Эдгар Дега — один из самых известных французских художников-импрессионистов. Его работы пленяют своей реалистичностью и эмоциональной глубиной. Однако, среди множества его произведений есть серия рисунков, которая вызывает противоречивые эмоции и мнения. Делимся интересными фактами из его творчества!
Факт №1
Художник создал серию рисунков, на которых были изображены обнаженные женщины в неудобных позах, вытирающиеся полотенцами, расчесывающие волосы, принимающие ванну и т.д. Эта серия входит в число его работ, которые впоследствии были осуждены несколькими критиками как женоненавистнические. Также Дега печально называл танцовщиц, которых он рисовал, «девочками-обезьянками» и говорил:
«Возможно, я слишком часто рассматривал женщину как животное».
Факт №2
Эдгар Дега был постоянным посетителем старого Парижского оперного театра, и ему даже разрешали посещать уроки танцев, поскольку он был другом Жюля Перро, знаменитого балетмейстера. С 1870-х годов и до своей смерти Дега постоянно исследовал тему танца, которая составляет значительную часть его творчества.
Он наиболее известен своими картинами, изображающими балерин за работой, на репетиции или на отдыхе. Он изобразил их под разными углами в сотнях различных положений. Художник запечатлел движение так, как никогда раньше, что является одной из причин легендарного статуса его танцевальных картин. Дега создал более 1500 работ, изображающих балерин.
Факт №3
Эдгар Дега родился в аристократической семье и его родовая фамилия была “де Га”. Это подчеркивало его благородное происхождение и принадлежность к высшему обществу. Однако, в какой-то момент своей жизни художник решил изменить фамилию на более «народную» и стал известен как “Дега”. Этот шаг был символическим и отражал его желание быть ближе к простым людям, их жизни и проблемам.
Факт №4
Теряя зрение в позднем возрасте, художние начал работать со скульптурой, используя для этого воск. Его ухудшающееся зрение не позволяло ему продолжать писать картины с прежней точностью, поэтому он нашел новый способ выражения своего таланта. Однако, за исключением единственной фигурки балерины, эти работы не были показаны при жизни художника. После его смерти ученики и последователи изготовили на их основе бронзовые скульптуры, которые стали не менее известными, чем его живописные работы.
Факт №5
В середине 1890-х Франция была охвачена одной из самых напряженных политических драм в своей истории, известной как дело Дрейфуса. История с участием офицера еврейского происхождения по имени Альфред Дрейфус разделила французское общество на две части. Эдгар Дега встал на сторону, так называемых «антидрейфусаров». Его антисемитизм отдалил его от многих друзей. В последние годы жизни Дега беспокоили проблемы со зрением, ему приходилось носить темные очки на улице, и в 1912 году он бросил работу. Эдгар Дега умер в Париже 27 сентября 1917 года. Ему было 83 года. Художник никогда не был женат. У него были близкие отношения с несколькими женщинами, наиболее известной из которых была американская художница Мэри Кассат.
Автор: арт-критик и искусствовед Мадина Ибрагимова(Madina Ibragimova)
Проект The Kult Talk вместе с художниками сообщества «Переход» представили выставку «Отрывки Воспоминаний» в пространстве кофейни Просвет в Гостином Дворе.
Выставка объединяет работы трех художников: Александры Сéлезовой, Марии Немковой и Лели. Каждый из них использовал макулатуру для создания арт-объектов, отражающих тему личных воспоминаний. Основой материала для экспозиции стали собранные старые дневники, тетради и журналы.
«Не говорю» Александра Селезова
«Не вижу» Александра Селезова
«Не слышу» Александра Селезова
Одной из ключевых фигур выставки является художница Александра Сéлезова / Dochmateri. В своих работах художница исследует взаимодействие человека с окружающим миром через символы. Она убеждена, что наша речь и мысли состоят из символов, которые формируют нашу личность. Художница обращается к словам нейробиолога Татьяны Черниговской:«Мозг не решето: всё, что туда попало, не высыпается… Погружайте в себя алмазы… Наш мозг очень влияет на тело, мысль влияет на материю».
В современном мире люди перенасыщены информацией, которая часто носит негативный характер. Это приводит к разочарованию и обесцениванию жизни. Выставка «Отрывки Воспоминаний» напоминает о важности позитивных аспектов и бережного отношения к информации. «Какую информацию ты сеешь в себя, такие цветы твоего сознания и прорастут», — делится Александра.
