Даша Ильяшенко — основательница платформы KakdelArt, объединяющей русскоязычных художников в Израиле. Оставив карьеру в сфере IT, она посвятила себя развитию проекта, который служит мостом между художниками-репатриантами и локальной культурной средой. Ее история — это рассказ о том, как одна идея может изменить не только жизнь человека, но и целую творческую среду.
О себе и начале пути
ДашаИльяшенко
Я родилась в Москве, окончила журфак МГУ. Начинала карьеру в журналистике, работала в различных изданиях, но вскоре перешла в IT, где четыре года была комьюнити-менеджером в компании BlaBlaCar. Эта работа дала мне навыки управления сообществами, маркетинга, проектного менеджмента и основы бизнес-процессов. Однако со временем я поняла, что IT — это не то, что меня по-настоящему интересует. Я много путешествовала, побывала в 30 странах и всегда уделяла внимание современным музеям и альтернативным пространствам. Постепенно я поняла, что хочу заниматься проектами, связанными с искусством и урбанистикой, и решила погрузиться в тему креативных кластеров.
Переехав в Израиль в 2019 году, я начала воплощать идею создания креативных кластеров — пространств, таких как здания или кварталы, наполненных резидентами из творческих сфер. Эти кластеры задумывались как места для людей искусства, где художники и горожане могли бы взаимодействовать и обогащать друг друга. Исследуя локальную среду и налаживая контакты, я выяснила, что такая концепция в Израиле практически не известна, и мне предстояло популяризировать ее среди местного сообщества.
В начале пути я практически не отбирала никого специально в команду. Моя стратегия заключалась в том, чтобы прийти на любое событие или пространство и рассказать про свою идею создания креативного кластера. Идея сформировалась через общение с людьми. Некоторые просто поддерживали меня, кто-то говорил, что поучаствует позже, а кто-то хотел присоединиться к проекту сразу.
У меня не было бюджета или навыков фандрайзинга, но люди собирались вокруг идеи.
Для создания первых проектов я собрала единомышленников, которые были вдохновлены идеей нового культурного пространства. Изначально мы назывались «Cluster». Для израильтян это слово не несёт особого смысла и звучит абстрактно, поэтому оно отлично подошло нам в качестве названия. Наш первый проект — art-инсталляция в городском парке, реализованная в сотрудничестве с мэрией. Это было через два месяца после моей репатриации.
В 2020-2022 годах я начала сотрудничество с израильской командой, стремившейся создать что-то подобное арт-кластеру в бывшем хостеле. Постепенно я взяла на себя задачи по маркетингу и взаимодействию с сообществом. Несмотря на то, что на тот момент я не знала иврит, мои навыки продвижения и организации позволили продвигать проекты на иностранном для меня языке. Именно этот опыт помог мне освоить иврит, погрузиться в локальную арт-среду, познакомиться с площадками и поработать с грантами. Позже он пригодился мне при создании проекта KakdelArt.
Идея создания KakdelArt
Проект KakdelArt появился сразу после начала российско-украинского конфликта, в марте 2022 года. Я поняла, что начнется большая волна русскоязычной эмиграции, и решила помочь людям искусства найти себя в новой стране. Название «KakdelArt» мы придумали вместе с первыми членами сообщества. Фраза «Как дела?» известна каждому израильтянину благодаря множеству русскоязычных жителей, которые интегрировались в израильское общество и внесли свои базовые выражения, вроде «привет», «как дела», «как тебя зовут», в разговорный язык. Под этим брендом мы объединили русскоязычных художников и создали платформу, которая помогает им находить себя на израильской арт-сцене, участвовать в выставках и культурных событиях, а также взаимодействовать с местным сообществом.
Первое мероприятие проекта началось с open call для художников на благотворительную выставку в поддержку Украины, которая прошла в четырёх городах Израиля. На неё откликнулись около 70 художников, и в результате продажи их работ удалось собрать 36 тысяч шекелей.
Расширение сообщества и партнерских связей
С самого начала проекта KakdelArt мы активно развивали присутствие в социальных сетях: Instagram, Facebook и Telegram. Создавали открытые чаты и приглашали новых участников. Регулярно проводили нетворкинг-мероприятия, чтобы люди могли познакомиться друг с другом и с нами лично. Важную роль сыграло и сарафанное радио, которое помогало распространять информацию о проекте.
