Наполеон Бонапарт и Жозефина Богарне — одна из самых известных пар в истории. Их союз стал не только важной главой французской империи, но и оказал значительное влияние на искусство, моду и культуру той эпохи. История их любви полна страсти, предательства и величия, а память о ней сохраняется в произведениях живописи, ювелирного искусства и моде.
Любовь Наполеона и Жозефины: страсть и власть
Когда Наполеон впервые встретил Жозефину в 1795 году, она была вдовой с двумя детьми и, казалось, не подходила для величественного императора, чьё сердце и амбиции стремились к власти. Однако, несмотря на её положение, она была женственной, утончённой и чарующей, что сразу привлекло молодого Наполеона. Её стиль жизни, её независимость, а также скрытые страдания, связанные с её прежними отношениями, вызывали в нем бурю эмоций. Он буквально покорил её, осыпая дорогими подарками и выражая свою любовь в письмах, полных страстных признаний. Наполеон, которому было тогда всего 26 лет, влюбился в неё с первого взгляда. Свою любовь он выражал с помощью страстных писем, в которых называл её своей «небесной любимой».
Их брак был заключён в 1796 году, и сразу же стал политическим союзом, но также искренним выражением сильных чувств с обеих сторон. Наполеон, стремящийся к величию, искал в Жозефине не только жену, но и союзника, способного разделить его амбиции. В то время как для неё этот брак стал шансом на новую жизнь, в которой она могла бы избавиться от тяжких воспоминаний и странных обстоятельств своей молодости.
Наполеон и ювелирное искусство: символы любви и величия
С самого начала своего брака Наполеон стал баловать Жозефину дорогими подарками, символизирующими не только его власть и богатство, но и глубину его чувств. Он осыпал её изысканными украшениями, дорогими тканями и произведениями искусства, при этом подчёркивая её красоту и утончённость.
Жозефина была не просто объектом любви, но и самой её вдохновительницей. В её честь создавались ювелирные изделия, которые оставались символами любви и власти в французском обществе. Одним из самых известных примеров стала коллекция ювелирных украшений, которую Наполеон подарил Жозефине в честь свадьбы.
В день свадьбы он преподнёс ей кольцо с двумя сапфирами — голубым и белым, а внутри украшения была выгравирована сентиментальная надпись «amour sincere» («искренняя любовь»).
Этот подарок положил начало её ювелирной коллекции, стоимость которой после её смерти оценивалась в два миллиона франков.
Перед своей коронацией, состоявшейся 2 декабря 1804 года, Наполеон сделал Жозефине драгоценный подарок — изящную тиару, украшенную более чем тысячей бриллиантов. Автором украшения стал талантливый французский ювелир Мари-Этьен Нито (Marie-Etienne Nitot), основавший ювелирный дом Chaumet. В 1887 году тиару приобрела компания Van Cleef & Arpels, и с тех пор она остаётся в её коллекции.
Эти украшения стали настоящими произведениями искусства, и до сих пор считаются знаковыми в мире ювелирного искусства. Некоторые из этих украшений можно увидеть в Эрмитаже, где они стали неотъемлемой частью культурного наследия, отражая страсть и привязанность, царившие в отношениях пары.
Как Жозефина повлияла на искусство и моду?
Жозефина Богарне не раз становилась музой художников своего времени, но одним из самых известных её изображений является портрет, созданный Франсуа Жераром в 1801 году. На картине девушка предстает в изящном ампирном платье, подчёркивающем её утончённость и природную грацию. Она изображена сидящей на диване в открытой террасе своей резиденции — замка Мальмезон.
«Портрет Жозефины, жены Наполеона» – Франсуа Жерар, 1801 Portrait de Joséphine
Произведение было написано по заказу самой Жозефины и оставалось в её коллекции до её смерти. Впоследствии портрет перешёл к её сыну Евгению Богарне, затем к герцогу Максимилиану Лейхтенбергскому и оказался в Мюнхене. В 1861 году он был вывезен в Санкт-Петербург, а после Октябрьской революции национализирован и передан в собрание Эрмитажа.
Жерар создал новый тип парадного портрета, противопоставляя его традиционным изображениям царствующих особ. Как отмечал искусствовед А. Г. Костеневич:
“Как не похожа жена Наполеона в жераровской картине на торжественно выставляющих напоказ себя и свои регалии царствующих особ прежних времён. Её платье лишено какой бы то ни было пышности, украшения почти отсутствуют. Это, конечно, совсем новый тип парадного портрета. Картина крепко построена на испытанной формуле золотого сечения, причём Жерар позаботился о том, чтобы найти такое окружение, где прямые углы были бы скруглены. Поэтому-то столь важное место занимают бархатные подушки, среди которых написана Жозефина.”
