Любимые места отдыха известных художников и писателей

Любимые места отдыха известных художников и писателей

Замок Гримальди в Антибе, где сегодня расположен Музей Пикассо. Фото: Office de Tourisme Antibes Juan-les-Pins

Есть места, которые становятся не просто точкой на карте, а почти соавтором произведения. Художник или писатель приезжает туда однажды — и возвращается снова и снова, пока пейзаж за окном не начинает просачиваться прямо в холст или в строчку. Собрали пять таких историй: от французской Ривьеры до армянского Дилижана.

Пабло Пикассо, Лазурный берег (Франция)

Lucien Clergue — Picasso à la plage, Cannes 1965

Пабло Пикассо провёл большую часть взрослой жизни во Франции — и именно там к нему пришло настоящее признание. Но по-настоящему своим местом художник считал Лазурный берег: сюда он впервые приехал отдыхать в 1919 году вместе с первой женой Ольгой Хохловой и с тех пор возвращался на протяжении десятилетий, прерываясь разве что на военные годы.

Здесь, в Валлорисе, недалеко от Ниццы, сохранилась римская часовня с одной из самых масштабных работ художника — росписью «Война и Мир» площадью больше ста квадратных метров. А в Антибе, в бывшем замке Гримальди, построенном на фундаменте древнегреческого поселения, работает музей Пикассо с 245 произведениями разных периодов — и тем самым печатным станком, на котором художник создавал графику.

Густав Климт, озеро Аттерзее (Австрия)

Gustav Klimt with his friends at the Attersee lake, 1907. Photo by Imagno/Getty Images.

Густав Климт почти не покидал Вену — но каждое лето с 1898 года делал исключение ради озера Аттерзее в австрийских Альпах. Там он проводил недели напролёт: плавал, греб, гулял по горам — и писал пейзажи, совсем не похожие на его привычные символистские полотна.

Работал он, как и Моне, прямо из лодки посреди воды. Но в отличие от импрессионистов, Климта не интересовала охота за переменчивым светом и погодой — он фиксировал крошечный, но зачаровавший его фрагмент мира. Компанию на озере ему составляла Эмилия Флёге. При жизни художника эти летние пейзажи не пользовались особым спросом у коллекционеров — что, впрочем, вряд ли его расстраивало.

«Остров на озере Аттерзее», Густав Климт. 1902г. Холст, масло.

Фёдор Достоевский, Баден-Баден (Германия)

В 1860-х Фёдор Достоевский колесил по немецким курортам — Баден-Бадену, Висбадену, Бад-Хомбургу, — формально ради лечения. Неформально его затянула рулетка. Именно из этого опыта родился роман «Игрок»: в 1866 году, чтобы не попасть в долговую тюрьму, писатель заключил рискованное пари с издателем — успеть сдать новый текст к 1 ноября — и продиктовал книгу за три недели стенографистке Анне Григорьевне, которая вскоре стала его женой.

По легенде, которую до сих пор пересказывают в висбаденском отеле Nassauer Hof, Достоевский останавливался у них в 1865 году и однажды спустил в казино огромную сумму, спешно съехав, не оплатив счёт. Документальных подтверждений этой истории нет — это скорее часть отельного фольклора, чем строгий факт. Прототипом вымышленного Рулеттенбурга из романа считается собирательный образ трёх немецких курортов сразу — хотя больше всего он похож именно на Висбаден.

Мемориальная доска на доме в Баден-Бадене, где останавливался Достоевский. Сейчас здесь работает отель Dostojewskij Haus.
Фото из открытых источников

Пётр Чайковский, Хаапсалу (Эстония)

В эстонском городке Хаапсалу — том самом, что первым в Российской империи официально получил статус курорта, — до сих пор помнят приезд Петра Ильича Чайковского в 1867 году. Прогулочную набережную здесь до сих пор в шутку называют композиторской: именно тут, на резной скамье, он любил встречать рассвет, наблюдая за белыми лебедями на воде.