Также я рассказала о нашей деятельности Министерству Алии и муниципалитетам, и теперь они направляют к нам художников-репатриантов. О нас знают и другие организации, работающие с новыми репатриантами, такие как Маса и Таглит.
Финансовая модель
На разных проектах мы зарабатываем по-разному. Например, мы можем продавать билеты на нетворкинг-мероприятия или фестивали. Также у нас есть онлайн-курс для художников, который помогает участникам глубже понять местную арт-сцену и организованно работать над своими проектами, и участие в этом курсе является платным. Кроме того, мы запустили менторскую программу, где в роли менторов выступаем я и другие русскоязычные кураторы, которые давно живут в Израиле и хорошо понимают местные особенности. Среди них, например, Вера Гайлис и Катя Финкельштейн.
С этого года мы начали сотрудничать с другими организациями, что позволило нам привлечь сторонний бюджет для некоторых проектов. Например, Центр современного искусства и иудаизма Neve Schechter в Тель-Авиве получил грант на программу для русскоязычных художников и пригласил меня координировать и курировать этот проект.
Появляются и другие подобные проекты, где есть сторонние партнёры и финансирование. Например, музей современного искусства в Рамат Гане обратился к нам с идеей организовать мероприятие для художников-репатриантов в рамках одной из своих выставок. В некоторых проектах предусмотрен бюджет на координатора, и зачастую эту роль выполняю я. В других проектах могут быть стипендии для участников или средства на организацию мероприятий.
Такое сотрудничество с местными институциями позволяет нам становиться более заметными, и всё больше организаций хотят работать с нами, что даёт возможность реализовывать интересные проекты.
О трудностях и успешных проектах
Были и неудачные кейсы. Например, в прошлом году мне бесплатно предоставили большое красивое помещение, и я решила организовать там Artist Run Space — студию для художников. 20 художников стали резидентами, проводились выставки и мероприятия, и это был замечательный опыт. Однако вскоре нам пришлось вернуть это пространство, и я поняла, как важно иметь своё собственное место.
Я нашла новое пространство, но оно уже было платным и не дешёвым. Попробовала создать там студию и проводить мероприятия, однако помещение представляло собой единое пространство, не разделённое на отдельные студии. Это осложняло организацию: параллельно проходили рабочие процессы и вечеринки, что пагубно влияло на оба формата. К тому же аренда не окупалась, и финансово я выходила лишь в ноль, иногда в плюс, иногда в минус. Это место остаётся у меня до сих пор, оно востребовано в арт-сообществе, там проходят выставки, но сейчас его содержание убыточно, и я рассматриваю возможность закрытия.
Но есть и множество успешных проектов. Одним из них стало участие в Иерусалимской неделе дизайна. Это ежегодная большая арт-дизайн-выставка, на которую подаются сотни заявок. Ранее я сама несколько раз участвовала в этом open call, но не проходила отбор. В этом году я организовала встречу нашего сообщества с куратором фестиваля, что помогло художникам лучше понять требования и подать заявки. В итоге четыре человека из нашего сообщества прошли отбор и приняли участие, и я очень горжусь этим результатом.
Планы на будущее
Я вижу KakdelArt не только как платформу для интеграции русскоязычных художников в Израиле, но и как возможность для израильтян присоединиться к нашему сообществу. Моя цель — создать устойчивую сеть проектов, поддерживаемых как грантами, так и партнёрствами с местными институциями.
Мы не стремимся постоянно придумывать что-то новое, поскольку это не всегда рационально. Если что-то работает хорошо, мы продолжаем это делать, совершенствуем и упрощаем, чтобы всем было удобнее. Например, мы организуем фестивали пару раз в год и сейчас уже идет четвёртый поток нашего курса по развитию карьеры художника.
Сейчас мы планируем провести мульти-арт фестиваль на Новый год, как делаем это уже два года подряд. Новый год отмечается русскоязычным сообществом в Израиле, и израильтяне тоже знают об этом празднике. Мы организуем фестиваль с арт-программой прямо 31 декабря, чтобы люди могли отметить праздник вместе. В этом году у нас есть возможность провести его в Музее Города на одной из центральных площадей, и мы надеемся на положительное решение по бюджету.