Этот портрет не только запечатлел образ Жозефины, но и стал отражением эпохи, в которой грациозность и естественность начали заменять прежнюю монументальность.
Жозефина Богарне обладала утонченным вкусом и превратилась в законодательницу мод своего времени. Ее стиль вдохновлял не только аристократок, но и художников, модельеров и ювелиров. Она популяризировала ампир — стиль, который характеризуется простотой линий, античными силуэтами и дорогими тканями. Портреты Жозефины, созданные выдающимися художниками, отражают эту эстетику.
Josephine de Beauharnais (1763-1814), the first wife of Napoleon I, looking at clothes. From Life of Napoleon Bonaparte, Volume II, by William Milligan Sloane.Print: The Century Co., Macmillan & Co., Limited, New York & London, 1896; Artist Unknown. Photo by The Print Collector/Getty Images
Жозефина в живописи: вдохновение для художников
После коронации в 1804 году Наполеон продолжил использовать искусство как инструмент для демонстрации своей власти и любви к Жозефине. Одним из самых величественных произведений этого периода стала картина Жака-Луи Давида «Коронация Наполеона» (1807), запечатлевшая момент, когда император Франции лично коронует свою супругу в соборе Нотр-Дам. Изначально художник планировал изобразить эпизод, в котором император возлагает корону на собственную голову, однако отказался от этой идеи, чтобы избежать излишней драматичности, и выбрал следующий момент церемонии — коронацию Жозефины.
Jacques-Louis David – The Coronation of Napoleon (1805-1807)
Картина представляет собой монументальное полотно, в котором тщательно прописаны все детали коронации. В ней можно увидеть многочисленных реальных участников события, включая самого Давида, изобразившего себя среди зрителей. Однако портретное сходство не всегда соответствовало исторической точности: по настоянию Наполеона художнику пришлось добавить его мать Летисию, хотя в действительности она отсутствовала на церемонии.
Сегодня «Коронация Наполеона»экспонируется в Лувре, оставаясь не только выдающимся примером неоклассической живописи, но и символом имперского величия, в котором искусство стало инструментом политики и личных чувств.
Интересно, что хотя этот момент был политическим событием, он имел и личное значение: Наполеон нарушил традицию, согласно которой только мужчины-монархи могли короновать своих жён, таким образом подчеркивая её не только как политического партнёра, но и как женщину, которой он был верен
Portrait of Thérésa Tallien (1773-1835), 1806. Found in the Collection of Brooklyn Museum, New York.Photo by Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Разлука и вечная память в истории и культуре
Несмотря на глубокие чувства, их брак оказался непрочным. В 1810 году, после многочисленных попыток иметь наследника, Наполеон и Жозефина расстались. Причиной этого разрыва стало её неспособность родить наследника, что Наполеон воспринял как невозможность продолжить династию. Развод стал тяжёлым ударом для Жозефины, но она приняла его с достоинством.
Неопровержимо, что несмотря на разрыв, Наполеон никогда не забыл Жозефину. В его письмах, в его воспоминаниях всегда звучала её память. Последние слова, произнесённые им на смертном одре в 1821 году на острове Святой Елены, были: «Франция, армия, Жозефина». Эти слова стали символом той вечной любви, которая сохранилась в его сердце до конца жизни.
Последние слова, произнесённые им на смертном одре в 1821 году на острове Святой Елены, были: «Франция, армия, Жозефина». Эти слова стали символом той вечной любви, которая сохранилась в его сердце до конца жизни.
Наследие их любви в искусстве
После смерти Жозефины память о ней не исчезла. Она оставила после себя не только политическое наследие, но и множество культурных артефактов, которые стали частью музейных коллекций. Музей Малмезон, бывшая резиденция Жозефины, хранит её личные вещи, драгоценности, портреты, что позволяет современным зрителям увидеть её мир и почувствовать атмосферу, в которой жила эта уникальная женщина.
Musée national des châteaux de Malmaison
Любовь Наполеона и Жозефины была полна трагизма и страсти, и оказала огромное влияние на искусство того времени. Их история, запечатлённая в ювелирных украшениях, картинах и памятниках, до сих пор живёт в музеях и коллекциях по всему миру, напоминая о великой любви, которая продолжает вдохновлять художников, историков и любителей искусства.
Жозефина и Наполеон — это не просто страницы истории, а символы вечной страсти, которая нашла своё отражение в искусстве, пережив века и став частью мировой культуры.
Сезон 2025 года порадует любителей современного балета яркими премьерами и незабываемыми выступлениями, которые пройдут на лучших сценах Лондона, Парижа, Ниццы и Монако. Хореографы со всего мира объединят усилия, чтобы подарить зрителям новые произведения, полные эмоций и художественного мастерства.