Хаапсалу подарил Чайковскому фортепианный цикл «Souvenir de Hapsal», а заодно стал местом рождения замысла первой оперы «Воевода» — и, в конечном счёте, отголоски эстонских народных мотивов позже прозвучали и в его последней, Шестой симфонии.

Скамейка Чайковского на морском променаде Хаапсалу. Каменная конструкция с бронзовым портретом композитора; сегодня здесь можно включить его музыку прямо у скамьи. Фото из открытых источников

Дмитрий Шостакович, Дилижан (Армения)

Дмитрий Шостакович с Родионом Щедриным, Александрой Пахмутовой и Тамарой Холодилиной в Дилижане, Армения. Июль 1964 года.

В армянском Дилижане с 1963 года работал Дом творчества композиторов — и Дмитрий Шостакович приезжал туда четыре раза, каждый раз останавливаясь в одном и том же коттедже №8 рядом со столовой. Именно здесь он написал знаменитый Струнный квартет №9 и музыку к советскому «Гамлету».

По воспоминаниям современников — в частности, композитора Эдварда Мирзояна, — Шостакович был не только автором музыки, но и строгим судьёй на любительских футбольных матчах между отдыхающими: стоило кому-то сбить мячом яблоко с дерева, как он тут же назначал наказание. Это свидетельство очевидцев, а не архивный документ, но деталь слишком колоритная, чтобы её не сохранить.

«Щелкунчик»: как немецкая сказка стала главным балетом праздника

«Щелкунчик»: как немецкая сказка стала главным балетом праздника

История Щелкунчика – редкий пример того, как литературный текст, рождённый в романтической культуре начала XIX века, превратился в один из самых устойчивых и узнаваемых мифов мировой сцены. Немецкая сказка Эрнста Теодора Амадея Гофмана, французская переработка Александра Дюма и балет Петра Ильича Чайковского образуют цепочку трансформаций, где меняется интонация, эстетика и даже философия произведения – но сохраняется его магическое ядро.

От ремесла к традиции: немецкие Щелкунчики

Сказка «Щелкунчик и Мышиный король» была опубликована Гофманом в 1816 году в сборнике «Серапионовы братья». Вопреки позднейшей репутации «детской истории», текст Гофмана далёк от наивности. Это произведение о хрупкости детского сознания, о страхе утраты, о размытых границах между сном и реальностью.

Эрнста Теодора Амадея Гофмана. Фото: gallerix.ru

Прообраз Щелкунчика существовал задолго до литературного воплощения. В немецких землях с XVII–XVIII веков были распространены деревянные фигурки с массивной челюстью – их часто использовали для колки орехов и одновременно наделяли охранительной функцией. Якоб Гримм в «Немецкой мифологии» писал о деревянных игрушках как о предметах, способных отгонять злых духов и приносить удачу дому.

Гофман, юрист по образованию и писатель по призванию, хорошо знал этот визуальный и фольклорный контекст. Главную героиню он назвал Мари – в честь дочери своего близкого друга Юлиуса Гитцига. Уже в оригинале «Щелкунчик» – не просто игрушка, а заколдованный человек, племянник Дроссельмейера, чья судьба связана с жестоким Мышиным королём. Победа добра здесь не отменяет тревожного послевкусия: у Гофмана волшебство всегда соседствует с беспокойством.

Иллюстрации к «Щелкунчику» Ники Гольц. 1973 г.; Изд-во: М.: Советский художник

Во второй половине XIX века сказка обрела материальное воплощение. В 1870-х годах столяр Фридрих Вильгельм Фюхтнер наладил в Германии серийное производство деревянных Щелкунчиков. Именно его мастерская считается отправной точкой превращения Щелкунчика в рождественский символ. С тех пор фигурка стала неотъемлемой частью немецкой праздничной культуры – предметом интерьера, подарком и оберегом.