Также у нас есть две площадки, которые принадлежат нам, но я рассматриваю возможность перейти на работу с партнёрскими пространствами, а не содержать свои собственные. Это сделает нашу деятельность проще, менее рискованной и, вероятно, более выгодной для художников. Весь проект остаётся достаточно гибким и развивается органично, без чётких и жёстких рамок.
Для меня больше важно не зарабатывать на этом проекте, а помогать художникам находить свои возможности для самореализации.
Евгения Скубина — художница и иллюстратор из Москвы, стремящаяся передать в своих работах свет, гармонию, беззаботность и внутреннюю красоту. Она сотрудничала с такими журналами, как Tatler, Glamour, Ornament Magazine, Seasons, а также с компаниями МегаФон, Yandex и Jardin Coffee.
В теплый осенний день мы встретились с Евгенией в её студии на Покровке, чтобы обсудить, как она находит красоту в повседневной жизни, преодолевает творческие кризисы и создаёт гармоничные композиции, вдохновляясь Матиссом и Гогеном.
Евгения Скубина Фото здесь и далее: Алексей Алифанов
О пути становления как творческого человека
С самого детства рисование было моим любимым занятием, поэтому я ходила в соответствующий кружок, а потом и в детскую художественную школу. Но «художка» с её требованиями и довольно консервативным подходом высосала из меня все соки и лишила какой-либо уверенности в себе как в художнице. И по сути она осталась моим единственным художественным образованием: пару лет после неё я вообще не притрагивалась к краскам и отправилась учиться на лингвиста-переводчика. Затем я постепенно вернулась к рисованию — сама дома осваивала масло и акрил, искала свой стиль и, сделав вираж в сторону графического дизайна и иллюстрации, оказалась там, где я сейчас, — художницей, чьё основное занятие — это живопись.
О выборе цветов и композиции
Как правило, когда смотрю на эскиз, понимаю, какой цвет я точно хочу добавить на картину. И от этого иду дальше: придумываю сочетания, которые хочу видеть. Постепенно так выстраивается вся работа. Мне хочется создавать гармоничные композиции, чтобы при взгляде на картину не создавалось ощущения дисбаланса и неуютности.
О процессе создания картины
Первые эскизы я делаю в электронном виде на айпаде — так удобнее подобрать цвета и композицию. Потом переношу его на картину, обычно немало чего изменяя в процессе. А вдохновить на сюжет могут совершенно случайные вещи: поза, увиденная в жизни, на фото или на другой картине, какие-то воображаемые ситуации.
Про стиль и влияние французских художников
Слово «фовизм» не слишком на слуху, поэтому чаще всего я называю свой стиль авангардом и добавляю, что вдохновляюсь Матиссом. Думаю, в первую очередь в работах Матисса и Гогена меня привлекает обилие цвета, красивые его сочетания и общая атмосфера радости, неги и безмятежности. В общем, всё то, что является ключевыми моментами и моего творчества. Из современных художников мне нравятся Pierre Boncompain, Pegge Hopper, Kelly Beeman.
Как можно увидеть, самые частые мои сюжеты — это безмятежные, задумчивые девушки и летние, тоже безмятежные в своём роде, натюрморты.
В своих картинах мне нравится подмечать красоту случайного момента или наших обыкновенных вещей, быта — всего того, что окружает нас каждый день и часто недополучает любования.
О направлениях в творчестве
Для меня безусловно живопись стоит на первом месте. Здесь я ощущаю большую свободу самовыражения и художественную силу. Но иллюстрация даёт возможность посотрудничать с крупными брендами, а значит, выйти на более обширную аудиторию. Как правило, бренды задают некие рамки для работы, но и это бывает интересно — сохранить свой стиль и при этом выполнить поставленную задачу. Сейчас как раз работаю над парой интересных новогодних проектов.
Про внутреннюю гармонию и вдохновение
Думаю, это просто некая моя мечта, которую я реализую в своих работах: красивый антураж, спокойное, мечтательное состояние героинь — это то, к чему я сама внутренне стремлюсь или что пытаюсь сохранить в нынешнем сумасшедшем мире.
