Евгения Скубина — художница и иллюстратор из Москвы, стремящаяся передать в своих работах свет, гармонию, беззаботность и внутреннюю красоту. Она сотрудничала с такими журналами, как Tatler, Glamour, Ornament Magazine, Seasons, а также с компаниями МегаФон, Yandex и Jardin Coffee.
В теплый осенний день мы встретились с Евгенией в её студии на Покровке, чтобы обсудить, как она находит красоту в повседневной жизни, преодолевает творческие кризисы и создаёт гармоничные композиции, вдохновляясь Матиссом и Гогеном.
Евгения Скубина Фото здесь и далее: Алексей Алифанов
О пути становления как творческого человека
С самого детства рисование было моим любимым занятием, поэтому я ходила в соответствующий кружок, а потом и в детскую художественную школу. Но «художка» с её требованиями и довольно консервативным подходом высосала из меня все соки и лишила какой-либо уверенности в себе как в художнице. И по сути она осталась моим единственным художественным образованием: пару лет после неё я вообще не притрагивалась к краскам и отправилась учиться на лингвиста-переводчика. Затем я постепенно вернулась к рисованию — сама дома осваивала масло и акрил, искала свой стиль и, сделав вираж в сторону графического дизайна и иллюстрации, оказалась там, где я сейчас, — художницей, чьё основное занятие — это живопись.
О выборе цветов и композиции
Как правило, когда смотрю на эскиз, понимаю, какой цвет я точно хочу добавить на картину. И от этого иду дальше: придумываю сочетания, которые хочу видеть. Постепенно так выстраивается вся работа. Мне хочется создавать гармоничные композиции, чтобы при взгляде на картину не создавалось ощущения дисбаланса и неуютности.
О процессе создания картины
Первые эскизы я делаю в электронном виде на айпаде — так удобнее подобрать цвета и композицию. Потом переношу его на картину, обычно немало чего изменяя в процессе. А вдохновить на сюжет могут совершенно случайные вещи: поза, увиденная в жизни, на фото или на другой картине, какие-то воображаемые ситуации.
Про стиль и влияние французских художников
Слово «фовизм» не слишком на слуху, поэтому чаще всего я называю свой стиль авангардом и добавляю, что вдохновляюсь Матиссом. Думаю, в первую очередь в работах Матисса и Гогена меня привлекает обилие цвета, красивые его сочетания и общая атмосфера радости, неги и безмятежности. В общем, всё то, что является ключевыми моментами и моего творчества. Из современных художников мне нравятся Pierre Boncompain, Pegge Hopper, Kelly Beeman.
Как можно увидеть, самые частые мои сюжеты — это безмятежные, задумчивые девушки и летние, тоже безмятежные в своём роде, натюрморты.
В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента или наших обыкновенных вещей, быта — всего того, что окружает нас каждый день и часто недополучает любования.
О направлениях в творчестве
Для меня безусловно живопись стоит на первом месте. Здесь я ощущаю большую свободу самовыражения и художественную силу. Но иллюстрация даёт возможность посотрудничать с крупными брендами, а значит, выйти на более обширную аудиторию. Как правило, бренды задают некие рамки для работы, но и это бывает интересно — сохранить свой стиль и при этом выполнить поставленную задачу. Сейчас как раз работаю над парой интересных новогодних проектов.
Про внутреннюю гармонию и вдохновение
Думаю, это просто некая моя мечта, которую я реализую в своих работах: красивый антураж, спокойное, мечтательное состояние героинь — это то, к чему я сама внутренне стремлюсь или что пытаюсь сохранить в нынешнем сумасшедшем мире.
О творческом кризисе
Единственный творческий кризис был, пожалуй, только после окончания художественной школы.
В остальные моменты я очень благодарна за свою участь быть художницей, рисовать почти каждый день и зарабатывать этим на жизнь — это моя отрада.