«Счастливый день» Мария Немкова
«Воспоминания» Мария Немкова
Художница Мария Немкова исследует концепцию памяти и воспоминаний, заложенных в каждом человеке, месте и объекте. Она предлагает посетителям поделиться своими памятными вещами, которые она интегрирует в свои картины. «Сюжет возьмётся из одного радостного, запоминающегося или любого дня из жизни посетителя», — объясняет художница.
Работы Лели представляют собой панно из воспоминаний, чужих и её собственных. Художница использовала старые письма незнакомцев, найденные на барахолке; журналы, ставшие никому не нужными; бабушкины ткани, на многие годы забытые в шкафу; слова самых дорогих ей людей и образы, с ними связанные. «Работа отсылает к детству, вызывает ностальгию, возвращает в давно забвенное прошлое, где было тепло и беззаботно», – подчеркивает художница.
«Забытое в шкафу» Леля
Панно также напоминают о записях, оставленных знакомыми людьми в конце лагерной смены, по окончании школы, университета на белой футболке, пионерском галстуке и других материальных останках затерянного во времени.
Кураторы выставки Наталья Андреева, Таисия Полкачева и Ульяна Яковлева хотели подчеркнуть не только художественную ценность работ, но и подход к их созданию, акцентируя внимание на экологической осознанности и эмоциональном отклике. Выставка предлагает зрителям уникальное сочетание искусства и экологии, приглашая их задуматься о значении переработки и трансформации материалов в контексте личных и коллективных воспоминаний. Интегрированные произведения в пространстве Гостиного Двора приобретают новое, особенное звучание и поднимают важный вопрос о взаимосвязи искусства, экологии и личных воспоминаний.
Выставка открыта для всех желающих до 16 августа 2024 года.
Адрес: Улица Ильинка, 4, (Гостиный двор), кафе Просвет.
Ознакомиться с художниками и приобрести работы можно здесь.
Многие уже знакомы с работами художницы Натальи Занчевской, выполненные в стиле художественного минимализма с восточными мотивами. Ее тонкие и чувственные произведения быстро нашли своего зрителя, восхищенного ее уникальным талантом и стилем. Все началось с того, что во время пандемии Наталья присоединилась к проекту в Facebook под названием «Шар и Крест», где она впервые выставила работы. Они мгновенно нашли свое признание среди тысяч пользователей, восхищенных ее талантом и оригинальным стилем.
В нашем интервью мы поговорили с художницей про вдохновение и успех, а также про творческий процес и планы на будущее.
Как все начиналось
Я работала художником по костюмам в кино, до этого я занималась дизайном одежды, окончила академию архитектурно-художественную. Раньше я не пробовала выставлять свои работы, не приходило это в голову почему-то. Я создавала большей частью эскизы – сначала моделей одежды для коллекций, потом эскизы костюмов для кино.
Может звучать довольно пафосно, но в определенный момент ты вдруг словно что-то осознаешь, что-то в тебе меняется, тебе становится понятным о чем ты хочешь рассказать.
Началось все в период пандемии, когда все сидели дома, проекты в кино были приостановлены. Это было прекрасное время для погружения в себя, для саморазвития. Я как раз рисовала, пробовала маслом писать. Кто-то из друзей мне рассказал о новом закрытом сообществе в Facebook под названием «Шар и крест», созданном для взаимопомощи художникам, коллекционерам и галеристам. Я решила попробовать опубликовать свою графику, но, надо признать, не с первой попытки это удалось. В группе существовал строгий ценз – работы отбирались экспертами, в том числе основателем Максимом Боксером.
Про признание и популярность
Признание? Что это значит? Если говорить о признании онлайн, то оно как-то сразу, с первых публикаций в группе «Шар и Крест» появилось. Это было очень любопытное время, интересный опыт. В группе царила неповторимая атмосфера: одни с диким азартом охотились за работами полюбившихся художников. По очень демократичным ценам, надо заметить. Другие – работали с бешеной скоростью или открывали «закрома», продавали то, что было создано ранее.
