трубецкого – выдающегося скульптора-импрессиониста, разделившего с Роденом Гран-при Всемирной парижской выставки 1900 года в Париже и его блистательного ученика Рембрандта Бугатти – брата основателя легендарной автомобилестроительной компании «Bugatti» и талантливого анималиста, чьи скульптуры всегда ценились очень высоко (сегодня на аукционах они уходят с молотка за шестизначные суммы). Вместо них золото получил американец Уолтер Уайнэнс, что дало ему уникальный и единственный в истории дубль. На той же Олимпиаде 1912 года он выиграл серебро в спортивной секции стрельбы одиночным выстрелом по «бегущему оленю», а в 1908 году Уайнэнс удостоился золота за стрельбу по «бегущему оленю» двойным выстрелом. Таким образом он стал тем идеальным образцом равновесия Разума и Тела, о котором мечтал Кубертен.

фото Паоло Трубецкого 1914 год
Паоло Трубецкой. 1914.
Ичточник: Wikimedia Commons
фото Рембрандта Бугатти в Зоопарке Антверпена в 1908 году
Рембрандт Бугатти в Зоопарке Антверпена. 1908.
Источник: Sladmore London
работа Уолтера Уайнэнса Американский рысак 1912 год
Уолтер Уайнэнс. Американский рысак. 1912. Источник: theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Скульптура»)

Кстати, еще одним золотым медалистом того года был, кто бы вы думали, сам барон Пьер де Кубертен. Переживая о том, что участников окажется недостаточно, он решил представить в номинации «Литература» свою «Оду спорту» и она принесла ему олимпийское золото.

Пьер де Кубертен. Ода спорту. 1912.

Пьер де Кубертен Ода спорту 1912 год
Источник: Olympics.com (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Литература»)

Второй Конкурс искусств на Олимпийских играх 1920 года в Антверпене тоже не привлек к себе особого внимания, а вот в 1924 году на VIII Летних Олимпийских играх в Париже случился настоящий прорыв. 190 конкурсантов из 24 стран представили 283 работы во всех категориях, 158 из которых были одобрены жюри и допущены к оценке. Несмотря на нежелание большинства великих художников того времени принимать в этих конкурсах, в тот год все же появилось несколько достойных медалистов.

Жан Рене Гоген – известный скульптор и четвертый сын выдающегося импрессиониста Поля Гогена за свою скульптуру «Боксер» выиграл бронзовую медаль, а Джек Батлер Йейтс, младший брат поэта и нобелевского лауреата Уильяма Йейтса получил серебро за картину «Заплыв Лиффи» и стал первым олимпийским медалистом недавно обретшей независимость Ирландии. Его картина посвящена одному из самых знаменитых и значимых мировых заплывов на открытой воде, который ежегодно проводится в Дублине с 1920 года. Написанная широкими, экспрессивными мазками, картина отлично передает напряженную атмосферу состязания и «боления». Художник берет точку зрения из зрительских рядов, тем самым позволяя каждому созерцающему полотно ощутить себя частью этого волнующего действа.

Жан Рене Гоген. Боксер. 1924.

работа Жана Рене Гогена Боксер 1924 год
Источник: Milesosgood.com (Бронзовая медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Скульптура»)

Джек Батлер Йейтс. Заплыв Лиффи. 1923.

работа Джека Батлера Йейтса Заплыв Лиффи 1923 год
Национальная галерея Ирландии, Дублин (Серебряная медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Живопись»)

А в секции «Архитектура» в тот год появился еще один художник-спортсмен. Венгерский пловец и двукратный чемпион I Летних Олимпийских игр 1896 года в Афинах Альфред Хайош принял участие в парижской Олимпиаде, как архитектор (он уже был студентом архитектурного отделения, когда взял два золота в 1896 году) и выиграл серебро за проект стадиона.

фото Альфреда Хайоша в 1896 году
Альфред Хайош. 1896.
Источник: Wikimedia Commons
Альфред Хайош во время работы для Конкурса искусств Летних Олимпийских игр 1924 года
Альфред Хайош во время работы над проектом стадиона для Конкурса искусств Летних Олимпийских игр 1924 года. 1924. Источник: Zsidokivalosagok.hu
Проект стадиона Альфреда Хайоша  1924
Альфред Хайош. Проект стадиона. 1924

Парижские игры были также примечательны и тем, что в них приняли участие наши соотечественники.

Официально СССР в те годы бойкотировал Олимпийские игры, считая их буржуазной забавой.