The Linbury Theatre, Royal Opera House, 15–20 февраля 2025 года
Программа Acosta Danza раскрывает многогранность танцоров, которые виртуозно объединяют классический и современный танец. Постановки, такие как «Folclor», вдохновлённый кубинскими корнями, «Paysage, Soudain, La Nuit» — празднование юности в ритмах румбы, страстный дуэт «Soledad» и «Hybrid», соединяющий африканские традиции с современной хореографией, создают яркую и эмоциональную картину культурного разнообразия.
Royal Opera House, 20 февраля – 12 марта 2025 года
Кристал Пайт исследует темы утраты и человеческой связи под музыку «Симфонии скорбных песен» Генрика Гурецкого. Танцевальный спектакль исследует силу человеческой связи, напоминая о важности коллективного опыта в наше неспокойное время.
The Linbury Theatre, Royal Opera House, 6–10 марта 2025 года
Прима-балерина Королевского балета Наталия Осипова считается одной из ведущих исполнительниц мира, восхищая зрителей по всему миру своей артистизмом, драматической интенсивностью и выдающейся техникой. Этой весной Королевский балет представит особую программу с Осиповой в камерной обстановке Театра Линбери, включая работы хореографов Марты Грэм и Фредерика Эштона, а также мировую премьеру постановки норвежского хореографа Йо Стрёмгена.
Ежегодный гала-вечер «Иконы балета» проводится в Лондоне с 2006 года и является одним из главных культурных событий города. В 2025 году в мероприятии примут участие звезды ведущих мировых театров, включая Парижскую оперу, Королевский балет и Ла Скала. Гала-вечер пройдет под аккомпанемент Английского национального балетного филармонического оркестра.
Джордж Баланчин, изменивший облик балета 20 века, создал американский неоклассический стиль с помощью своей труппы New York City Ballet. В рамках фестиваля Dance Reflections by Van Cleef & Arpels Королевский балет представит три знаковые работы Баланчина: Серенаду, Блудного сына и Симфонию до мажор. Эти балеты олицетворяют творчество Баланчина, сочетая классические элементы с новаторскими подходами.
В программе: мировая премьера и два классических произведения Уильяма Форсайта. Зрители смогут насладиться возвращением “Playlist (EP)” — произведения, которое стало настоящим хитом, а также классическим “Herman Schmerman (Quintet)”, которое не исполнялось в Великобритании почти 30 лет. Завершит программу новая работа Форсайта, подробности которой будут объявлены позже.
В программе — четыре произведения, сочетающие чувственный современный балет и энергетику мюзикла. Зрители увидят Fool’s Paradise, The Two of Us, Us (Duet) и балетную сцену из мюзикла An American in Paris, поставленного по мотивам одноимённого фильма. Эти произведения раскрывают уникальный стиль Уилдона в сотрудничестве с различными композиторами и балетными танцорами.
Cité de la musique (Salle des Concerts), 5–9 февраля 2025 года
Южноафриканская хореограф Робин Орлин и французская певица Камиль, две из самых смелых и необузданных фигур на современной музыкальной сцене, в этом произведении исследуют важнейшую тему воды через гибридное и безудержное сценическое творение.
Théâtre des Champs-Élysées, 27–28 февраля 2025 года
Танцевый театр Джин Син, основанный в 1999 году в Китае, является ведущей современной танцевальной труппой страны. Во время сезона в Театре Шанз-Элизе труппа представит четыре хореографические работы: Sacre Эмануэля Гата, Echo Мои Майкл и два произведения Артура Кюгелейна — Cage Birds и Wild Flowers. Эти работы раскрывают различные подходы и диалоги в современном танце.
После Faunes Шарон Эйял представляет свой первый балет «на пуантах» для Парижской оперы — OCD Love, вдохновлённый текстом поэта Нила Хилборна о сложности любви и обсессивно-компульсивном расстройстве. Тему человеческих отношений также раскрывает Матс Эк в Appartement, где через юмор и повседневные предметы показывается одиночество персонажей. Шведский хореограф использует энергичные танцы, смешивая стили под музыку Fleshquartet.
Хофеш Шехтер, хореограф с многогранными влияниями — от Иерусалима его детства до Парижа юности и Лондона, где он живёт, — предлагает танец, который является visceral, интенсивным и электрическим. Для мировой премьеры в Парижской опере он создал целый вечер не для своей труппы, а для балета Парижской оперы, с которым он хорошо знаком, работая над дебютами репертуара The Art of Not Looking Back в 2018 году и Uprising и In Your Rooms в 2022 году.