Для меня все совпало самым счастлитвым образом. Неожиданно для себя я открыла новое направление в творчестве, причем то, о котором я мечтала в детстве. Хотя оно и не было таким уж новым, но зарабатывать, продавая свои картины, я начала именно тогда.
Для меня это был шанс изменить свою жизнь, и я не хотела его упустить. Как мне сказал когда-то Максим Боксер: «Япросто дал удочку».
Про вдохновение и стиль
Я родилась в Сибири, на северном Урале – это как раз то место, где встречаются Восток и Запад, и ты просто ощущаешь это взаимодействие. Я была воспитана в европейских традициях, я скорее западный человек, но культура Востока всегда меня притягивала.
В моих работах главный персонаж – женщина. Цвета, орнаменты, ткани – это, конечно, влияние моего образования (я – дизайнер одежды, художник-модельер) и работа художником по костюмам, профдеформация, можно сказать. Что касается азиатских черт в лицах… Этот вопрос мне частно задают, и я не знаю на него ответ, честно говоря, не придавала этому такого большого значения. Когда работала над портретами людей самых разных национальностей в серии «Этнография», поймала себя на том, что азиатские черты лица меня очень привлекают, мне интересно их изучать, рисовать. А потом я просто искала свой символ человека, и получился такой вот собирательный образ женщины. В какой-то момент мне самой стала любопытна причина, я даже сделала ДНК-тест, который показал, что 12% азиатской крови у меня все же есть. Так что, может быть, зов предков?
Используя язык тела, я хочу не только показать важность гармонии с природой, об этом источнике силы и энергии. Я хочу, чтобы вы вернулись в свою собственную память и вспомнили те моменты, когда вы общались с природой осознанно. В моих работах много воды (реки и моря), много земли (горы, поля или степь), воздуха (ветер), именно потому, что там я черпаю свои силы.
С заказами в последние 2 года не очень, в том смысле, что я предпочитаю их не брать. Люди, заказывающие работы, ожидают получить определенную эмоцию, а я точно знаю, что гарантировать результат не могу, не простой сейчас период. Один из моих последних проектов был три года назад — я создавала фреску для ресторана Mercado del Sol в Санкт-Петербурге. Тогда мне не ставили строгих рамок, и я имела полную свободу творчества. Весной 2022 года мне поступило ещё два подобных предложения из Москвы, но я отказалась.
Про японский период
Началось все с моды. Когда я училась на факультете дизайна одежды, я была вдохновлена японскими модельерами, такими как Ёдзи Ямамото и Comme des Garçons. Затем был фильм Вима Вендерса «Записки об одеждах и городах», и Япония вошла в мою жизнь. Сьездив туда туристом, я была покорена культурой, традициями, но людьми, конечно, в первую очередь. Желание пожить там для более глубокого погружкения казалось невозможной мечтой. И все же в конце 2022 года я начала учить японский язык и поехала в Токио.
Рано говорить о том, повлиял ли этот мой «японский период» на творчество. Вернее рано говорить о том, как он повлиял. Нужно время, чтобы все улеглось, сформировалось. Тем не менее, как раз сейчас я работаю над новой серией графики, в которой размышляю о сложностях и ограничениях, с которыми сталкивается человек на новом этапе жизни.
Про успех
Успех для меня – это когда удается добиться задуманного, когда я нахожу решение для задачи, которую ставлю сама перед собой, именно это для меня важнее всего.
Передать сложноуловимые эмоции, ощущения, найти средства для их изображения, не просто рассказать о них, а, скорее, вызвать собственные воспоминания зрителя, оставаясь при этом лакончиной, используя минимум инструментов – этого я пытаюсь добиться.
Творческий процесс
Когда я работаю, я как будто выпадаю из мира, меня не беспокоят посторонние шумы – я их не слышу, я забываю поесть, «отключаюсь» от тела и мира что ли. Единственное, что для меня действительно имеет огромное значение- это дневной свет, электрическое освещение меняет восприятие цвета, поэтому работаю я только утром и днем. С этим у меня здесь, в Японии, есть определенные трудности, к сожалению,- я должна подстраиваться под расписание уроков японского.