У меня был период нелюбимой работы в офисе в течение восьми лет, и это дало мне прививку от каких-либо жалоб на своё нынешнее дело. Всё будет лучше, чем та работа.
В картинах Александра Белова живопись возвращает себе статус среды, где материя и время работают на равных с художником. Его работы – это не просто визуальные иллюстрации идей, а пространства со своими законами физики: масляная краска может застывать неделями, потёки подчиняются силе тяжести, пыль из мастерской становится частью полотна, а фразы и наброски сплетаются в плотную сеть «смысла без конкретного сюжета».
Художник – представитель поколения, пережившего резкий сдвиг скоростей: в мире, где визуальная информация передаётся мгновенно, он намеренно выбирает медленные и капризные материалы, позволяя им сопротивляться контролю. Это решение лежит в основе его художественной интонации.
Память как осадок и медленные материалы
UNTITLED, 2015. Oil on canvas. 300 x 500 cm (unframed)
Александр Белов родился в 1981 году в Санкт-Петербурге. Работает с живописью, уличным искусством и перформансами, курирует выставки и различные арт-события. В 2022 году эмигрировал: сначала в Австрию, затем в Португалию, где сейчас живёт и работает в Лиссабоне. Переезд стал для него не просто изменением координат, а новым художественным ресурсом: в его работах слышен «акцент» разных культур и языков. Это явно отражается в визуальном языке.
В своём художественном манифесте художник говорит о холсте как о месте, где собирается «осадок памяти» из городских ландшафтов, языковых фраз, повседневных следов. Он выбирает материалы, которые сохнут медленно: масла, лаки, смолы. И за счёт этого становятся полноправными соавторами. Случайность здесь – не хаос, а выверенная структура. Он называет такие полотна «нелинейными ландшафтами» и сравнивает свою живопись с компостной кучей, а именно местом, где всё разное распадается, а потом снова соединяется в новую почву. Это не метафора распада, а образ становления.
Живопись: масштаб, текст и грамматика тяжести
UNTITLED, 2018. Pen on paper. 31 x 20 cm
Его работы часто выполнены в большом формате от двух до шести метров по длине. Это нужно не ради зрелищности, а чтобы вместить сам процесс: капли краски должны пройти путь, жест кисти – прозвучать в масштабе тела, фразы – рассыпаться в многослойный шум. На полотнах появляются и звероподобные, и человеческие силуэты, сетки, круги, текстовые фрагменты на русском и английском.
В его живописи видно, как материал диктует форму и ритм. Например, в серии 2021 года квадрат работает как камера давления: широкие мазки и потёки объединяются в целое, где цвет «дышит» – то наполняет пространство, то отступает. Масса краски здесь формирует пространство, а не сюжет. В работе на бледно-розовой ткани 2022 года случайность становится тектоникой: потёки выглядят как силы, а надписи, как «отложения речи», которые то выходят на поверхность, то исчезают в глубине. Эти картины считываются «по слоям», а не линейно.
UNTITLED, 2020. Oil and oil stick on canvas. 210 x 340 cm (unframed)
Серия на автомобильных стёклах переносит живопись на прозрачный носитель: реальный свет и отражения становятся частью композиции, мазок обретает глубину, невозможную на холсте. Десятки листов, созданных в 2018–2022 годах, показывают, как жест, шрифт и набросок становятся равноправными знаками. Где-то диаграммы и словесные «облака» (Amazon / design / service / elastic), где-то – фразы в виде стрелок («Слишком молод для ничто», «Будущее только что закончилось»), где-то – зацикленный штрих, превращающийся в визуальные заросли. Эти упражнения не «готовят» живопись напрямую, но расширяют её визуальный словарь.