Но находящихся в эмиграции русских деятелей искусств советские бойкоты не волновали и на конкурс свои произведения отправили русская поэтесса Мария Волынцева, более известная, как Мария Вега, а также один из крупнейших русских живописцев первой трети XX века Александр Яковлев – автор целого ряда знаменитых портретов, эскизов росписей Казанского вокзала в Москве и т.д. Ни он, ни Волынцева медали не выиграли, но имена их сохранились в официальных олимпийских архивах. Еще один наш великий соотечественник – композитор Игорь Стравинский участвовал в этой Олимпиаде в качестве члена жюри секции «Музыки».

Александр Яковлев. Автопортрет. 1917.

картина Александра Яковлева Автопортрет 1917 год
Государственная Третьяковская галерея
фото поэтессы Марии Волынцевой в 1900-е годы
Поэтесса Мария Волынцева (Мария Вега). 1900-е годы
фото Игоря Стравинского в 1920-е годы
Игорь Стравинский. 1920-е годы.
Источник: Wikimedia Commons

Конкурсы искусств набирали обороты и со следующих Олимпийских игр 1928 года в Амстердаме, во-первых, было значительно расширено количество категорий (с пяти до шестнадцати), во-вторых – значительно возросло число участников (1150 произведений от 370 художников в 1928 году, 1100 произведений от 540 художников в 1932 году, 667 произведений от 527 художников в 1936 году). Возрастала и популярность конкурсных выставок у зрителей. В Амстердаме выставку за месяц ее работы посетило свыше 10 000 человек, в Лос-Анджелесе в 1932 году экспозицию увидели 384 000 человек, и это несмотря на Великую депрессию, а в Берлине в 1936 году – 70 000 человек.

Среди чемпионов по-прежнему можно было встретить мастеров с мировой репутацией. Так, например, олимпийское золото в категории «Живопись» завоевал в 1928 году Исаак Исраэлс – выдающийся голландский импрессионист и близкий друг Эдуарда Мане и Макса Либерманна, а серебро досталось английской представительнице постимпрессионизма и первой женщине-академику Королевской Академии художеств Лауре Найт. В категории «Круглая скульптура» золото взял известный французский скульптор Поль Ландовски – автор знаменитой статуи Христа-искупителя в Рио-де-Жанейро, а также будущий куратор Всемирной выставки 1937 года в Париже, ставшей известной противостоянием советского и германского павильонов.

Исаак Исраэлс. Всадник в красном. 1928 (Золотая медаль Олимпийских игр 1928 года в категории «Живопись»)

картина Исаака Исраэлса Всадник в красном 1928 год

Помимо них, в Олимпиадах в разные годы участвовали знаменитые немецкие мастера Макс Либерманн и Макс Слевогт, яркий представитель «парижской школы» Кес ван Донген, английский анималист Альфред Маннингс, французский художник и директор Академии изящных искусств Альбер Декарис и многие другие. 

Кес ван Донген. Эквилибристка. 1907.

картина Кеса ван Донгена Эквилибристка 1907 год
Sotheby’s (Произведение участвовало в Конкурсе искусств Летних Олимпийских игр 1932 года в Лос-Анджелесе)

Последний раз Конкурсы искусств прошли в 1948 году на Олимпиаде в Лондоне, и они тоже стали примечательны одним интересным фактов. Именно на них появился самый возрастной чемпион в истории современных Олимпийских игр. 73-летний Джон Копли завоевал серебряную медаль в категории «Графика» за свой офорт «Поло». Копли считается одним из важнейших английских офортистов XX века. Но спортивная тема нетипична для его творчества, тем не менее, в 1939 году его так восхитил матч по конному поло, что он создал целую серию офортов, вдохновленных увиденным и одна из работ этой серии принесла ему медаль и вписала в олимпийскую историю.

Джон Копли. Поло. 1939.

работа Джона Копли Поло 1939 год
Источник: Copleygabain.com

Через год после Олимпиады, в 1949 году МОК, настроенный после Второй Мировой войны резко против Конкурсов искусств, сначала приостановил их проведение, а затем и вовсе отменил, полностью вычеркнув из исторического протокола соревнований все врученные художникам медали, которые перестали учитываться в медальном зачете стран-участниц.

Так, Разум и Тело вновь постиг формальный развод, однако они уже были слишком близки, чтобы кому-нибудь удалось разделить их в действительности. По сей день МОК продолжает организовывать параллельные культурно-просветительские программы к Олимпийским играм, в которые входят выставки, фестивали, публикации большого количества материалов, посвященных, как профессиональным художникам, так и мастерам из числа бывших спортсменов. Так что идея барона де Кубертена по-прежнему живет и искусство по-прежнему является значимой частью Олимпийских игр.

Автор: искусствовед и автор канала «Записки искусствоведа» Екатерина Илюшкина.