Про планы на будущее
Хочешь насмешить Бога, расскажи ему о своих планах, так? Последние несколько лет как будто бы научили не ожидать и не планировать. Но, пожив в Японии, не можешь не заразиться страстью к долгосрочному плавнированию. Здесь я впервые увидела ежедневники на 5 лет, и надо сказать, они пользуются спросом. Я планирую свой следующий этап пути, теперь с Востока на Запад. Мне хочется получить свой европейский опыт и смешать его с японским, как краски на палитре, чтобы получить новый цвет.
Актеры Алексей Дедоборщ и Егор Морозов познакомились в 2022 году. По приглашению одного режиссера, они онлайн читали пьесу, которая должна была быть поставлена эмигрантским театром в Париже. Они рассматривались на главные роли в постановке «Пигмалиона» по Бернарду Шоу. Егор в этот момент находился в Грузии, а Алексей в Германии.
«Постепенно мы поняли, что читки не приведут к чему-то серьезному. В какой-то момент я летел через Париж в Лиссабон и предложил Егору встретиться. Мы пообщались, погуляли, и думали, что мы можем придумать. И мы начали долгие, изыскательные попытки найти пьесу, которая для нас двоих подойдет», – рассказывает Алексей.
Уже летом 2023 года Алексей и Егор вдвоем запустили собственный театр The Chaika в Португалии. За год со знакомства, они успели не только открыть театр, но и сменить место жительства, получить ВНЖ во Франции и Германии, поставить спектакль по пьесе Слаповского«Король Лир и его повар» и гастролировать с ним по Европе.
Слева Алексей Дедоборщ, справа Егор Морозов.
Про переезд в Европу
Свой отпуск в сентябре 2022 года Алексей решил провести в Германии, но из-за начавшейся мобилизации в России, он решил остаться в Берлине у друзей. Позже он узнал о визе в Германии для деятелей искусства, которая позволяла работать как актеру, так и режиссеру, а также проводить свои шоу. В ноябре он успешно получил эту визу. Однако, учитывая его частые поездки в Лиссабон, где театральные представления не так популярны, решено было провести премьеру именно здесь.
У Егора была другая история:
«Я закончил съемки в 2022 году и улетел в отпуск в Египет в сентябре, но находясь там, получил сообщение Вконтакте о том, что меня ждет повестка в родном поселке в Сибири. Тогда понял, что из отпуска не вернусь и стал думать, как мне быть дальше. Я поехал в Грузию к друзьям, а затем узнал о возможности получить ВНЖ во Франции по политическим мотивам. Так что моя повестка помогла мне получить французский ВНЖ».
Создание собственного театра – тогда это казалось какой-то авантюрой!
«Мы поняли, что можем искать работу, а можем попробовать заработать своей профессией. Мы нашли пьесу Слаповского «Король Лир и его повар». Она на тот момент не была нигде опубликована. Нам помогла Аня Перелешина в роли режиссера. Мы начали планировать бюджет и выбирали, где провести премьеру. Лиссабон – стал отличным вариантом», – рассказывает Егор.
«До этого мы больше работали актерами в кино и театре. Создание собственного театра – тогда это казалось какой-то авантюрой: у нас минимум денег, нас никто не знает, у нас нет материала. Но наш плюс – у нас две головы, которые работают. Я работал в сторону поиска материала, какой-то реализации творческой, а Леша в свою очередь операционной».
Это была такая попытка, которая случилась, попытка создать театр, не находясь в одном месте.
Справа Егор Морозов, слева Алексей Дедоборщ.
Пока не увидели, что начались продажи, мы не начинали репетировать
«Мы решили провести премьеру в Лиссабоне в сентябре. Мы запустили сайт, делали рекламу в соцсетях, чтобы привлечь внимание к нашему театру The Chaika и предстоящей пьесе. И вот до тех пор, пока мы не увидели, что начались продажи, мы не начинали репетировать. Когда были куплены первые билеты, мы уже начали думать о том, какие материалы будут использоваться в декорациях и так далее», – делится по секрету Алексей.
«Изначально у нас было запланировано две даты в Лиссабоне. За две недели до премьеры первая дата была полностью продана, на второй оставалось где-то 20% билетов, поэтому мы решили рискнуть и взять еще третью дату. У нас был sold out. Мы повторили спектакль в октябре еще дважды. В феврале нам удалось поехать со спектаклем «Король Лир и его повар» в Германию, это были Берлин, Гамбург, Франкфурт и Бремен».