Смысл без морали, время без итога
UNTITLED, 2015. Oil on canvas. 210 x 600 cm (unframed)
Миграция и смена языковой среды у Александра Белова не звучат как ностальгия или тоска. Скорее как настройка фокуса, тексты на холстах становятся зафиксированным шумом городской среды: объявления, граффити, обрывки разговоров. Его опыт с инсталляциями и уличным искусством (от стендов до муралов) даёт возможность заселять пространство так, чтобы зритель воспринимал картину телом и взглядом. С ранних проектов, таких как Language Without Bones (2015) и Hive (2019), видно, как он работает на пересечении архитектуры и живописной среды. Участие в MANIFESTA 10, OSTRALE и других проектах только подчёркивает эту пространственную оптику.
О смысле в его работах стоит говорить в терминах экологии, а не логики. Его живопись ничего не разъясняет и не учит, она предлагает быть в совместном присутствии с материей. Важно не то, что «имел в виду автор», а то, как взаимодействуют краски, слова, пыль, свет и гравитация. У этих полотен нет одной правильной точки обзора: зритель то приближается к деталям, то отходит, чтобы уловить силу движения и структуру распада. Александр Беловработает наперекор привычке быстро всё считывать, его работы требуют времени. Сегодня, когда визуальная культура предлагает бесконечные потоки «готовых значений», его метод становится актом сопротивления. Он возвращает материальности статус носителя смысла, показывает, что распад – не конец, а этап.
Серия Who Needs Who? Nature’s Way In, ксилография и ризография, 2022. Шесть отпечатков, исследующих отношения человека и природных систем через последовательность состояний.
Проект молодой современной художницы Медины Мамедхановой — Кто кому нужен? Природа берёт своё — Who Needs Who? Nature’s Way In — разворачивается вокруг темы взаимодействия человека и природы через интересную «раскадровку» и переход от ручной техники отпечатка от деревянного блока — ксилографии — к машинной технике печати ризографом. Шесть последовательных отпечатков, расположенных один за другим по горизонтали, отражают шесть стадий развития этих отношений: начало природы — расцвет — появление людей — люди начинают влиять на природу — уничтожение природы — остаются только люди.
Своим ироничным высказыванием — «Кто кому нужен?» — художница ставит под вопрос антропоцентризм, буквально иллюстрируя в последнем «слайде», как жизнь человека без природы разваливается.
Процесс печати. Подготовка формы для ксилографии и нанесение краски перед оттиском.
Проект был реализован в технике ксилографии (woodblock) и ризографической печати. Медина вдохновлялась Лондонской оранжереей Kew Gardens — проводила там наблюдения, искала формы и узоры, делала снимки. Используя растительные формы как визуальный язык первых четырёх стадий, Мамедханова выстраивает орнаментальные композиции, которые на первый взгляд кажутся декоративными, но при более внимательном рассмотрении раскрываются как последовательность состояний распада — это отражается в переходе цвета от зелёного к красному. Доминирующая позиция человека неизбежно приводит к деградации природы и к полному её исчезновению — превращению в белый цвет на последнем, шестом «слайде».
Фрагмент серии Who Needs Who? Nature’s Way In, ксилография, 2022. Три отпечатка, варьирующие одну форму через цвет и плотность печати.
Экологическая проблематика, к которой часто обращаются художники, иллюстрируется здесь весьма нестандартно и даже утонченно. Представленная художницей «расскадровка» задает ритм неизбежности сразу на нескольких уровнях. Во-первых, меняется цвет — от светло-зеленого с белым (рождение) — через насыщенный зеленый — к напряженному красному и снова в белый цвет (исчезновение). Во-вторых, меняется техника печати — от ручной к машинной. И, наконец, меняется декоративный язык — от почти декоративной детальной и ботанической иллюстрации к минималистичному упрощенному стилизованному изображению маленьких человечков.
Экспозиция проекта в витрине Window Galleries, Central Saint Martins, Лондон, 2022. Работа представлена в публичном пространстве институции.