О творческом кризисе
Единственный творческий кризис был, пожалуй, только после окончания художественной школы.
В остальные моменты я очень благодарна за свою участь быть художницей, рисовать почти каждый день и зарабатывать этим на жизнь — это моя отрада.
У меня был период нелюбимой работы в офисе в течение восьми лет, и это дало мне прививку от каких-либо жалоб на своё нынешнее дело. Всё будет лучше, чем та работа.
Эдгар Дега — один из самых известных французских художников-импрессионистов. Его работы пленяют своей реалистичностью и эмоциональной глубиной. Однако, среди множества его произведений есть серия рисунков, которая вызывает противоречивые эмоции и мнения. Делимся интересными фактами из его творчества!
Факт №1
Художник создал серию рисунков, на которых были изображены обнаженные женщины в неудобных позах, вытирающиеся полотенцами, расчесывающие волосы, принимающие ванну и т.д. Эта серия входит в число его работ, которые впоследствии были осуждены несколькими критиками как женоненавистнические. Также Дега печально называл танцовщиц, которых он рисовал, «девочками-обезьянками» и говорил:
«Возможно, я слишком часто рассматривал женщину как животное».
Факт №2
Эдгар Дега был постоянным посетителем старого Парижского оперного театра, и ему даже разрешали посещать уроки танцев, поскольку он был другом Жюля Перро, знаменитого балетмейстера. С 1870-х годов и до своей смерти Дега постоянно исследовал тему танца, которая составляет значительную часть его творчества.
Он наиболее известен своими картинами, изображающими балерин за работой, на репетиции или на отдыхе. Он изобразил их под разными углами в сотнях различных положений. Художник запечатлел движение так, как никогда раньше, что является одной из причин легендарного статуса его танцевальных картин. Дега создал более 1500 работ, изображающих балерин.
Факт №3
Эдгар Дега родился в аристократической семье и его родовая фамилия была «де Га». Это подчеркивало его благородное происхождение и принадлежность к высшему обществу. Однако, в какой-то момент своей жизни художник решил изменить фамилию на более «народную» и стал известен как «Дега». Этот шаг был символическим и отражал его желание быть ближе к простым людям, их жизни и проблемам.
Факт №4
Теряя зрение в позднем возрасте, художние начал работать со скульптурой, используя для этого воск. Его ухудшающееся зрение не позволяло ему продолжать писать картины с прежней точностью, поэтому он нашел новый способ выражения своего таланта. Однако, за исключением единственной фигурки балерины, эти работы не были показаны при жизни художника. После его смерти ученики и последователи изготовили на их основе бронзовые скульптуры, которые стали не менее известными, чем его живописные работы.
Факт №5
В середине 1890-х Франция была охвачена одной из самых напряженных политических драм в своей истории, известной как дело Дрейфуса. История с участием офицера еврейского происхождения по имени Альфред Дрейфус разделила французское общество на две части. Эдгар Дега встал на сторону, так называемых «антидрейфусаров». Его антисемитизм отдалил его от многих друзей. В последние годы жизни Дега беспокоили проблемы со зрением, ему приходилось носить темные очки на улице, и в 1912 году он бросил работу. Эдгар Дега умер в Париже 27 сентября 1917 года. Ему было 83 года. Художник никогда не был женат. У него были близкие отношения с несколькими женщинами, наиболее известной из которых была американская художница Мэри Кассат.
Автор: арт-критик и искусствовед Мадина Ибрагимова(Madina Ibragimova)
Многие уже знакомы с работами художницы Натальи Занчевской, выполненные в стиле художественного минимализма с восточными мотивами. Ее тонкие и чувственные произведения быстро нашли своего зрителя, восхищенного ее уникальным талантом и стилем. Все началось с того, что во время пандемии Наталья присоединилась к проекту в Facebook под названием «Шар и Крест», где она впервые выставила работы. Они мгновенно нашли свое признание среди тысяч пользователей, восхищенных ее талантом и оригинальным стилем.
В нашем интервью мы поговорили с художницей про вдохновение и успех, а также про творческий процес и планы на будущее.