Мы хотим быть продаваемыми, но с профессиональным подходом
Алексей: Мы сделали красивый трейлер о спектакле, что стало хорошим пиаром. Как бы это ни звучало ужасно в контексте театральной постановки, но важно, чтобы продукт был хорошо упакован с точки зрения маркетинга.
Это продукт, который мы хотим продавать. Мы как раз определили для себя наши принципы – мы хотим быть продаваемыми, но с профессиональным подходом.
Нужно понимать, что в государственных театрах, ты приходишь в свою гримерку, тебе повесили костюм, у тебя есть гример, который готовит к выходу на сцену… Тебе не надо ни о чем беспокоиться. Когда здесь, мы все это делаем самостоятельно и только вершина айсберга – это непосредственно выход на сцену, где мы получаем удовольствие. До этого мы получаем много стресса.
«Дима, рано!»
Егор: На одном из первых спектаклей мы попросили художника по звуку Диму, чтобы он у нас на свете посидел. И представьте, у нас идет сцена, мы с Лешей играем и тут бац, гаснет свет. И я говорю: «Дима, рано!». Он включает свет. Мы продолжаем играть, и тут бац, опять гаснет свет. Я повторяю: «Дима, рано!». И вот, когда нужно выключить свет, мы стоим с Лешей и ждем, свет не выключается. Говорим: «Дима, сейчас можно!». Зрители смеются, свет выключается, и вроде как мы сгладили, но как бы…
«Это серьезный был драматический момент, когда это затемнение по театральному, оно нужно. И, конечно, тот факт, что мы сначала повеселили зрителя, но окей. То есть в этом, конечно, и прелесть театра, что все приходят посмотреть здесь и сейчас, даже если есть какие-то оплошности. Это нас научило правилу тщательнее обучать сотрудников и обязательно отбирать по релевантному опыту», – добавляет Алексей.
Спектакль «Король Лир и его повар», Егор Морозов
Спектакль не имеет возраста
Алексей: «У нас не было ранее особого опыта общения со зрителями, где мы с ними обсуждаем спектакль. Например, когда мы заканчиваем «Король Лир и его повар», мы после поклонов выходим, начинаем разбирать декорацию, как бы продолжая тему, что это наш театр, и мы все сами делаем. В этот момент многие люди подходят к сцене и хотят еще поговорить».
Егор: «Зрители очень разные приходят: современная молодежь, которая говорит о том, что вот это очень похоже на такой игровой ход, когда нет стены, разделяющей персонажей и зрителей. Есть взрослые зрители, которые давно переехали, и кто-то скучает по такому. Кто-то что-то узнает, где-то ностальгирует, где-то вспоминает. Спектакль не имеет возраста!
Один момент, который нас немного удивил. Когда в Португалии мы играли первый спектакль, к нам пришли люди с бокалами вина. Они зашли в зал и сели смотреть.
Алексей: «Но все-таки у нас публика более в этом плане воспитанная, они не болтали много, но вот с алкогольными напитками были истории. К нам даже однажды приходил профессор актерского мастерства. Он португалец, русский не знает. Ему, видимо, хотелось посмотреть прием, с которым мы работаем».
«Как-нибудь выкрутимся»
Трейлер спектакля «Как-нибудь выкрутимся»
Алексей: «Многие зрители высказывали мнение о том, что им очень понравился наш первый спектакль, но им хотелось бы посмотреть в нашем исполнении что-то легкое. Поэтому мы подумали, что нам нужно делать. Мы долго искали комедию на двоих-троих человек. Но потом я предложил сделать комедию «Как-нибудь выкрутимся» Марка Камолетти, и мы рискнули, потому что это большой каст, это шесть человек. Она написана хорошим языком, несмотря на то, что очень часто, например, и в России, и в том числе, и по всему миру ее ставят как антрепризную. Но мы все-таки хотим сделать ее качественной, хорошей постановкой».
Эта история про то, как однажды на праздничный семейный ужин собрались муж, жена и… их любовники. Герои всеми силами стараются выкрутиться из абсурдной ситуации, однако их попытки скрыть правду превращаются в лабиринт из лжи, из которого уже никто не может найти выход.
Мы хотим продолжать традицию
Алексей: «Погрузившись в мир театра, я что-то не очень хочу собственную площадку. Хочется быть именно тем, кто ставит и привозит спектакли. Пусть говорят: Привезите к нам этот спектакль, отправьте к нам этот спектакль, а давайте мы к вам привезем это, а давайте обменяемся?».