Проект был представлен в 2022 году в Лондоне в витринных пространствах проходной зоны здания Central Saint Martins в Granary Square. Это пространство функционирует как открытая галерея, обращённая к улице, с постоянным доступом для широкой аудитории в этом транзитном пространстве. Так, публичная выставочная платформа институции создаёт пересечение художественного языка с городским потоком, создаёт своеобразный «сюрприз» или «клад» в переулках Лондона. Так, творчество художника включено в профессиональный контекст и доступно горожанам вне классической галерейной структуры — это один из многочисленных приёмов, который создаёт магию этого города.
Выставка Nature vs Humans: The Road Back стала калейдоскопом многочисленных идей и проектов, которые искали способы повернуть вспять стремление человека к доминантной позиции и разрушению природы. Выставка одновременно стремилась подчеркнуть масштаб проблемы — и именно в это сделала вклад работа Медины Мамедхановой — иллюстрируя широким жестом весь цикл от рождения до распада — и дать надежду, призывая к осознанным действиям, направленным на борьбу с изменением климата и восстановление баланса в отношениях человека и природы.
Работа Медины в этой концептуальной рамке фиксирует не столько состояние экосистемы, сколько структуру мышления, в которой человек продолжает верить в иллюзию собственного превосходства и совершать разрушительные действия, к которым это мышление неизбежно приводит. Шестой «слайд»-отпечаток серии Медины Мамедхановой переносит зрителя в момент, когда эта иллюзия становится невозможной.
Artnetпредставил свой традиционный отчёт о состоянии арт-рынка за первую половину 2024 года. Делимся обзором отчета тенденциях арт-мира, наиболее популярных художниках, направлениях развития глобального арт-рынка.
1. Резкое падение продаж
В первой половине 2024 года на арт-рынке наблюдается значительное снижение продаж на 29,5% по сравнению с тем же периодом прошлого года. Это падение обусловлено дефицитом высококачественных лотов и снижением активности крупных коллекционеров. Интерес к искусству стоимостью свыше 10 миллионов долларов упал на 30%.
2. Лидеры рынка
Несмотря на глобальные экономические трудности, США сохраняют лидерство на арт-рынке, с продажами на сумму 2,2 миллиарда долларов за первую половину 2024 года. Это в два с половиной раза больше, чем в Великобритании, которая занимает второе место. Продажи в Китае также сократились на 49%, что связано с экономическими проблемами и спадом на рынке недвижимости.
3. Падение интереса к ультра-современному искусству
Интерес к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) сократился на 39% по сравнению с прошлым годом. Это указывает на ослабление спекуляций и снижение цен в этом сегменте.
4. Аукционные дома
Три крупнейших аукционных дома — Sotheby’s, Christie’s и Phillips — зафиксировали снижение продаж на 29%. Основная причина этого кроется в отсутствии знаковых коллекций и меньшей активности в продаже произведений искусства высшего класса.
5. Смена вкусов и предпочтений коллекционеров
В 2024 году наблюдается растущий интерес к разнообразию в коллекциях. Так, число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах увеличилось, а работы чернокожих художников и художников из Азии становятся все более востребованными.
6. Самые ищущиеся художники
В последние десять лет среди наиболее часто ищущихся художников в базе данных Artnet Price не произошло значительных изменений. Классические имена, такие как Пикассо, Рихтер и Уорхол, сохраняют свои позиции, как и Баския, Калдер, Шагал и Миро. Однако недавно в списке появилась Йоко Оно Кусама, отражая ее стремительный рост на рынке и в общественном сознании.
7. Тренды на будущее
Эксперты прогнозируют продолжение перестройки арт-рынка в ближайшие годы, где качество будет ставиться выше количества, а коллекционеры будут более избирательными в своих покупках.
Ключевые цифры:
Объем продаж
$5,05 млрд — Общая сумма, потраченная на искусство на аукционах в первой половине 2024 года. Это на 29,5% меньше, чем за аналогичный период 2023 года.