Как все начиналось
Я работала художником по костюмам в кино, до этого я занималась дизайном одежды, окончила академию архитектурно-художественную. Раньше я не пробовала выставлять свои работы, не приходило это в голову почему-то. Я создавала большей частью эскизы – сначала моделей одежды для коллекций, потом эскизы костюмов для кино.
Может звучать довольно пафосно, но в определенный момент ты вдруг словно что-то осознаешь, что-то в тебе меняется, тебе становится понятным о чем ты хочешь рассказать.
Началось все в период пандемии, когда все сидели дома, проекты в кино были приостановлены. Это было прекрасное время для погружения в себя, для саморазвития. Я как раз рисовала, пробовала маслом писать. Кто-то из друзей мне рассказал о новом закрытом сообществе в Facebook под названием «Шар и крест», созданном для взаимопомощи художникам, коллекционерам и галеристам. Я решила попробовать опубликовать свою графику, но, надо признать, не с первой попытки это удалось. В группе существовал строгий ценз – работы отбирались экспертами, в том числе основателем Максимом Боксером.
Про признание и популярность
Признание? Что это значит? Если говорить о признании онлайн, то оно как-то сразу, с первых публикаций в группе «Шар и Крест» появилось. Это было очень любопытное время, интересный опыт. В группе царила неповторимая атмосфера: одни с диким азартом охотились за работами полюбившихся художников. По очень демократичным ценам, надо заметить. Другие – работали с бешеной скоростью или открывали «закрома», продавали то, что было создано ранее.
Для меня все совпало самым счастлитвым образом. Неожиданно для себя я открыла новое направление в творчестве, причем то, о котором я мечтала в детстве. Хотя оно и не было таким уж новым, но зарабатывать, продавая свои картины, я начала именно тогда.
Для меня это был шанс изменить свою жизнь, и я не хотела его упустить. Как мне сказал когда-то Максим Боксер: «Япросто дал удочку».
Про вдохновение и стиль
Я родилась в Сибири, на северном Урале – это как раз то место, где встречаются Восток и Запад, и ты просто ощущаешь это взаимодействие. Я была воспитана в европейских традициях, я скорее западный человек, но культура Востока всегда меня притягивала.
В моих работах главный персонаж – женщина. Цвета, орнаменты, ткани – это, конечно, влияние моего образования (я – дизайнер одежды, художник-модельер) и работа художником по костюмам, профдеформация, можно сказать. Что касается азиатских черт в лицах… Этот вопрос мне частно задают, и я не знаю на него ответ, честно говоря, не придавала этому такого большого значения. Когда работала над портретами людей самых разных национальностей в серии «Этнография», поймала себя на том, что азиатские черты лица меня очень привлекают, мне интересно их изучать, рисовать. А потом я просто искала свой символ человека, и получился такой вот собирательный образ женщины. В какой-то момент мне самой стала любопытна причина, я даже сделала ДНК-тест, который показал, что 12% азиатской крови у меня все же есть. Так что, может быть, зов предков?
Используя язык тела, я хочу не только показать важность гармонии с природой, об этом источнике силы и энергии. Я хочу, чтобы вы вернулись в свою собственную память и вспомнили те моменты, когда вы общались с природой осознанно. В моих работах много воды (реки и моря), много земли (горы, поля или степь), воздуха (ветер), именно потому, что там я черпаю свои силы.
С заказами в последние 2 года не очень, в том смысле, что я предпочитаю их не брать. Люди, заказывающие работы, ожидают получить определенную эмоцию, а я точно знаю, что гарантировать результат не могу, не простой сейчас период. Один из моих последних проектов был три года назад — я создавала фреску для ресторана Mercado del Sol в Санкт-Петербурге. Тогда мне не ставили строгих рамок, и я имела полную свободу творчества. Весной 2022 года мне поступило ещё два подобных предложения из Москвы, но я отказалась.
Про японский период
Началось все с моды. Когда я училась на факультете дизайна одежды, я была вдохновлена японскими модельерами, такими как Ёдзи Ямамото и Comme des Garçons. Затем был фильм Вима Вендерса «Записки об одеждах и городах», и Япония вошла в мою жизнь. Сьездив туда туристом, я была покорена культурой, традициями, но людьми, конечно, в первую очередь. Желание пожить там для более глубокого погружкения казалось невозможной мечтой. И все же в конце 2022 года я начала учить японский язык и поехала в Токио.