Егор: «У нас очень классные мастера, у которых мы учились в ГИТИСе, и мы хотим продолжить нести этот код, который нам передали. Мы хотим продолжать традицию».
Надеюсь, что мы себя не обманываем, но мы пытаемся делать хороший, качественный театр, который позволяет людям вовлекаться и продолжать разговаривать о спектакле после того, как он закончился!
Больше года назад я переехал в Амстердам, где вместе с моим другом Сержем начал делать YouTube-канал «Понауехавшие». Сначала это был обычный влог на диване про то, как мне живётся в Нидерландах, но со временем формат поменялся. Мы начали снимать документальные проекты. Об одном из них расскажу сегодня.
Читайте местную прессу!
Темы для видео находятся очень легко. В Амстердаме всегда происходит что-то интересное. Иногда достаточно просто открыть местную газету, и посмотреть анонсы предстоящих событий. Так случилось и с проектом Open Ateliers.
В свежем выпуске еженедельника я узнал, что художники моего района устроят день открытых дверей. Можно будет зайти в мастерские, пообщаться с авторами и заодно купить что-нибудь. По-моему, отличный повод познакомится с соседями — подумал я.
На сайте проекта я нашёл карту со всеми локациями, а их было больше восьмидесяти. Ничего себе! Оказывается, в моём районе живёт так много художников! Но почему именно здесь, на Западных островах Амстердама? По старой журналистской привычке я начал копать источники, и вот что нашёл.
В XVII веке на западе Амстердама появляются искусственные острова. Здесь строят доки для обслуживания кораблей и склады для хранения товаров. Столица Нидерландов становится крупным торговым портом. Но уже в начале XIX столетия Западные острова опустеют. Устаревшие доки больше не могут обслуживать огромные корабли. До конца Второй мировой в этой части города почти никто не жил. Да и жить было негде — всюду складские помещения. И вот в середине прошлого столетия архипелаг из трёх искусственных островов заселяют художники. Бывшие склады они переделывают в квартиры и мастерские. В 1985 году здесь складывается целое арт-коммьюнити, а затем появляется идея проводить дни открытых дверей. Как видите, эта традиция никуда не исчезла. Что ж, самое время познакомиться с соседями!
archief.amsterdam
Лоран Мюллер
Путешествие по арт-маршруту я начал с мастерской Лорана Мюллера, которая находится недалеко от моего дома. Я часто проходил мимо неё, а в этот раз решил зайти внутрь. Мы поговорили с Лораном. Выяснилось, что уже в юности он начал интересоваться искусством, жил в Марселе, Париже, Лондоне, а недавно перебрался в Амстердам. Когда-то Лоран занимался промышленным дизайном, но в последние годы посвятил себя живописи и изделиям из керамики. В основном это посуда или предметы декора. Тарелки необычной формы, изогнутые ложки и вазы, напоминающие длинные стебли растений… Сразу видно, что автор вдохновляется природными сюжетами.
Джозиен Олдеринк
Во время прогулки я зашёл и в небольшое выставочное пространство, где увидел работы замечательной художницы Джозиен Олдеринк. Она пишет картины и делает настенные панно из разных материалов. Например, войлока и бумаги.
Об одной из своих работ Джозиен согласилась поговорить на камеру, хотя и стеснялась немножко. Вот что она мне рассказала:
Эта работа о том, что деньги важнее людей. Остров, на котором мы сейчас находимся, был создан для Вест-Индской Компании, которая в том числе занималась работорговлей. Получается, этот остров создан трудом рабов. И вот они, рабы. На сваях острова. Люди заработали здесь огромные деньги, но за счёт других – рабов и наёмных рабочих – тяжкий труд которых приносил лёгкие деньги их владельцам. И это продолжается на протяжении веков. До сих пор. И сейчас всё то же самое. Деньги по-прежнему важнее людей. Но я надеюсь, что и карбоновая революция, и климатический кризис, и тому подобное, в конце концов заставит нас поменять подход. И люди, наконец, станут важнее денег.