Лидеры рынка
$2,2 млрд — Сумма, потраченная на изобразительное искусство на аукционах в США в первой половине 2024 года. Это более чем в 2,5 раза превышает сумму, потраченную на искусство в Великобритании.
Ультра-современное искусство
-39% — Падение интереса к ультра-современному искусству (работам художников, рожденных после 1974 года) по сравнению с прошлым годом.
Аукционные дома
-29% — Падение общего объема продаж трех крупнейших аукционных домов — Sotheby’s, Christie’s и Phillips.
Женщины на аукционах
10 — Число женщин среди 100 самых продаваемых художников на аукционах в первые шесть месяцев 2024 года. Это на две больше, чем за тот же период прошлого года. Три женщины входят в двадцатку лучших, что на одну больше, чем в прошлом году.
Китайский рынок
-49% — Падение продаж в Китае, обусловленное экономическими трудностями и спадом на рынке недвижимости.
Для изобразительного искусства спорт во все времена был неиссякаемым источником вдохновения. Скульпторы, живописцы, графики создали колоссальное количество выдающихся произведений, посвященных личностям великих спортсменов или мгновениям состязаний и тренировок. Однако, мало кто знает, что в истории был короткий, но бесспорно замечательный период, когда искусство и спорт были ближе, чем когда-либо. И сошлись они ни где-нибудь, а на самых значимых мировых спортивных состязаниях – Олимпийских играх.
С 1912 по 1948 год на них проходили конкурсы искусств, где художники, скульпторы, архитекторы и музыканты наравне со спортсменами боролись за олимпийское золото, серебро и бронзу и завоевали в общей сложности 151 медаль.
Каталоги Конкурсов искусств Летних Олимпийских игр 1928, 1932, 1936 и 1948 годов
Источник: Steemit.com
Замысел организации олимпийских Конкурсов искусств принадлежал барону Пьеру де Кубертену – основателю современного олимпийского движения. Он мечтал о гармоничном сочетании спорта и искусства, как это было в Античности, и подчеркивал:
«Мы должны заново объединить узами законного брака давно разведенную пару – Тело и Разум».
Но понадобились годы и немалое упорство Кубертена, чтобы его идея стала реальностью, однако он, как настоящий боец преодолел все препятствия и в 1912 году в программу V Олимпийских игр в Стокгольме наконец вошли Конкурсы искусств.
Барон Пьер де Кубертен. 1915.
Источник: Wikimedia Commons
Изначально на Конкурсах искусств было представлено пять категорий – «Живопись», «Скульптура», «Архитектура», «Музыка» и «Литература», но в дальнейшем вместе с тем, как конкурсы набирали популярность, перечень категорий был расширен. К «Живописи», например, добавились «Рисунок», «Акварель», «Офорт», «Рекламная графика», «Печатная графика», а «Скульптуру» разделили на «Круглую скульптуру» и «Рельеф» и т.д.
Основные критерии отбора были просты – произведения должны были быть вдохновлены спортом, соответствовать олимпийским идеалам и быть оригинальными, нигде прежде не опубликованными. Исключение составляли архитекторы, которые могли подать на конкурс проект уже возведенного спортивного сооружения.
Первый Конкурс искусств на Олимпийских играх 1912 года в Стокгольме получился довольно скромным. Свои работы прислали всего 35 деятелей искусств и тем не менее награждения состоялись по всем категориям. За медали в номинации «Живопись» соревновались четыре художника. Самым известным из них был французский мастер Жан-Франсуа Рафаэлли, чьи произведения экспонировались на выставках импрессионистов 1880 и 1881 годов. Работами Рафаэлли восхищались Жорис-Карл Гюисманс и Эдгар Дега, однако олимпийских судей художник не впечатлил, и они не удостоили его медалью (в тот год медали за 2-е и 3-е места вообще не вручили никому). Победителем же стал не столь знаменитый итальянец Карло Пеллегрини, наиболее известный своими открытками с очаровательными иллюстрациями, посвященными зимним видам спорта в Альпах.