Джин Син, настоящая пионерша в мире танца, хореограф и основательница собственной труппы, успешно преодолевает разрыв между Востоком и Западом, приглашая западных хореографов создавать работы для своей труппы. В этих двух выступлениях в начале марта компания исполнит произведение Wild Flowers (2018) голландского хореографа Артура Куггелеина, посвящённое неукротимой жизненной силе, позволяющей диким цветам расти даже на твёрдом асфальте.
Théâtre de la Ville, 28 февраля – 5 марта 2025 года
Жан-Кристоф Маийо представит одно из самых символичных произведений, созданных под музыку Джона Адамса, в котором абстрактные элементы и энергия жизни образуют оду жизни. Спектакль, радующий зрителей более трёх десятилетий, теперь в репертуаре компании также включает работы Шарон Эяль.
Сиди Ларби Шеркауи завершает диптих, начатый в 2022 году с Vlaemsch, и представляет Ihsane, исследующий отношения отца и сына, марокканскую культуру и город Тангеры. В программе также три произведения, исследующие пределы телесной энергии, включая Boléro от Шеркауи и Дэмиена Жале.
Théâtre des Champs-Elysées, 24–27 апреля 2025 года
Второе издание Dialogues — вечер пас-де-дё с участием четырёх выдающихся хореографов, среди которых Мац Эк и Акрама Хан с Sacred Monsters. Также будет представлена работа Шарон Эяль Into the Hairy, а финалом станет французская премьера балета Couch с музыкой Бизе.
В программе в Опера Ниццы представлены четыре хореографических произведения: The Vertiginous Thrill of Exactitude Уильяма Форсайта, посвященное классическому балету, эмоциональное дуэтное произведение Les Indomptés Клода Брюмашона, изысканная работа Ханса ван Манена Three Gnossiennes и энергичное произведение Александра Экмана Cacti, сочиненное с элементами юмора и виртуозности. Эти работы демонстрируют разнообразие современного танца.
Балет Монте-Карло представляют работы хореографов Лукаша Тимулака и Kor’sia. Тимулака, известного своими инновационными постановками, и Kor’sia, чьи работы отличаются уникальным стилем, объединяют свои таланты в этой программе. Для получения подробной информации о датах и местах выступлений рекомендуется посетить официальный сайт труппы.
Часто посетители музеев задумываются о том, как произведения искусства попадают в коллекцию и становятся доступными публике. Один из путей — переход частной коллекции в открытый формат, доступный для зрителей. История знает немало примеров, когда частные собрания становятся общественным достоянием. Ярким примером является коллекция Пегги Гуггенхайм.
Её собрание искусства ХХ века считается одним из важнейших и включает в себя всемирно известных авторов, многих из которых «открыла» сама Пегги. Её коллекция — это не только отражение уникального вкуса и визионерского подхода в коллекционировании, но и актуальных трендов, тенденций и событий того времени.
В разговоре о коллекции стоит немного рассказать и о самой Пегги. Детство и юность её прошли в окружении роскоши и драмы, которые оказали глубокое влияние на её будущую жизнь и место в обществе. Она родилась в Нью-Йорке в 1898 году в одной из самых влиятельных и богатых еврейских семей Америки. Когда Пегги было всего 13 лет, её отец трагически погиб на «Титанике».
Чуть позднее, как только ей исполнилось 18 и она получила права на наследство, Пегги отказалась от аристократической жизни в Нью-Йорке и отправилась в Европу. 20-е годы в Европе — это время расцвета новых течений, молодых, амбициозных и свободных поэтов, писателей и художников. Именно в такую среду попала Пегги, начав не только вести богемную жизнь, но и поддерживать сюрреалистический кинематограф, постепенно становясь коллекционером.
По совету Марселя Дюшана, Пегги ориентировалась на молодых художников, что раскрыло её визионерский талант и безупречную интуицию. Она скупала работы малоизвестного Пикассо, молодого Ива Танги, Кокто, Кандинского, Дали и поддерживала Джексона Поллока, будучи уверенной в его успехе. Пегги не ошиблась: она стала не только успешным коллекционером, но и трендсеттером среди культурного сообщества.
Её вкус ценили, а попасть в её коллекцию практически означало стать знаменитым художником.
Во время Второй мировой войны Гуггенхайм вывезла свою коллекцию из Европы в Нью-Йорк. Там она открыла два проекта — галереи «Guggenheim Jeune» и «The Art of This Century». Первая галерея оказалась полностью убыточной, а вторая представила публике впечатляющую коллекцию сюрреалистов и кубистов и впервые дала площадку для абстрактных экспрессионистов.