Лиа ван Фюхт
Интересно, что порой я оказывался не просто в мастерской или небольшом выставочном пространстве, но и прямо в квартире. Да-да, некоторые художники в прямом смысле приглашали к себе в гости. Это, конечно, очень непривычно, но в то же время очень здорово! Вот так, например, живёт художница Лиа ван Фюхт, и здесь же представлены её работы. Атмосфера по-настоящему творческая и уютная. Старинная мебель, полки с книгами… Сразу видно, что здесь живёт художник.
Лиа создаёт оригинальные скульптуры из разных материалов. Это могут быть дерево, камень, бронза или стекло. Даже обычные пробки от винных бутылок превращаются в произведения искусства! Смотрите, как здорово их расписала Лиа!
Забавно: сначала я подумал, что это катушки от ниток, но только присмотревшись понял, что передо мной всё-таки винные пробки!
Юри ван Зейл
А кто-то предпочитал выставлять свои произведения прямо на свежем воздухе. Например, у себя на заднем дворе. Так я познакомился с работами, которые создаёт Юри ван Зейл. Это массивные деревянные скульптуры. Художник играет с формами, но не только этим отличаются его работы. Юри использует ещё и особый материал.
Вот эта скульптура сделана из робинии. Этот вид деревьев родом из южных регионов США. Робиния отлично растет в Голландии, но ей довольно тяжёло защищаться от бактерий и грибков. У неё нет естественных защитных свойств. Из-за этого на дереве появляются своего рода шрамы. Но именно они и делают его внешне более привлекательным. От этого скульптура становится только красивее.
Фемке Модт
Удалось мне заглянуть в гости и к художнице Фемке Модт. Она живёт в небольшой квартире на верхнем этаже. Места здесь немного, а вот картин — более чем достаточно. Фемке работает в смешанной технике на стыке живописи и коллажа. По задумке автора каждая картина отражает внутренний наш мир, который будто разделён на разные фрагменты, но в то же время остаётся цельным и гармоничным. А ещё у Фемке очень классные питомцы. Сразу видно, что девушка с большой любовью относится к животным.
В этом материале я рассказал лишь о некоторых участниках Open Ateliers. По ссылке ниже вы можете посмотреть репортаж «Понауехавших», чтобы получше познакомиться с художниками с Западных островов.
Полный выпуск про художников можно посмотреть на канале Понауехавшие
Художница Инга Кныш живет в Лондоне. В 2024 году ее работа Earl Grey была представлена на групповой выставке Works on Paper в галерее Green & Stone, а в 2023 году она получила награды Chelsea Art Society Young Artist Award и Constance Cooper Silver Trophy. Сегодня ее произведения находятся в частных коллекциях в России, Великобритании, Канаде, Испании, Португалии и ОАЭ.
Инга поделилась с нами своим опытом: как находит баланс между творчеством и основной работой, что вдохновляет ее в мегаполисе, и как переход от акварели к маслу открыл новые грани ее художественного выражения.
Про творческий путь
Я рисую с детства, в целом. Помню, как мама рассказывала: она пришла однажды домой, а у нас все обои изрисованы. Так, кажется, меня и отвели в первую изостудию. Потом уже была школа искусств, разные курсы, и конечно, много практики.
В Великобритании, и конкретно в Лондоне, очень много возможностей, а потому и конкуренции, ведь многие хотят выставляться тут, а значит, иногда конкурс на open call будет 1 к 15. В основном, главный вызов – продолжать рисовать и подаваться, выставлять работы и искать «свое место».
Здесь много художников разных направлений, течений, культур – очень ценю, что есть разные арт-сообщества, и мы поддерживаем друг друга.
О совмещении основной работы с художественным творчеством
Я работаю в сфере маркетинга пять дней в неделю и стараюсь почти все остальное свободное время уделять живописи. Обычно, длинные сессии живописи у меня в выходные – то есть по несколько часов. По вечерам в будни меньше, но все же стараюсь – когда как, хотя бы час, а где-то хотя бы десять минут поскетчить. Стараюсь выделять время. Не то чтобы эта стратегия, но в какой-то момент осознала, что от чего-то придется и отказаться. Например, пришлось остановить преподавание (я давала частные уроки акварели в прошлом году), меньше читать книг и много чего еще. Есть «жертвы», в общем.
Честно сказать, мне просто очень хочется рисовать больше, поэтому я скетчу и в пути на работу, и в кафе, где придется.