Карло Пеллегрини. Зимние спортивные игры. 1912.
Источник: Theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Живопись»)
Похожая судьба остаться без медалей постигла и двух всемирно известных скульпторов, принявших участие в конкурсе. Паоло Трубецкого – выдающегося скульптора-импрессиониста, разделившего с Роденом Гран-при Всемирной парижской выставки 1900 года в Париже и его блистательного ученика Рембрандта Бугатти – брата основателя легендарной автомобилестроительной компании «Bugatti» и талантливого анималиста, чьи скульптуры всегда ценились очень высоко (сегодня на аукционах они уходят с молотка за шестизначные суммы). Вместо них золото получил американец Уолтер Уайнэнс, что дало ему уникальный и единственный в истории дубль. На той же Олимпиаде 1912 года он выиграл серебро в спортивной секции стрельбы одиночным выстрелом по «бегущему оленю», а в 1908 году Уайнэнс удостоился золота за стрельбу по «бегущему оленю» двойным выстрелом. Таким образом он стал тем идеальным образцом равновесия Разума и Тела, о котором мечтал Кубертен.
Рембрандт Бугатти в Зоопарке Антверпена. 1908. Источник: Sladmore London
Уолтер Уайнэнс. Американский рысак. 1912. Источник: theolympians.co (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Скульптура»)
Кстати, еще одним золотым медалистом того года был, кто бы вы думали, сам барон Пьер де Кубертен. Переживая о том, что участников окажется недостаточно, он решил представить в номинации «Литература» свою «Оду спорту» и она принесла ему олимпийское золото.
Пьер де Кубертен. Ода спорту. 1912.
Источник: Olympics.com (Золотая медаль Олимпийских игр 1912 года в категории «Литература»)
Второй Конкурс искусств на Олимпийских играх 1920 года в Антверпене тоже не привлек к себе особого внимания, а вот в 1924 году на VIII Летних Олимпийских играх в Париже случился настоящий прорыв. 190 конкурсантов из 24 стран представили 283 работы во всех категориях, 158 из которых были одобрены жюри и допущены к оценке. Несмотря на нежелание большинства великих художников того времени принимать в этих конкурсах, в тот год все же появилось несколько достойных медалистов.
Жан Рене Гоген – известный скульптор и четвертый сын выдающегося импрессиониста Поля Гогена за свою скульптуру «Боксер» выиграл бронзовую медаль, а Джек Батлер Йейтс, младший брат поэта и нобелевского лауреата Уильяма Йейтса получил серебро за картину «Заплыв Лиффи» и стал первым олимпийским медалистом недавно обретшей независимость Ирландии. Его картина посвящена одному из самых знаменитых и значимых мировых заплывов на открытой воде, который ежегодно проводится в Дублине с 1920 года. Написанная широкими, экспрессивными мазками, картина отлично передает напряженную атмосферу состязания и «боления». Художник берет точку зрения из зрительских рядов, тем самым позволяя каждому созерцающему полотно ощутить себя частью этого волнующего действа.
Жан Рене Гоген. Боксер. 1924.
Источник: Milesosgood.com (Бронзовая медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Скульптура»)
Джек Батлер Йейтс. Заплыв Лиффи. 1923.
Национальная галерея Ирландии, Дублин (Серебряная медаль Олимпийских игр 1924 года в категории «Живопись»)
А в секции «Архитектура» в тот год появился еще один художник-спортсмен. Венгерский пловец и двукратный чемпион I Летних Олимпийских игр 1896 года в Афинах Альфред Хайош принял участие в парижской Олимпиаде, как архитектор (он уже был студентом архитектурного отделения, когда взял два золота в 1896 году) и выиграл серебро за проект стадиона.