Александр Дюма, Чайковский и Императорские театры

В 1844 году Александр Дюма-старший публикует «Историю Щелкунчика»: вольную адаптацию гофмановского сюжета. Этот текст появился из устного рассказа: Дюма сочинил историю для детей во время рождественского праздника, чтобы «откупиться» от маленькой аудитории. Позднее сказка была напечатана в «Новом журнале для детей».

Версия Дюма принципиально меняет интонацию. Исчезает гофмановский психологизм, смягчаются страхи, сюжет приобретает лёгкость и ясную мораль. Имена героев и обстоятельства действия изменены, но главное – трансформирована атмосфера: на первый план выходит идея любви как силы, способной преодолеть любое заклятие. Именно этот текст позже станет основой балетного либретто.

В 1890 году дирекция Императорских театров заказала Чайковскому сразу два произведения для одного вечера: одноактную оперу «Иоланта» и двухактный балет «Щелкунчик». Композитор работал не с оригиналом Гофмана, а с пересказом Дюма.

Либретто создавали Иван Всеволожский и Мариус Петипа. Петипа подготовил подробный балетмейстерский план, вплоть до музыкальных характеристик отдельных сцен. Работа шла в экстремальных условиях: весной 1891 года Чайковский отправился в США на открытие Карнеги-холла и продолжал сочинять музыку даже на борту парохода. Осознавая, что не успевает к сроку, он добился переноса премьеры.

К январю–февралю 1892 года партитура была завершена и оркестрована. В марте того же года в Петербурге прозвучала сюита из балета – её успех был оглушительным: пять из шести номеров публика потребовала повторить.

«Вальс снежных хлопьев», 1892 год

Из-за болезни Мариуса Петипа сценическую постановку осуществил Лев Иванов, второй балетмейстер Мариинского театра. Его работа стала ключевой для истории балета. Критики отмечали уникальную музыкальность его мышления: Иванов не «иллюстрировал» музыку, а буквально растворял танец в партитуре.

Особое место занял «Вальс снежных хлопьев», один из первых примеров симфонизированного танца, где кордебалет становится носителем эмоционального содержания, а не фоном для солистов.

Премьера и дальнейшая судьба

Фото с премьеры балета «Щелкунчик» в Мариинском театре

Премьера состоялась 18 декабря 1892 года в Мариинском театре. Критика была противоречивой, но публика приняла балет тепло. «Щелкунчик» удерживался в репертуаре более тридцати лет, а в XX веке начал самостоятельную сценическую жизнь за пределами России.

В советский период героиню стали называть Машей, а не Кларой, и появилось множество редакций. С середины XX века, благодаря постановкам Джорджа Баланчина и европейских трупп, «Щелкунчик» окончательно закрепился как главный балет зимнего сезона.

Музыка Чайковского объединила симфонический размах и камерную поэтичность. Впервые в балете был использован челеста – инструмент, придающий партии Феи Драже характерный «стеклянный» тембр. Композитор снова обращается к теме преодоления злых чар любовью – мотиву, знакомому по «Лебединому озеру» и «Спящей красавице».

Владимир Васильев и Екатерина Максимова, 1966 год

Марши, вальсы, национальные танцы, русский трепак – всё это формирует музыкальную мозаику, которая легко считывается зрителем любого возраста и культуры.

Сегодня балет «Щелкунчик» – не просто рождественская традиция. Это история взросления, рассказанная языком театра, музыки и движения. От гофмановской тревожной фантазии до сияющего балета Чайковского путь Щелкунчика – это путь культуры, которая умеет перерабатывать страх в красоту, а детское во взрослое воспоминание.

Ольга.Мунгалова в роли Маши в сцене «Вальс снежных хлопьев», постановка Лопухова, 1929 год
Иван Всеволожский. Эскизы костюмов к балету «Щелкунчик». 1892
Дорина в партии Снежинки в балете «Щелкунчик». 1892. Театральный музей им. А. А. Бахрушина