Рано говорить о том, повлиял ли этот мой «японский период» на творчество. Вернее рано говорить о том, как он повлиял. Нужно время, чтобы все улеглось, сформировалось. Тем не менее, как раз сейчас я работаю над новой серией графики, в которой размышляю о сложностях и ограничениях, с которыми сталкивается человек на новом этапе жизни.
Про успех
Успех для меня – это когда удается добиться задуманного, когда я нахожу решение для задачи, которую ставлю сама перед собой, именно это для меня важнее всего.
Передать сложноуловимые эмоции, ощущения, найти средства для их изображения, не просто рассказать о них, а, скорее, вызвать собственные воспоминания зрителя, оставаясь при этом лакончиной, используя минимум инструментов – этого я пытаюсь добиться.
Творческий процесс
Когда я работаю, я как будто выпадаю из мира, меня не беспокоят посторонние шумы – я их не слышу, я забываю поесть, «отключаюсь» от тела и мира что ли. Единственное, что для меня действительно имеет огромное значение- это дневной свет, электрическое освещение меняет восприятие цвета, поэтому работаю я только утром и днем. С этим у меня здесь, в Японии, есть определенные трудности, к сожалению,- я должна подстраиваться под расписание уроков японского.
Про планы на будущее
Хочешь насмешить Бога, расскажи ему о своих планах, так? Последние несколько лет как будто бы научили не ожидать и не планировать. Но, пожив в Японии, не можешь не заразиться страстью к долгосрочному плавнированию. Здесь я впервые увидела ежедневники на 5 лет, и надо сказать, они пользуются спросом. Я планирую свой следующий этап пути, теперь с Востока на Запад. Мне хочется получить свой европейский опыт и смешать его с японским, как краски на палитре, чтобы получить новый цвет.
Художница Инга Кныш живет в Лондоне. В 2024 году ее работа Earl Grey была представлена на групповой выставке Works on Paper в галерее Green & Stone, а в 2023 году она получила награды Chelsea Art Society Young Artist Award и Constance Cooper Silver Trophy. Сегодня ее произведения находятся в частных коллекциях в России, Великобритании, Канаде, Испании, Португалии и ОАЭ.
Инга поделилась с нами своим опытом: как находит баланс между творчеством и основной работой, что вдохновляет ее в мегаполисе, и как переход от акварели к маслу открыл новые грани ее художественного выражения.
Про творческий путь
Я рисую с детства, в целом. Помню, как мама рассказывала: она пришла однажды домой, а у нас все обои изрисованы. Так, кажется, меня и отвели в первую изостудию. Потом уже была школа искусств, разные курсы, и конечно, много практики.
В Великобритании, и конкретно в Лондоне, очень много возможностей, а потому и конкуренции, ведь многие хотят выставляться тут, а значит, иногда конкурс на open call будет 1 к 15. В основном, главный вызов – продолжать рисовать и подаваться, выставлять работы и искать «свое место».
Здесь много художников разных направлений, течений, культур – очень ценю, что есть разные арт-сообщества, и мы поддерживаем друг друга.
О совмещении основной работы с художественным творчеством
Я работаю в сфере маркетинга пять дней в неделю и стараюсь почти все остальное свободное время уделять живописи. Обычно, длинные сессии живописи у меня в выходные – то есть по несколько часов. По вечерам в будни меньше, но все же стараюсь – когда как, хотя бы час, а где-то хотя бы десять минут поскетчить. Стараюсь выделять время. Не то чтобы эта стратегия, но в какой-то момент осознала, что от чего-то придется и отказаться. Например, пришлось остановить преподавание (я давала частные уроки акварели в прошлом году), меньше читать книг и много чего еще. Есть «жертвы», в общем.
Честно сказать, мне просто очень хочется рисовать больше, поэтому я скетчу и в пути на работу, и в кафе, где придется.