Альфред Хайош. 1896. Источник: Wikimedia Commons
Альфред Хайош во время работы над проектом стадиона для Конкурса искусств Летних Олимпийских игр 1924 года. 1924. Источник: Zsidokivalosagok.hu
Альфред Хайош. Проект стадиона. 1924
Парижские игры были также примечательны и тем, что в них приняли участие наши соотечественники.
Официально СССР в те годы бойкотировал Олимпийские игры, считая их буржуазной забавой.
Но находящихся в эмиграции русских деятелей искусств советские бойкоты не волновали и на конкурс свои произведения отправили русская поэтесса Мария Волынцева, более известная, как Мария Вега, а также один из крупнейших русских живописцев первой трети XX века Александр Яковлев – автор целого ряда знаменитых портретов, эскизов росписей Казанского вокзала в Москве и т.д. Ни он, ни Волынцева медали не выиграли, но имена их сохранились в официальных олимпийских архивах. Еще один наш великий соотечественник – композитор Игорь Стравинский участвовал в этой Олимпиаде в качестве члена жюри секции «Музыки».
Александр Яковлев. Автопортрет. 1917.
Государственная Третьяковская галерея
Поэтесса Мария Волынцева (Мария Вега). 1900-е годы
Игорь Стравинский. 1920-е годы. Источник: Wikimedia Commons
Конкурсы искусств набирали обороты и со следующих Олимпийских игр 1928 года в Амстердаме, во-первых, было значительно расширено количество категорий (с пяти до шестнадцати), во-вторых – значительно возросло число участников (1150 произведений от 370 художников в 1928 году, 1100 произведений от 540 художников в 1932 году, 667 произведений от 527 художников в 1936 году). Возрастала и популярность конкурсных выставок у зрителей. В Амстердаме выставку за месяц ее работы посетило свыше 10 000 человек, в Лос-Анджелесе в 1932 году экспозицию увидели 384 000 человек, и это несмотря на Великую депрессию, а в Берлине в 1936 году – 70 000 человек.
Среди чемпионов по-прежнему можно было встретить мастеров с мировой репутацией. Так, например, олимпийское золото в категории «Живопись» завоевал в 1928 году Исаак Исраэлс – выдающийся голландский импрессионист и близкий друг Эдуарда Мане и Макса Либерманна, а серебро досталось английской представительнице постимпрессионизма и первой женщине-академику Королевской Академии художеств Лауре Найт. В категории «Круглая скульптура» золото взял известный французский скульптор Поль Ландовски – автор знаменитой статуи Христа-искупителя в Рио-де-Жанейро, а также будущий куратор Всемирной выставки 1937 года в Париже, ставшей известной противостоянием советского и германского павильонов.
Исаак Исраэлс. Всадник в красном. 1928 (Золотая медаль Олимпийских игр 1928 года в категории «Живопись»)
Помимо них, в Олимпиадах в разные годы участвовали знаменитые немецкие мастера Макс Либерманн и Макс Слевогт, яркий представитель «парижской школы» Кес ван Донген, английский анималист Альфред Маннингс, французский художник и директор Академии изящных искусств Альбер Декарис и многие другие.
Кес ван Донген. Эквилибристка. 1907.
Sotheby’s (Произведение участвовало в Конкурсе искусств Летних Олимпийских игр 1932 года в Лос-Анджелесе)
Последний раз Конкурсы искусств прошли в 1948 году на Олимпиаде в Лондоне, и они тоже стали примечательны одним интересным фактов. Именно на них появился самый возрастной чемпион в истории современных Олимпийских игр. 73-летний Джон Копли завоевал серебряную медаль в категории «Графика» за свой офорт «Поло». Копли считается одним из важнейших английских офортистов XX века. Но спортивная тема нетипична для его творчества, тем не менее, в 1939 году его так восхитил матч по конному поло, что он создал целую серию офортов, вдохновленных увиденным и одна из работ этой серии принесла ему медаль и вписала в олимпийскую историю.
Джон Копли. Поло. 1939.