Peggy Guggenheim, Venice, 1968. Photo Tony Vaccaro / Tony Vaccaro Archives Источник: Peggy Guggenheim Collection
В 1948 году Пегги Гуггенхайм не просто переместила свою коллекцию в Венецию, но сделала её открытой для публики. В этом же году она создала свой павильон на Венецианской биеннале, разместив его в павильоне Греции по проекту архитектора Карло Скарпа. Благодаря Пегги на европейской арене дебютировал абстрактный экспрессионизм в лице Джексона Поллока — американское искусство впервые было представлено за пределами Америки.
Современная модель, воссоздающая инсталляцию коллекции Пегги Гуггенхайм в Греческом павильоне на 24-й Венецианской биеннале, 1948 Источник: Peggy Guggenheim Collection
Венеция стала для Пегги домом: она поселилась во дворце Вениер деи Леони на Гранд-канале, который быстро превратился в один из центров культурной жизни. С самого начала своего пути она не просто собирала искусство, но и делилась им, приглашая к себе художников, критиков, коллекционеров и просто любопытных посетителей. Её роль в культурной жизни была значительнее, чем можно себе представить: она вдохновляла, спонсировала, помогала развиваться авторам и их идеям. Благодаря Пегги мы видим искусство первой половины ХХ века таким, какое оно есть.
Открыв свою коллекцию для публики, Пегги Гуггенхайм не просто популяризировала современное искусство, но и превратила свою частную коллекцию в музей. В 1951 году её дом стал доступен для публики на постоянной основе. Пегги не только показывала свою коллекцию, но и делилась своей жизнью, тем, чем жила на протяжении многих лет.
С годами здоровье Пегги уже не позволяло ей управлять коллекцией самостоятельно. В 1976 году она приняла решение передать её Фонду Гуггенхайма, что обеспечило коллекции надёжное место в истории и дальнейшее развитие. Благодаря этому шагу коллекция не просто сохранилась, но и стала частью всемирной сети музеев Гуггенхайма.
Коллекция Пегги Гуггенхайм — яркий пример того, как частная инициатива, основанная на личной страсти и интуиции, может стать мировым культурным наследием. От частной домашней коллекции до галереи в Нью-Йорке и музея в Венеции, от экспериментов с выставочными форматами до интеграции в глобальную музейную сеть — её коллекция показывает, что искусство способно выйти за пределы личного владения и стать чем-то большим, чем частное собрание.
Даша Ильяшенко — основательница платформы KakdelArt, объединяющей русскоязычных художников в Израиле. Оставив карьеру в сфере IT, она посвятила себя развитию проекта, который служит мостом между художниками-репатриантами и локальной культурной средой. Ее история — это рассказ о том, как одна идея может изменить не только жизнь человека, но и целую творческую среду.
О себе и начале пути
ДашаИльяшенко
Я родилась в Москве, окончила журфак МГУ. Начинала карьеру в журналистике, работала в различных изданиях, но вскоре перешла в IT, где четыре года была комьюнити-менеджером в компании BlaBlaCar. Эта работа дала мне навыки управления сообществами, маркетинга, проектного менеджмента и основы бизнес-процессов. Однако со временем я поняла, что IT — это не то, что меня по-настоящему интересует. Я много путешествовала, побывала в 30 странах и всегда уделяла внимание современным музеям и альтернативным пространствам. Постепенно я поняла, что хочу заниматься проектами, связанными с искусством и урбанистикой, и решила погрузиться в тему креативных кластеров.
Переехав в Израиль в 2019 году, я начала воплощать идею создания креативных кластеров — пространств, таких как здания или кварталы, наполненных резидентами из творческих сфер. Эти кластеры задумывались как места для людей искусства, где художники и горожане могли бы взаимодействовать и обогащать друг друга. Исследуя локальную среду и налаживая контакты, я выяснила, что такая концепция в Израиле практически не известна, и мне предстояло популяризировать ее среди местного сообщества.
В начале пути я практически не отбирала никого специально в команду. Моя стратегия заключалась в том, чтобы прийти на любое событие или пространство и рассказать про свою идею создания креативного кластера. Идея сформировалась через общение с людьми. Некоторые просто поддерживали меня, кто-то говорил, что поучаствует позже, а кто-то хотел присоединиться к проекту сразу.
У меня не было бюджета или навыков фандрайзинга, но люди собирались вокруг идеи.
Для создания первых проектов я собрала единомышленников, которые были вдохновлены идеей нового культурного пространства. Изначально мы назывались «Cluster». Для израильтян это слово не несёт особого смысла и звучит абстрактно, поэтому оно отлично подошло нам в качестве названия. Наш первый проект — art-инсталляция в городском парке, реализованная в сотрудничестве с мэрией. Это было через два месяца после моей репатриации.