«Cotswolds». Inga Knysh. Oils on board. 2024
Про жизнь в мегаполисе
Все это для меня о поиске баланса: в жизни и в творчестве. В повседневности – баланс между постоянным бегом, спешкой и спокойствием, паузой. Городские серии у меня почти всегда о ритме, движении, а «домашние» или зарисовки в кафе – это как раз остановка, вдох-выдох, медитация, отдых. Я живу в Лондоне, а до этого жила в Москве – это большие бурные города, я «бегу» всю жизнь и часто совмещаю много дел сразу, пытаюсь все успеть и мысленно быть здесь и сейчас.
Для меня моя последняя картина с чашкой чая – это напоминание себе остановиться и выпить чай, пока он еще теплый.
«Earl Grey», Oils on paper. 2024
Мне нравится писать город на месте, ловить момент, где разворачиваются истории людей – они куда-то идут, встречаются или чего-то ждут. Город живет своей жизнью, и в нем есть все. Попытка ухватить его состояние – если к этому удается приблизиться, это приятное чувство. На пленэрах было много разных случаев. Иногда люди подходят, мы знакомимся. Это здорово.
Я стараюсь не беспокоить людей, когда их рисую. Чаще всего они и не замечают, что я их рисую. Если замечают, то слежу за реакцией – чаще всего я сменю объект, чтобы не напрягать человека. Но бывало, когда мне улыбались, а потом просили посмотреть рисунок. Был один случай, я показывала скетч человеку, и мне сказали, что это «made my day». Когда людям приятно, это конечно радует.
Однажды когда я стояла рисовала, ко мне подошла девушка и попросила посмотреть за ее ребенком в коляске, пока она сходит в туалет. Тогда я подумала, что, наверное, репутация у художников неплохая, раз мне так доверяют.
Про переход от акварели к маслу
Я всегда говорила, что акварель – это моя стихия, и я люблю ее характер, и никогда ни на что ее не променяю, но вот последние полгода или год, моя новая страсть – масляная живопись, и я очень активно изучаю ее, пока на начальном этапе. Я пришла в масло, когда поняла, что в акварели начала писать жирнее и с мазками – то есть сначала пришла в масло за текстурой, а в итоге сейчас пишу по-разному, даже довольно тонко. Сейчас мне очень нравится, сколько возможностей открывается с маслом.
Про серию работ «Not Here Not Now»
Эта серия близка к моему исследованию ритма жизни и чувства включенности, присутствия, осознанности. Она является наиболее критической из всех серий моих работ. Эти картины рассказывают о том, как я иногда ощущаю себя «не здесь и не сейчас». Мое тело находится «здесь», но мой разум – где-то еще. Возможно, в мыслях о прошлом или беспокойствах о будущем, а не в настоящем моменте. Также о расщеплении между онлайн и оффлайн мирами. Поэтому люди на картинах физически разделены между пространствами и на листе. Это также самая контрастная и вызывающая по цветам серия моих работ: здесь есть много противоположного, красного и зеленого, как символы светофоров и активного движения и резкой остановки. Контраст подчеркивает различия между мирами: онлайн и оффлайн, настоящим и прошлым, реальностью и представлениями. Я хочу привлечь, прежде всего, свое внимание к этой теме, но также и внимание зрителя – о том, как вернуться к ощущению присутствия и связи с реальным миром.
«Not Here, Not Now». Watercolours. 2023
Про вдохновение и философию ваби-саби
Я хожу и изучаю как художников прошлых столетий, так и современных. Стараюсь делать заметки или зарисовки в скетчбуке. Из последнего – очень понравилась выставка «Impressionists on paper»(Royal Academy of Arts, Лондон). Там было много этюдов и зарисовок, которые я не видела. Люблю смотреть на подготовительные работы, потому что это помогает понять, как художник мыслил.
Мне кажется, что красота тем прекраснее, если в ней есть что-то несовершенное. Без тени нет света. Я не стремлюсь к совершенству в картинах. Завершенность работы не всегда идеальна только визуально. Главное – это законченная мысль или пойманный живой момент, знакомое ощущение. И это тоже отражено в философии ваби-саби: эта идея непостоянства, текучести, сменяемости. Живопись – это всего лишь попытка поймать все это за хвост.