«Cotswolds». Inga Knysh. Oils on board. 2024
Про жизнь в мегаполисе
Все это для меня о поиске баланса: в жизни и в творчестве. В повседневности – баланс между постоянным бегом, спешкой и спокойствием, паузой. Городские серии у меня почти всегда о ритме, движении, а «домашние» или зарисовки в кафе – это как раз остановка, вдох-выдох, медитация, отдых. Я живу в Лондоне, а до этого жила в Москве – это большие бурные города, я «бегу» всю жизнь и часто совмещаю много дел сразу, пытаюсь все успеть и мысленно быть здесь и сейчас.
Для меня моя последняя картина с чашкой чая – это напоминание себе остановиться и выпить чай, пока он еще теплый.
«Earl Grey», Oils on paper. 2024
Мне нравится писать город на месте, ловить момент, где разворачиваются истории людей – они куда-то идут, встречаются или чего-то ждут. Город живет своей жизнью, и в нем есть все. Попытка ухватить его состояние – если к этому удается приблизиться, это приятное чувство. На пленэрах было много разных случаев. Иногда люди подходят, мы знакомимся. Это здорово.
Я стараюсь не беспокоить людей, когда их рисую. Чаще всего они и не замечают, что я их рисую. Если замечают, то слежу за реакцией – чаще всего я сменю объект, чтобы не напрягать человека. Но бывало, когда мне улыбались, а потом просили посмотреть рисунок. Был один случай, я показывала скетч человеку, и мне сказали, что это «made my day». Когда людям приятно, это конечно радует.
Однажды когда я стояла рисовала, ко мне подошла девушка и попросила посмотреть за ее ребенком в коляске, пока она сходит в туалет. Тогда я подумала, что, наверное, репутация у художников неплохая, раз мне так доверяют.
Про переход от акварели к маслу
Я всегда говорила, что акварель – это моя стихия, и я люблю ее характер, и никогда ни на что ее не променяю, но вот последние полгода или год, моя новая страсть – масляная живопись, и я очень активно изучаю ее, пока на начальном этапе. Я пришла в масло, когда поняла, что в акварели начала писать жирнее и с мазками – то есть сначала пришла в масло за текстурой, а в итоге сейчас пишу по-разному, даже довольно тонко. Сейчас мне очень нравится, сколько возможностей открывается с маслом.
Про серию работ «Not Here Not Now»
Эта серия близка к моему исследованию ритма жизни и чувства включенности, присутствия, осознанности. Она является наиболее критической из всех серий моих работ. Эти картины рассказывают о том, как я иногда ощущаю себя «не здесь и не сейчас». Мое тело находится «здесь», но мой разум – где-то еще. Возможно, в мыслях о прошлом или беспокойствах о будущем, а не в настоящем моменте. Также о расщеплении между онлайн и оффлайн мирами. Поэтому люди на картинах физически разделены между пространствами и на листе. Это также самая контрастная и вызывающая по цветам серия моих работ: здесь есть много противоположного, красного и зеленого, как символы светофоров и активного движения и резкой остановки. Контраст подчеркивает различия между мирами: онлайн и оффлайн, настоящим и прошлым, реальностью и представлениями. Я хочу привлечь, прежде всего, свое внимание к этой теме, но также и внимание зрителя — о том, как вернуться к ощущению присутствия и связи с реальным миром.
«Not Here, Not Now». Watercolours. 2023
Про вдохновение и философию ваби-саби
Я хожу и изучаю как художников прошлых столетий, так и современных. Стараюсь делать заметки или зарисовки в скетчбуке. Из последнего – очень понравилась выставка «Impressionists on paper»(Royal Academy of Arts, Лондон). Там было много этюдов и зарисовок, которые я не видела. Люблю смотреть на подготовительные работы, потому что это помогает понять, как художник мыслил.
Мне кажется, что красота тем прекраснее, если в ней есть что-то несовершенное. Без тени нет света. Я не стремлюсь к совершенству в картинах. Завершенность работы не всегда идеальна только визуально. Главное – это законченная мысль или пойманный живой момент, знакомое ощущение. И это тоже отражено в философии ваби-саби: эта идея непостоянства, текучести, сменяемости. Живопись – это всего лишь попытка поймать все это за хвост.