В 2020-2022 годах я начала сотрудничество с израильской командой, стремившейся создать что-то подобное арт-кластеру в бывшем хостеле. Постепенно я взяла на себя задачи по маркетингу и взаимодействию с сообществом. Несмотря на то, что на тот момент я не знала иврит, мои навыки продвижения и организации позволили продвигать проекты на иностранном для меня языке. Именно этот опыт помог мне освоить иврит, погрузиться в локальную арт-среду, познакомиться с площадками и поработать с грантами. Позже он пригодился мне при создании проекта KakdelArt.
Идея создания KakdelArt
Проект KakdelArt появился сразу после начала российско-украинского конфликта, в марте 2022 года. Я поняла, что начнется большая волна русскоязычной эмиграции, и решила помочь людям искусства найти себя в новой стране. Название «KakdelArt» мы придумали вместе с первыми членами сообщества. Фраза «Как дела?» известна каждому израильтянину благодаря множеству русскоязычных жителей, которые интегрировались в израильское общество и внесли свои базовые выражения, вроде «привет», «как дела», «как тебя зовут», в разговорный язык. Под этим брендом мы объединили русскоязычных художников и создали платформу, которая помогает им находить себя на израильской арт-сцене, участвовать в выставках и культурных событиях, а также взаимодействовать с местным сообществом.
Первое мероприятие проекта началось с open call для художников на благотворительную выставку в поддержку Украины, которая прошла в четырёх городах Израиля. На неё откликнулись около 70 художников, и в результате продажи их работ удалось собрать 36 тысяч шекелей.
Расширение сообщества и партнерских связей
С самого начала проекта KakdelArt мы активно развивали присутствие в социальных сетях: Instagram, Facebook и Telegram. Создавали открытые чаты и приглашали новых участников. Регулярно проводили нетворкинг-мероприятия, чтобы люди могли познакомиться друг с другом и с нами лично. Важную роль сыграло и сарафанное радио, которое помогало распространять информацию о проекте.
Также я рассказала о нашей деятельности Министерству Алии и муниципалитетам, и теперь они направляют к нам художников-репатриантов. О нас знают и другие организации, работающие с новыми репатриантами, такие как Маса и Таглит.
Финансовая модель
На разных проектах мы зарабатываем по-разному. Например, мы можем продавать билеты на нетворкинг-мероприятия или фестивали. Также у нас есть онлайн-курс для художников, который помогает участникам глубже понять местную арт-сцену и организованно работать над своими проектами, и участие в этом курсе является платным. Кроме того, мы запустили менторскую программу, где в роли менторов выступаем я и другие русскоязычные кураторы, которые давно живут в Израиле и хорошо понимают местные особенности. Среди них, например, Вера Гайлис и Катя Финкельштейн.
С этого года мы начали сотрудничать с другими организациями, что позволило нам привлечь сторонний бюджет для некоторых проектов. Например, Центр современного искусства и иудаизма Neve Schechter в Тель-Авиве получил грант на программу для русскоязычных художников и пригласил меня координировать и курировать этот проект.
Появляются и другие подобные проекты, где есть сторонние партнёры и финансирование. Например, музей современного искусства в Рамат Гане обратился к нам с идеей организовать мероприятие для художников-репатриантов в рамках одной из своих выставок. В некоторых проектах предусмотрен бюджет на координатора, и зачастую эту роль выполняю я. В других проектах могут быть стипендии для участников или средства на организацию мероприятий.
Такое сотрудничество с местными институциями позволяет нам становиться более заметными, и всё больше организаций хотят работать с нами, что даёт возможность реализовывать интересные проекты.
О трудностях и успешных проектах
Были и неудачные кейсы. Например, в прошлом году мне бесплатно предоставили большое красивое помещение, и я решила организовать там Artist Run Space — студию для художников. 20 художников стали резидентами, проводились выставки и мероприятия, и это был замечательный опыт. Однако вскоре нам пришлось вернуть это пространство, и я поняла, как важно иметь своё собственное место.
Я нашла новое пространство, но оно уже было платным и не дешёвым. Попробовала создать там студию и проводить мероприятия, однако помещение представляло собой единое пространство, не разделённое на отдельные студии. Это осложняло организацию: параллельно проходили рабочие процессы и вечеринки, что пагубно влияло на оба формата. К тому же аренда не окупалась, и финансово я выходила лишь в ноль, иногда в плюс, иногда в минус. Это место остаётся у меня до сих пор, оно востребовано в арт-сообществе, там проходят выставки, но сейчас его содержание убыточно, и я рассматриваю возможность закрытия.