Источник: Copleygabain.com
Через год после Олимпиады, в 1949 году МОК, настроенный после Второй Мировой войны резко против Конкурсов искусств, сначала приостановил их проведение, а затем и вовсе отменил, полностью вычеркнув из исторического протокола соревнований все врученные художникам медали, которые перестали учитываться в медальном зачете стран-участниц.
Так, Разум и Тело вновь постиг формальный развод, однако они уже были слишком близки, чтобы кому-нибудь удалось разделить их в действительности. По сей день МОК продолжает организовывать параллельные культурно-просветительские программы к Олимпийским играм, в которые входят выставки, фестивали, публикации большого количества материалов, посвященных, как профессиональным художникам, так и мастерам из числа бывших спортсменов. Так что идея барона де Кубертена по-прежнему живет и искусство по-прежнему является значимой частью Олимпийских игр.
Эдгар Дега — один из самых известных французских художников-импрессионистов. Его работы пленяют своей реалистичностью и эмоциональной глубиной. Однако, среди множества его произведений есть серия рисунков, которая вызывает противоречивые эмоции и мнения. Делимся интересными фактами из его творчества!
Факт №1
Художник создал серию рисунков, на которых были изображены обнаженные женщины в неудобных позах, вытирающиеся полотенцами, расчесывающие волосы, принимающие ванну и т.д. Эта серия входит в число его работ, которые впоследствии были осуждены несколькими критиками как женоненавистнические. Также Дега печально называл танцовщиц, которых он рисовал, «девочками-обезьянками» и говорил:
«Возможно, я слишком часто рассматривал женщину как животное».
Факт №2
Эдгар Дега был постоянным посетителем старого Парижского оперного театра, и ему даже разрешали посещать уроки танцев, поскольку он был другом Жюля Перро, знаменитого балетмейстера. С 1870-х годов и до своей смерти Дега постоянно исследовал тему танца, которая составляет значительную часть его творчества.
Он наиболее известен своими картинами, изображающими балерин за работой, на репетиции или на отдыхе. Он изобразил их под разными углами в сотнях различных положений. Художник запечатлел движение так, как никогда раньше, что является одной из причин легендарного статуса его танцевальных картин. Дега создал более 1500 работ, изображающих балерин.
Факт №3
Эдгар Дега родился в аристократической семье и его родовая фамилия была «де Га». Это подчеркивало его благородное происхождение и принадлежность к высшему обществу. Однако, в какой-то момент своей жизни художник решил изменить фамилию на более «народную» и стал известен как «Дега». Этот шаг был символическим и отражал его желание быть ближе к простым людям, их жизни и проблемам.
Факт №4
Теряя зрение в позднем возрасте, художние начал работать со скульптурой, используя для этого воск. Его ухудшающееся зрение не позволяло ему продолжать писать картины с прежней точностью, поэтому он нашел новый способ выражения своего таланта. Однако, за исключением единственной фигурки балерины, эти работы не были показаны при жизни художника. После его смерти ученики и последователи изготовили на их основе бронзовые скульптуры, которые стали не менее известными, чем его живописные работы.
Факт №5
В середине 1890-х Франция была охвачена одной из самых напряженных политических драм в своей истории, известной как дело Дрейфуса. История с участием офицера еврейского происхождения по имени Альфред Дрейфус разделила французское общество на две части. Эдгар Дега встал на сторону, так называемых «антидрейфусаров». Его антисемитизм отдалил его от многих друзей. В последние годы жизни Дега беспокоили проблемы со зрением, ему приходилось носить темные очки на улице, и в 1912 году он бросил работу. Эдгар Дега умер в Париже 27 сентября 1917 года. Ему было 83 года. Художник никогда не был женат. У него были близкие отношения с несколькими женщинами, наиболее известной из которых была американская художница Мэри Кассат.
Автор: арт-критик и искусствовед Мадина Ибрагимова(Madina Ibragimova)