Но есть и множество успешных проектов. Одним из них стало участие в Иерусалимской неделе дизайна. Это ежегодная большая арт-дизайн-выставка, на которую подаются сотни заявок. Ранее я сама несколько раз участвовала в этом open call, но не проходила отбор. В этом году я организовала встречу нашего сообщества с куратором фестиваля, что помогло художникам лучше понять требования и подать заявки. В итоге четыре человека из нашего сообщества прошли отбор и приняли участие, и я очень горжусь этим результатом.
Планы на будущее
Я вижу KakdelArt не только как платформу для интеграции русскоязычных художников в Израиле, но и как возможность для израильтян присоединиться к нашему сообществу. Моя цель — создать устойчивую сеть проектов, поддерживаемых как грантами, так и партнёрствами с местными институциями.
Мы не стремимся постоянно придумывать что-то новое, поскольку это не всегда рационально. Если что-то работает хорошо, мы продолжаем это делать, совершенствуем и упрощаем, чтобы всем было удобнее. Например, мы организуем фестивали пару раз в год и сейчас уже идет четвёртый поток нашего курса по развитию карьеры художника.
Сейчас мы планируем провести мульти-арт фестиваль на Новый год, как делаем это уже два года подряд. Новый год отмечается русскоязычным сообществом в Израиле, и израильтяне тоже знают об этом празднике. Мы организуем фестиваль с арт-программой прямо 31 декабря, чтобы люди могли отметить праздник вместе. В этом году у нас есть возможность провести его в Музее Города на одной из центральных площадей, и мы надеемся на положительное решение по бюджету.
Также у нас есть две площадки, которые принадлежат нам, но я рассматриваю возможность перейти на работу с партнёрскими пространствами, а не содержать свои собственные. Это сделает нашу деятельность проще, менее рискованной и, вероятно, более выгодной для художников. Весь проект остаётся достаточно гибким и развивается органично, без чётких и жёстких рамок.
Для меня больше важно не зарабатывать на этом проекте, а помогать художникам находить свои возможности для самореализации.
Евгения Скубина — художница и иллюстратор из Москвы, стремящаяся передать в своих работах свет, гармонию, беззаботность и внутреннюю красоту. Она сотрудничала с такими журналами, как Tatler, Glamour, Ornament Magazine, Seasons, а также с компаниями МегаФон, Yandex и Jardin Coffee.
В теплый осенний день мы встретились с Евгенией в её студии на Покровке, чтобы обсудить, как она находит красоту в повседневной жизни, преодолевает творческие кризисы и создаёт гармоничные композиции, вдохновляясь Матиссом и Гогеном.
Евгения Скубина Фото здесь и далее: Алексей Алифанов
О пути становления как творческого человека
С самого детства рисование было моим любимым занятием, поэтому я ходила в соответствующий кружок, а потом и в детскую художественную школу. Но «художка» с её требованиями и довольно консервативным подходом высосала из меня все соки и лишила какой-либо уверенности в себе как в художнице. И по сути она осталась моим единственным художественным образованием: пару лет после неё я вообще не притрагивалась к краскам и отправилась учиться на лингвиста-переводчика. Затем я постепенно вернулась к рисованию — сама дома осваивала масло и акрил, искала свой стиль и, сделав вираж в сторону графического дизайна и иллюстрации, оказалась там, где я сейчас, — художницей, чьё основное занятие — это живопись.
О выборе цветов и композиции
Как правило, когда смотрю на эскиз, понимаю, какой цвет я точно хочу добавить на картину. И от этого иду дальше: придумываю сочетания, которые хочу видеть. Постепенно так выстраивается вся работа. Мне хочется создавать гармоничные композиции, чтобы при взгляде на картину не создавалось ощущения дисбаланса и неуютности.
О процессе создания картины
Первые эскизы я делаю в электронном виде на айпаде — так удобнее подобрать цвета и композицию. Потом переношу его на картину, обычно немало чего изменяя в процессе. А вдохновить на сюжет могут совершенно случайные вещи: поза, увиденная в жизни, на фото или на другой картине, какие-то воображаемые ситуации.
Про стиль и влияние французских художников
Слово «фовизм» не слишком на слуху, поэтому чаще всего я называю свой стиль авангардом и добавляю, что вдохновляюсь Матиссом. Думаю, в первую очередь в работах Матисса и Гогена меня привлекает обилие цвета, красивые его сочетания и общая атмосфера радости, неги и безмятежности. В общем, всё то, что является ключевыми моментами и моего творчества. Из современных художников мне нравятся Pierre Boncompain, Pegge Hopper, Kelly Beeman.
Как можно увидеть, самые частые мои сюжеты — это безмятежные, задумчивые девушки и летние, тоже безмятежные в своём роде, натюрморты.
В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента или наших обыкновенных вещей, быта — всего того, что окружает нас каждый день и часто недополучает любования.
О направлениях в творчестве
Для меня безусловно живопись стоит на первом месте. Здесь я ощущаю большую свободу самовыражения и художественную силу. Но иллюстрация даёт возможность посотрудничать с крупными брендами, а значит, выйти на более обширную аудиторию. Как правило, бренды задают некие рамки для работы, но и это бывает интересно — сохранить свой стиль и при этом выполнить поставленную задачу. Сейчас как раз работаю над парой интересных новогодних проектов.
Про внутреннюю гармонию и вдохновение
Думаю, это просто некая моя мечта, которую я реализую в своих работах: красивый антураж, спокойное, мечтательное состояние героинь — это то, к чему я сама внутренне стремлюсь или что пытаюсь сохранить в нынешнем сумасшедшем мире.
О творческом кризисе
Единственный творческий кризис был, пожалуй, только после окончания художественной школы.
В остальные моменты я очень благодарна за свою участь быть художницей, рисовать почти каждый день и зарабатывать этим на жизнь — это моя отрада.
У меня был период нелюбимой работы в офисе в течение восьми лет, и это дало мне прививку от каких-либо жалоб на своё нынешнее дело. Всё будет лучше, чем та работа.
Artnetпредставил свой традиционный отчёт о состоянии арт-рынка за первую половину 2024 года. Делимся обзором отчета тенденциях арт-мира, наиболее популярных художниках, направлениях развития глобального арт-рынка.
1. Резкое падение продаж
В первой половине 2024 года на арт-рынке наблюдается значительное снижение продаж на 29,5% по сравнению с тем же периодом прошлого года. Это падение обусловлено дефицитом высококачественных лотов и снижением активности крупных коллекционеров. Интерес к искусству стоимостью свыше 10 миллионов долларов упал на 30%.
2. Лидеры рынка
Несмотря на глобальные экономические трудности, США сохраняют лидерство на арт-рынке, с продажами на сумму 2,2 миллиарда долларов за первую половину 2024 года. Это в два с половиной раза больше, чем в Великобритании, которая занимает второе место. Продажи в Китае также сократились на 49%, что связано с экономическими проблемами и спадом на рынке недвижимости.
3. Падение интереса к ультра-современному искусству
Интерес к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) сократился на 39% по сравнению с прошлым годом. Это указывает на ослабление спекуляций и снижение цен в этом сегменте.
4. Аукционные дома
Три крупнейших аукционных дома — Sotheby’s, Christie’s и Phillips — зафиксировали снижение продаж на 29%. Основная причина этого кроется в отсутствии знаковых коллекций и меньшей активности в продаже произведений искусства высшего класса.
5. Смена вкусов и предпочтений коллекционеров
В 2024 году наблюдается растущий интерес к разнообразию в коллекциях. Так, число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах увеличилось, а работы чернокожих художников и художников из Азии становятся все более востребованными.
6. Самые ищущиеся художники
В последние десять лет среди наиболее часто ищущихся художников в базе данных Artnet Price не произошло значительных изменений. Классические имена, такие как Пикассо, Рихтер и Уорхол, сохраняют свои позиции, как и Баския, Калдер, Шагал и Миро. Однако недавно в списке появилась Йоко Оно Кусама, отражая ее стремительный рост на рынке и в общественном сознании.
7. Тренды на будущее
Эксперты прогнозируют продолжение перестройки арт-рынка в ближайшие годы, где качество будет ставиться выше количества, а коллекционеры будут более избирательными в своих покупках.
Ключевые цифры:
Объем продаж
$5,05 млрд — Общая сумма, потраченная на искусство на аукционах в первой половине 2024 года. Это на 29,5% меньше, чем за аналогичный период 2023 года.
Лидеры рынка
$2,2 млрд — Сумма, потраченная на изобразительное искусство на аукционах в США в первой половине 2024 года. Это более чем в 2,5 раза превышает сумму, потраченную на искусство в Великобритании.
Ультра-современное искусство
-39% — Падение интереса к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) по сравнению с прошлым годом.
Аукционные дома
-29% — Падение общего объема продаж трех крупнейших аукционных домов — Sotheby’s, Christie’s и Phillips.
Женщины на аукционах
10 — Число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах в первые шесть месяцев 2024 года. Это на две больше, чем за тот же период прошлого года. Три женщины входят в двадцатку лучших, что на одну больше, чем в прошлом году.
Китайский рынок
-49% — Падение продаж в Китае, обусловленное экономическими трудностями и спадом на рынке недвижимости.
